четвртак, 29. април 2021.

I Care a Lot (2020)

 

Režija: J Blakeson

Scenario: J Blakeson 

Uloge: Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest


„I Care a Lot“ test je koji svojim gledaocima postavlja mnoštvo različitih, ali povezanih pitanja: Hoćete li mrzeti centralnog lika, Marlu Grayson, iako je glumi Rosamund Pike, koja je u filmu „Gone Girl“ pokazala da je vrlo, vrlo dobra u igranju vrlo, vrlo loše osobe? Da li je u redu za nju navijati ako su i ljudi koji dolaze za njom vrlo, vrlo loši? „Jako mi je stalo“ (I Care a Lot) uglađen je uznemirujući triler. Sagrađen je od prevare koja je dovoljno verovatna da vam napravi pauzu u glavi i glavne "junakinje" koja je toliko efikasna u svojoj đavolskoj bezobzirnosti da jedva možete odvojiti pogled od njenog opakog amoralnog sjaja. Rosamund Pike, u ubojitim odelima, glumi Marlu Grayson, konzervatora koji je zaista prevarant. Ustaće na sudu, zračeći zrakom artikulisanog saosećanja i tvrdiće da stariji građanin više ne može da se brine o sebi i da bi ga stoga trebalo staviti pod Marlinu brigu. Tada ona postaje njihov staratelj - i smešta ih u počivalište, tako da polako, ali sigurno može da im usisa svu imovinu. Ona je glavna junakinja filma, ali ona nije puka prevarantica. Ona je sociopat, grabežljivac koji će nečiji život baciti u smeće sa dvoličnim osmehom ponosa.

Reditelj i scenarista J Blakeson je snimio nekoliko žanrovskih filmova niske ocene u svojim ranijim radovima („The 5th Wave“, „The Disappearance of Alice Creed“), ali ovde pokazuje glavni talenat i da razume kako napraviti film koji će zaintrigirati gledaoca. „I Care a Lot“, iako bi mogao da koristi privlačniji naslov, film je za potpuno zakivanje gledaoca u stolicu, koji će ostati sve samo ne ravnodušan na ono što se događa na ekranu. Ono što autor filma stvara u glumici Rosamund Pike je otkriće. Zajedno stvaraju tako fatalnu ženu koja iza sebe ostavlja samo prašinu. Međutim, ovo je film koji će vas temeljito razljutiti, „I Care a Lot“ je definitivno takav film. Postoji vrlo malo filmova koji vam pokazuju koliko neki lik može biti loš da ga većina publike zamrzi. Film predstavlja lik koji više puta dokazuje koliko su zli i manipulativni ljudi dok se u svom ličnom životu ponašaju sasvim normalno. U ovom slučaju, Marla Grayson je jedna od takvih, i ceo film ćete provesti čekajući da dobije ono što zaslužuje.
Ovaj Netflix-ov film J Blakesona otvara se prenatrpanom scenom sudnice u kojoj se čovek besno suočava sa „zakonskim čuvarom“ svoje ostarele majke. Sud mu je zabranio posetu u nezi ili upravljanje njenim finansijskim poslovima. Negovateljica koju je imenovao sud, Marla Grayson (Rosamund Pike), hladno odbacuje bes čoveka i ubeđuje sudiju da je ona prava osoba za to koja će voditi brigu. Nakon fijaska u sudnici, Marla odmah dobija telefonski poziv o drugom potencijalnom klijentu. Ona o slučaju razgovara sa lekarom (Alicia Witt), za koju se ispostavlja da je umešana u pravno i moralno sumnjivo preduzeće osmišljeno kako bi starijim građanima oduzelo životnu ušteđevinu. Prevara je glatko pokretana mašina koju su organizovali Marla, lekar, direktor ustanove za negu i sudija porodičnog suda koji nadgleda saslušanja o odobravanju starateljstva. Jednom kada je imenovana za zakonskog staratelja, Marla dobija sudski nalog za uklanjanje pojedinca iz njihove kuće i njihovo prihvatanje u ustanovu za negu. Dobija se pristup njihovoj nekretnini i drugoj imovini koju brzo prodaje, koristeći deo profita kao podršku klijentovoj nezi. Ostalo joj ide pravo u džep. Marla takođe ima moć - u konsultaciji sa lekarom sa kojim je u dogovoru - da „prepisuje“ lekove koji njene klijente ostavljaju zbunjenim ili umornim. Takođe može sprečiti članove porodice da dobiju pristup. Njena najnovija žrtva je Jennifer, koju glumi niko drugi do neverovatna Dianne Wiest: žestoka sedamdeset i nešto žena savršenog zdravlja. Ona nema očigledne rođake, što je čini savršenom metom za Marlinu prevaru. Smeštena je u starački dom, oduzet joj je telefon i lečena je u stanje tuposti. Njena nemoć je brzo opipljiva i potresna. Ono što međutim, ovi prevaranti ne shvataju je da su ovog puta izabrali pogrešan plen, a prevarivši ovu naizgled ljubaznu staricu razljutili su neke opasne i nasilne ljude. Tajanstveni mafijaš (Peter Dinklage) potrudiće se da vidi Jennifer puštenu iz Marline brige. Ali Marla s ponosom odbija da se povuče bez borbe, a zavera prerasta u uzbudljivu, zločinačku hajku. U suštini, ono što gledamo su dva podla čudovišta gladna novca koja se bore dva sata. 

Nije često da filmski produkcijski dizajn stvara nešto spoljašnje emocionalno, ali Jenniferin dom živi u lepoti: mirnom i estetskom, obojenom divnom ravnom nijansom kraljevsko plave boje, ukrašenom sitnicama koje sugerišu da je to gnezdo u kojem ona živi decenijama. To je vrsta „skromnog“ doma koji sada donosi prilično para, a J Blakeson, scenarista i režiser filma „I Care a Lot“, stvara izuzetno uznemirujuću sekvencu u kojoj je Jennifer odvođena od svoje neobične domaće oaze i odvezena u ustanovu za starije osobe, gde je dočekuje niz jezivih, ljubaznih medicinskih sestara i asistenata, liše je mobilnog telefona i, naravno, dobija koktel lekova za smirenje. (Nekoliko trenutaka kasnije vidimo kako se njena kuća prazni, farba, stavlja na tržište i prodaje.) Ako zatraži upotrebu telefona ili se zbog nečega naljuti ili tvrdi da joj nije potrebna pomoć, dobija status kao pacijent sa demencijom koja je izgubila kontrolu nad sobom. 

Sve je to prilično zastrašujuće, zar ne? „I Care a Lot“ delimično je sjajni triler, a delom crna komedija. U središtu filma je intrigantna premisa koja će gledaoce svih uzrasta sigurno učiniti nelagodne, posebno onima na udaljenoj strani od 60 godina - ili onima koji brinu o ostarelim roditeljima. Toj neizbežnoj nelagodi dodajte zastrašujuću stvarnost: katastrofalno stanje zdravstvenog sistema u pogledu pristupačnosti i pokrivenosti, praćeno epidemijom finansijskih prevara koje ciljaju starije osobe. „Briga“ o zdravlju ovde se oseća jezivo verovatnom. Većina će gledati sve ovo sa čvorom u stomaku, kao da je Jennifer vaš roditelj. Gledajući Jennifer zarobljenu u zatvoru za izdržavanje, tera nas da preispitamo čitav sistem po kojem su stari ljudi poslani u - i ponekad bačeni u - domove za odmor. Činjenica da Marla sve ovo postiže sudovima, koji su u dosluhu s njom u promicanju krvnih srodnika, nosi svoj jezivi prizor: društva koje sve više kontroliše mreža medicinskih i pravnih birokratija.
Rosamund Pike, koja je najpoznatija po tome što je glumila u filmu „Gone Girl“, izgleda da je u svojoj zoni komfora u ovoj ulozi, izvevši još jedan zapanjujući nastup odlučne žene koja koristi feminizam da opravda psihopatska dela. Pod maskom ženskog osnaživanja stekla je podršku za svoju prevaru. Ostaje odlučna, odbija da dozvoli muškarcima da joj prete ili joj stanu na put i trudi se da postigne svoje snove - a sve to služi za opravdanje da pljačka ranjive ljude. Marla kao antijunakinja filma simbol je bolesne borbe za moć i inovativnog ostvarenja “američkog sna” nedopuštenim sredstavima. Za razliku od heroja koji žele da promene svet, Marla koristi rupe u sistemu radi sopstvene dobiti bez ambicije da ga promeni. A možda je i zapravo, pravi negativac sistem postavljen tako da ljudi poput Marle pobeđuju. 

Ako se ostavi po strani efekat pandemije na rezonancu filma, „I Care a Lot“ uglavnom je ubedljiv. Iako je Rosamund Pike sigurno istaknuta, film sadrži snažne performanse i drugih likova. Takođe je prilično vizuelno zanimljiv, sa izuzetno zasićenim bojama i oštrim osvetljenjem. Međutim, vredi ponoviti da se radi o zaista gnusnim zločinom - i nisam sasvim siguran da li film shvata koliko ćemo visceralno na njega odgovoriti. Postoji sjajna kinematografska tradicija navijanja za lopove. Ali, zlostavljanje starijih osoba je otišlo malo predaleko.

OCENA: 7/10.

среда, 28. април 2021.

Palmer (2021)

 

Režija: Fisher Stevens

Scenario: Cheryl Guerriero

Uloge: Justin Timberlake, Ryder Allen, Alisha Wainwright, June Squibb, Juno Temple



Justin Timberlake se predstavlja kao legitimni glumac i neko ko ima oštar osećaj za komični tajming, i do sada je već skupio priličan broj uloga u filmovima, iako većini možda više poznat kao muzičar. Ako je i bilo dileme da li ima šmeka i za glumu, onda posle filma "Palmer" je to i više nego jasno da ga ima. Nakon nekoliko pojavljivanja u nekim filmovima ranije, postao je cenjeni glumac: neko ko može da nosi film, i upravo to radi u "Palmeru". Prva stvar koju biste trebali znati o novom Apple TV + filmu "Palmer" je da bi bilo prilično povoljno imati kutiju maramica u blizini pre nego što pritisnete taster za reprodukciju, dakle, radi se o prilično emotivnom filmu. Druga stvar koju biste trebali znati je da je ovo neki od najboljih glumačkih performansa koju smo do sada videli od Justina Timberlakea. Režirao ga je Fisher Stevens (dobitnik Oskara za dokumentarac "The Cove") po scenariju koji je napisala Cheryl Guerriero, i spada u jedan od najintrigantnijih filmskih naslova koji su do sada dostupni u ovim pandemijskim vremenima, i onaj koji nas poziva da se saosećamo sa glavnim likovima.

Palmer (Justin Timberlake ) je bivša sportska zvezda koja je upravo puštena iz 12-godišnjeg zatvora, razlog njegovog boravka i detalji oko njega otkrivaju se tokom celog filma (s dramatičnim efektom, i pametno, tako da Palmera ne osuđujemo po njegovoj prošlosti, već samo prema trenutnim postupcima). Palmer ne samo da ima zadatak da se ponovo prilagodi životu u svom malom gradu u Luizijani (preseli se kod bake koju glumi June Squibb), već i pokušava da nađe posao, trudi se da se ponovo poveže sa starim prijateljima, i što je najvažnije, postaje odgovoran za jedinstveno malo dete (Sam, kojeg upoznaje nakon izlaska iz zatvora) kojeg Ryder Allen igra sa neverovatnom dozom dražesnosti i dubine, kojeg često njegovi vršnjaci u školi ismejavaju zbog njegovih ponekad ženstvenih ukusa (poput garderobe i slično). Sam se međutim, uopšte ne obazire na to šta neko drugi na svetu misli o njegovoj strasti prema tim stvarima. Sam takođe ostaje izuzetno otporan i optimističan iako se njegova majka zavisnica, koju igra sa neverovatnim, jezivim ubeđenjem Juno Temple, jednostavno pokupi i napusti grad na duži vremenski period. Palmera isprva zabrinjava Samova ljubav prema „devojačkim“ stvarima, ali dok uzima dete pod svoje okrilje, postaje njegov najveći zagovornik i branilac.
Film započinje sjajno, omogućavajući publici da sedi sa likovima dok se ne oseti kao još jedan član ovog malog grada. Ali "Palmer" produžava svoje vreme rada najmanje 20 minuta pre onog što je neophodno za njegovo pripovedanje. Scenario koji zastupa Cheryl Guerriero možda nije revolucionaran ili neverovatno inovativan, ali sledi izuzetno efikasnu formulu koja, kada je napisana i režirana na pravi način, pogodi srca većine gledalaca. Pohvalivši se dobro napisanim, zadivljujućim dijalozima koji se osećaju stvarno, "Palmer" priča kliše, ali fascinantnu priču koja sadrži dva izuzetno inspirativna lika koji nesumnjivo mogu da posluže kao lep uticaj na mnoge gledaoce koji prolaze kroz slična životna pitanja. Postoji tiha bol oko Palmerovog lika koju Timberlake može apsolutno izvršiti bez preteranog delovanja, čak i tokom scena koje zahtevaju da se malo zagreje. Slično tome, Ryder Allen kao Sam je umanjena izvedba, ali uvek je u stanju da drži korak sa Timberlakeom, uprkos očiglednim preokretima u naraciji.  

Fisher Stevens, glumac-režiser, vodi projekat u dobrom smeru zahvaljujući pre svega, jer su njegove najveće snage u karakterima i tihim trenucima između talentovane glumačke ekipe. Palmerovo putovanje je ka tome da postane čovek koji se promenio, onaj koji uči kako da se nosi sa sukobom na druge načine, osim nasilja koje ga je odvelo u zatvor dok svoje srce otvara malom dečaku u nevolji. U Samu on vidi ne toliko osetljivo dete koje se razlikuje od vršnjaka, već odraz svog mlađeg njega samog - deteta kome je potrebna roditeljska ljubav koja mu je nedostajala od svih, osim od njegove bake. Palmer pokazuje da je osoba puna ljubavi koja zaista želi da se iskupi, priznajući da je daleko od toga da se smatra „normalnim“, što posledično stvara neraskidivu vezu sa Sam-om.
Zapanjujuće iskrena veza između Palmera i Sama uzdiže scenario u tako inspirativni narativ. Postoje i druge uticajne i zanimljive veze, između Palmera i Maggie (Alisha Wainwright), kao i između Palmera i njegove bake Vivian (June Squibb). Ovi likovi značajno utiču na Palmerov život, a glumice su na visini zadatka. Međutim, Shelly (Juno Temple) je užasan roditelj zbog kojeg gledaoci neće osećati istu empatiju kao prema drugim glumcima. Allen ovde debituje u dugometražnom igranom filmu i ispunjava besprekornu reputaciju sjajnih dece glumaca. Nije nužno osuđivati ove ljude i njihove živote: to je samo prikaz uobičajenog načina razmišljanja i načina života u tom uglu zemlje. Njegova stvarna snaga je u pružanju nade da će duo poput Palmera i Sama usput to moći popraviti.  

"Palmer" nema ništa posebno novo da doda u priču, ali to ne znači da još uvek nije nežna, iskrena priča o tome kako ljubav i negovanje mogu zaista promeniti život. Film Fishera Stevensa sigurno će pronaći svoju publiku kod kuće bez obzira na neke druge manje probleme filma, jer je to dirljiva, prosvetljujuća, emocionalno ubedljiva priča o iskupljenju i samoprihvatanju. Divna veza između Justina Timberlakea i lika Ryder Allena su srce i duša filma. Bez obzira na kliše, ipak je srdačan narativ prepun značajnih poruka koje na kraju izmami naše emocije. "Palmer" je drama o pristojnim ljudima koji pronalaze snagu da istraju u teškim okolnostima. Otvorite svoje srce za ovaj film, način na koji će se srušiti, a zatim ponovo zašiti, vredi.


OCENA: 7/10.

уторак, 27. април 2021.

Greenland (2020)

 


Režija: Ric Roman Waugh

Scenario: Chris Sparling

Uloge: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Hope Davis, Roger Dale Floyd, Andrew Bryon Bachelor, Merrin Dungey, Holt McCallany Scott Glenn


Ova i predhodna godina je na mnogo načina bila važna serija katastrofa. Pa, šta bi onda nekoga nateralo da ponovo gleda film katastrofe poput „Greenlanda“?  Međutim, ovaj film ima dublju poruku koju pokušava da prenese od same katastrofe, a to je, da nam je bolje zajedno. Na kraju dana, preživećemo duže s ljubavlju i nadom. Ovo zapravo nije film katastrofe, nego film poruke i nade. Umesto spektakla kakav smo očekivali od filmova ove vrste, Greenland je stvorio priču o preživljavanju koja čak daje mesta za neke istinske emocije. Film je prvobitno trebalo da bude pušten u bioskopima u julu 2020, ali je postao još jedna žrtva zatvaranja Covid-19. Greenland je na kraju objavljen u decembru, i dok će neki propustiti uhvatiti njegovu punu razornu moć na velikom ekranu, moraće da se zadovolje domaćim gledanjem od kuće. Režiser Ric Roman Waugh, okuplja se sa svojom zvezdom, glumcem Gerardom Butlerom u mračnom filmu katastrofe sa naučno-fantastičnom oštricom. Scenarista Chris Sparling i režiser Ric Roman Waugh razmatraju čovečanstvo pred velikom situacijom. Zapravo, Greenland se manje oseća kao film katastrofe a više kao triler o tome kako se brzo društvo raspada kad se suoči sa nepredvidivom situacijom.
Gerard Butler glumi Johna Garrityja, građevinskog inženjera koji je odvojen od supruge Allison (Morena Baccarin) i posvećen svom mladom sinu Nathanu (Roger Dale Floid) koji je dijabetičar. John pruža nadu da bi pomirenje sa Allison moglo biti moguće, ali uskoro se pojavljuje ozbiljnija zabrinutost: masivna kometa nalazi se na putu sudara sa planetom, a događaj na nivou izumiranja očekuje se za 48 sati. Kao i većina drugih, Garrityevi prate vesti o brzo naprednom sudnjem danu na TV-u, ali katastrofa pogađa mnogo bliži dom kada kometa udari u njihov komšiluk. Zrak nade, i na Johnovo iznenađenje, od Nacionalne bezbednosti on dobija tekst u kome se navodi da su on i njegova porodica među retkima koji su izabrani za pratnju do tajne baze na Grenlandu. Nesiguran zašto je izabran, bez obzira na brzinu ubacuje Allison i Nathan-a u automobil i vozi do mesta sastanka pre nego što ljudska rasa bude izbrisana. Žestoko ignoriše molbe njihove prijateljske komšinice da povede i njeno dete jer poruka jasno kaže da je izabrana samo njegova porodica. Nekako pobedivši saobraćaj i razne prepreke na putu, Garrityevi stižu do mesta sa kojeg će biti prebačeni na tačnu lokaciju, ali shvataju da je pakovanje insulina za njihovog sina ostalo u kolima. John se vraća sa paketom, međutim njegovoj ženi i sinu nije dozvoljen ukrcaj zbog hroničnog stanja šećera u njegovom sinu. Sve se to prilično dirljivo razvija u prvih nekoliko minuta. Od tada, režiser Ric Roman Waugh i pisac Chris Sparling pružaju gledaocima uvid u ne samo predstojeću propast, već i u prvi plan stavljaju neke od najubedljivijih ljudskih reakcija na katastrofu ove razmere. Dok se narativ upušta u praktičnost preživljavanja katastrofe, oni takođe grade napetost i dramu koja dolazi s njom. Ali ništa od toga nije preterano da bi izgubili fokus iz osnovne ljudske priče o prosečnoj američkoj porodici koja pokušava da preživi najgoru noć u svom životu. Sama katastrofa nikada ne nadjačava ljudsku tragediju.

Akcija je verodostojna i taman dovoljna onoliko koliko treba da prikaže strašne okolnosti koje donose ono najgore u ljudima. Gerard Butler je suzdržan i neherojski nastrojen dok glumi čoveka koji od izabranog postaje onaj koji se plaši da sve to izgubi. Butler-ov lik nije Arnold Schwarzenegger ili Bruce Willis. Njegova pojedinačna borbena scena namerno je koreografisana na način da se jasno vidi da John Garrity samo brani svoj život. Morena Baccarin takođe donosi uverenje majke koja očajnički želi da spasi svog krhkog sina. Roger Dale Floid (kao Nathan) prikazuje ranjivost deteta, ali i dovoljno zrelo da shvati težinu situacije. Nekima će film možda biti spor jer odbacuje redovne filmove katastrofe i odlučuje se koncentrisati na praktičnost preživljavanja katastrofe. U tom smislu, Greenland je polako izgarajući, zreo i nijansiran životni i destruktivni izmišljeni događaj koji je suviše poznat u današnje vreme. Ali, film koji vas ostavlja emocionalno teškim. Ric Roman Waugh ne troši mnogo vremena na grozne scene razaranja koja bi se zadržala kod drugih autora i filmova katastrofe. Razlog je, naravno, taj što Grenlandov prijavljeni budžet od 35 miliona dolara ne dozvoljava mnogo taj razmetljivi način snimanja (a u takvim uslovima, efekti filma ponekad mogu izgledati prilično jeftino.) Umesto toga, on i pisac Chris Sparling pronalaze načine da Johna i njegovu porodicu razdvoje, a zatim ponovo povežu dok očajnički traže siguran prolaz do Grenlanda.
Iako se možda fokusira na Johna Garrityja i njegove nezgode kako bi spasio porodicu, Greenland ima puno intenzivnih sekvenci uzbuđenja. Prvo sletanje komete prikazano je samo na vestima, ali vizuelni efekti na emisiji su ipak impresivni. Postoji kratka, eksplozivna sekvenca koja uključuje krhotine kometa koje padaju na saobraćaj dok se John utrkuje na sigurno, ali opet, njegove najuzbudljivije sekvence nisu one koje počinju na nebu. Greenland ne zahteva od Butlera da radi mnogo više od običnog čoveka koji samo pokušava da spasi svoj život i popravi odnos sa Allison. Ispostavilo se da je do nesuglasica u Johnovom braku došlo zbog njegovog neverstva, odluke zbog koje se duboko kaje - ali, predvidljivo, John će dokazati svoju vrednost zaštitom svoje žene i deteta tokom ove mučne odiseje. Iako, Greenland pati više od svog poštenog dela klišea, režiser i njegov pisac Chris Sparling uspevaju da učine svoje glavne junake sa dovoljno života i efektivno ih prikažu. Greenland čini sve što je u njegovoj moći da porodicu Garrity dovede u jednu izuzetno sumornu situaciju, jer su prisiljeni da napuste porodičnu kuću, razdvojeni su na aerodromu u jednoj od istaknutih akcionih sekvenci filma, uhvaćeni u incidentu pljačke, pucanja, itd. 

Uprkos činjenicama koje Greenland ne svrstavaju u filmove svetskih razmera, film upravlja nečim zaista jedinstvenim pokazujući da vam astronomski budžeti nisu potrebni da biste napravili pristojan film katastrofe. Greenland uspeva da postane film katastrofe koji se oseća izuzetno zabavno, istinski bolno, mučno, i uzbudljivo.

OCENA: 6,5/10.

понедељак, 26. април 2021.

Jedini izlaz / The Only Way Out (2021)

 

Posle godine koja je za nama, izuzetno teške za filmsku industriju, ali i za čitavo čovečanstvo, konačno je održana premijera novog domaćeg ostvarenja "Jedini izlaz" u Beogradu. Debitantski dugometražni igrani film ne samo reditelja Darka Nikolića i scenariste Marka Popovića, već i produkcijske kuće "Stanković i sinovi", predstavlja kvalitetno žanrovsko ostvarenje visoke produkcije za uslove srpske kinematografije. Snimanje u Beogradu, Splitu i na planini Povlen, završeno je neposredno pred izbijanje pandemije korona virusa, premijera filma je trebalo da bude održana u decembru, međutim zbog loše epidemiološke situacije premijera je odložena za februar 2021. godine.

Jedini izlaz / The Only Way Out, sa ​​kojim je rukovodio Darko Nikolić, našao se na samom vrhu liste lokalnih blagajni. Prvog vikenda u bioskopskoj distribuciji privuklo je 18.386 ulazaka i zaradilo blizu 63.000 EUR (7.388.129 RSD). U poređenju sa tim, drugoplasirani kriminalistički triler John-a Lee Hancock-a „The Little Things“ zabeležio je 2058 prijava (u trećoj nedelji). Sve ukazuje na to da je srpski triler uspeo da se pozicionira, a ,,Jedini izlaz“ nesumnjivo spada u one koji će vas zaintrigirati zbog napete priče i sjajne glumačke postavke. Ovaj savremeni psihološki triler sa elementima socijalne drame, premijerno je prikazan početkom februara u Beogradu, a odmah zatim i u drugim gradovima širom Srbije, dok će distribucija u regionu zavisiti od epidemioloških mera.

Radnja filma prati ženu, Anu Kolar (Anđelka Prpić) koja želi da razreši misteriju smrti svog muža. U beogradskom noćnom klubu „Jedini izlaz“ desio se veliki požar u kome je stradalo 12 ljudi. Anin muž Saša (Janko Popović Volarić) bio je jedan od njih. Ni Ana nije prošla skroz nepovređena. Zbog trovanja ugljenmonoksidom bila je u komi i ne seća se šta se desilo te noći. Ana nastavlja sa svojim životom uz česte napade panike i noćne more. Nakon šest godina sa nepoznate email adrese dobija video snimak na kome primećuje svog muža i počinje da sumnja da je možda još uvek živ. Nakon što dobije informacije, dovodi u pitanje sve što je mislila da zna o tragediji, ali i o svojoj porodici. Paralelno, iznenadna smrt najboljeg druga njegove ćerke, uvlači inspektora Dejana Štrpca (Ljuba Bandović) u lanac zločina, koji počinje misteroznim nestankom mlade advokatice od pre šest godina. Dok sve radi protiv njih, dvoje junaka započinju zajedničku potragu za istinom, koja ih suočava sa mrežom laži, ucena i ubistava, ali i mračnim tajnama iz sopstvene prošlosti.

Tokom dvosatne projekcije ovog psihološkog trilera publika je imala priliku da vidi priču o Ani Kolar - kompleksnom liku rastrzane žene, kojom vlada njena prošlost, a da toga nije ni svesna. Iako je naizgled živela idealnim životom, njenom sudbinom su svi upravljali osim nje. Međutim, određena saznanja glavnu junakinju navode na promene, ona konačno uzima stvari u svoje ruke i postaje - pobednik. Reditelj Darko Nikolić objašnjava da njegovo debitantsko Filmsko ostvarenje "Jedini izlaz" govori o teškim i traumama isprepletanim ljudskim sudbinama, posebno ukazujući na činjenicu da za bilo koji vid nasilja ne postoji nikakvo opravdanje.

U složenoj priči, koja obuhvata svet advokata i policajaca, trgovinu pasošima i seksualno zlostavljanje, glavne uloge ovog psihološkog trilera igraju Anđelka Prpić, kojoj je ova uloga ujedno prva glavna u dugometražnom filmu, Ljuba Bandović, Danica Maksimović, Milan Čučilović, Milena Predić, Sonja Kolačarić, Jovo Maksić, Joakim Tasić, kao i glumci iz regiona Nikola Ristanovski, Janko Popović Volarić, Toni Mihajlovski i drugi.

Radi se o solidnom, ali ne i besprekornom debitanskom psihološkom trileru Darka Nikolića koji ima svojih nedostataka (pre svega, u rediteljskom neiskustvu), no ipak, žanru koji je uvek dobrodošao u srpskoj kinematografiji, i koji sigurno nedostaje poslednjih godina. “Jedini izlaz” uz veliki uspeh, bar koliko je to moguće u doba korone, doživeo je svoj bioskopski život, a sada na male ekrane stiže i kao serija od 10 epizoda, koja će se emitovati na televiziji od sredine Aprila. Serija, naravno, ima istu priču, ali potpuno drugačiji razvoj događaja sa mnogo novih likova, kao i da pojedini likovi koji se vrlo kratko pojavljuju u filmu, u seriji imaju mnogo više prostora. Pored toga, u seriji se prati i period odrastanja glavne junakinje. “Jedini izlaz” je dakle u konačnici film koji nije savršen, a opet može da mu se pruži prilika.

OCENA: 6,5/10.

четвртак, 22. април 2021.

The Whiskey Bandit / A Viszkis (2017)

 

Režija: Nimród Antal

Scenario: Nimród Antal

Uloge: Bence Szalay, Piroska Móga, Zoltán Schneider, Björn Freiberg, Imre Csuja, Sándor Oszter, Attila Ifj. Vidnyánszky, Dániel Mertz, Viktor Klem, Gergely Kaszás


Režiser mađarskog porekla rođen u Los Anđelesu, Nimród Antal, postao je međunarodna zvezda svojim hitom "Kontroll" iz 2003. godine, a potom je snimio nekoliko holivudskih filmova sa različitim stepenom uspeha. 2017. godine se vratio sa svojim prvim mađarskim filmom posle 14 godina, The Whiskey Bandit, koji je premijerno prikazan kao specijalna projekcija na Warsaw International filmskom festivalu. Film je adaptacija priče iz stvarnog života Atile Ambrusa, kriminalca koji je pljačkao i imao poseban običaj koji je izvodio pre svake pljačke. Ovo je ostvareni kriminalistički / akcioni film, brzog i fluidnog, elegantno snimljenog i često smešnog, harizmatičnog junaka.


Pljačke, novac, akcija, devojke i mađarska policija. Nije ni čudo što bi život zloglasnog pljačkaša Atile Ambrusa u jednom trenutku bio prilagođen filmskom platnu. Osamnaest godina nakon pritvora i pet godina nakon puštanja ovog mađarskog krimosa, američki filmski režiser Nimród Antal konačno je skupio hrabrost da snimi film o jednoj od najjunačnijih savremenih ličnosti Mađarske. Umesto filma o pljački, Antal je odlučio da se usredsredi na moralnu pozadinu pljačkaških dela, postavljajući tako avanturističke delove svoje karijere u drugi plan. Težina na Antalovim ramenima da prilagodi pravu priču o Ambrusu bila je izuzetno teška, ipak, reditelj se smelo upustio u priču, iako je lik Atile Ambrusa bio previše složen i zahtevan da se prikaže na filmu u trajanju oko dva sata, što realno i nije baš dovoljno.


Atila (Bence Szalay) je bio momak iz disfunkcionalne porodice. Bio je problematičan tinejdžer od svoje rane mladosti i proveo je puno vremena u popravnim ustanovama. Sa bizarnim razvojem događaja, pobegao je iz Transilvanije u Budimpeštu. Ali umesto da započne novi život, njegov nemirni duh nije mu dozvolio da se smiri. Čak je bio i golman hokejaške ekipe, ali nije imao novca. Zbog toga je odlučio da počne da pljačka, a proslavio se time što je uvek pio viski pre svoje pljačkaške kampanje. Našao je i devojku, ali mu „poslednji posao“ nije prošao kako je planirano. Policija ga je uhvatila i primorala da sve prizna. Međutim, to nije bio kraj Atilinim iskušenjima.
 

Jedna od linija priče koja ima za cilj da podrži narativni tok je Ambrusovo ispitivanje od strane šefa policije. Antal nas ne štedi ni jednog detalja koji čine taj proces i pokušava da iznese što više činjenica i detalja na sto. Druga, i najzanimljivija linija priče prikazuje Ambrusove pljačke banaka i njegov život između zločina. Scene iz njegove neuspešne hokejaške karijere povezane su sa epizodama iz njegove veze sa Katom (Piroska Móga), koja se odigrava u pozadini užurbanog i luksuznog načina života postavljenog u kazinima i skupim restoranima. Međutim, film nije skroz bez mane, problem leži u pomalo neubedljivom scenariju i čudnom izboru glumaca koji baš i nije legao najbolje filmu. Ono što Nimród Antal pokazuje, međutim, jeste da mu je filmsko stvaralaštvo u malom prstu: svaki trenutak "A Viszkis-a" oseća se kao da su ga pravi majstori sastavili pod upravom velikog dirigenta. Postavke i osvetljenje, ritam i tempo reza visoki su standard, iako se tu i tamo mogu osetiti ograničenja budžeta.


Ambrus Attila je opljačkao oko 30 javnih institucija tokom 1990-ih. Posle promene režima, mediji, koji su svoja krila isprobali na novim teritorijama, od njega su napravili zvezdu i pre nego što je uhvaćen, a od njih je dobio i svoj nadimak, koji je kasnije igrao. U očima javnosti tokom godina postao je prava legenda koja je zaobišla sistem, pa nije ni čudo što su o njegovom životu snimljene knjiga, dokument, a sada i igrani film.

OCENA: 7,5/10.

среда, 21. април 2021.

Saint Maud (2019)

 

Režija i scenario: Rose Glass

Uloge: Morfydd Clark, Jennifer Ehle, Lily Frazer, Lily Knight, Marcus Hutton, Turlough Convery, Rosie Sansom, Carl Prekopp, Jonathan Milshaw, Noa Bodner, Rosie Sansom


Usamljenost može biti opasan vrtlog. Lagano povlačenje tuge povlači intenzivnu bol izolacije, usisavajući svoju žrtvu u opaku spiralu nadole koja preti da ih proguta cele. Ovo pakleno iskustvo je uznemirujuće putovanje istraženo u cerebralnom, a ipak telesnom horor filmu, Saint Maud.

Kad je horor u pitanju, nema ništa zastrašujuće od ljudskog uma. Ovaj moto sjajno je sadržan u debitantskom ostvarenju britanske spisateljice i režiserke Rose Glass "Saint Maud". Greh. Iskupljenje. Pakleni epilog. Jeziva atmosfera. Hrišćanstvo, prezir, sumnja… Nelagodno i pomalo zlokobno raspoloženje uspostavlja se od samog početka i jedva popušta tokom trajanja. Rose Glass istražuje opsesivnu potrebu naslovnog junaka da kontroliše i možda čak preobrati svog starijeg, neizlečivo bolesnog pacijenta. 

Glavni lik filma je religiozna i nervozna medicinska sestra Maud (Clark) koja brine o neizlečivo bolesnim pacijentima putem privatne agencije u neimenovanom primorskom gradu. (Ulične scene snimljene su u živopisnom, sumornom Scarborough-u na severu Engleske.) Brzi flešbekovi krvave scene u bolnici sugerišu da se jednom pacijentu na drugom mestu u prošlosti dogodilo nešto loše za šta je Maud možda bila odgovorna. Sada, umesto da radi u nacionalnoj zdravstvenoj službi (gde je pre nego što je promenila ime bila poznata kao Kate), Maud sada putem privatne agencije pruža palijativnu negu bivšoj hedonističkoj balerini Amandi (Jennifer Ehle), koja umire od raka. Posvećenost i predanost kojom Maud brine o ženi je apsolutna, ali istovremeno Maud kategorički ne prihvata boemski način života svog odeljenja za zloupotrebu alkohola i droga. Maud odlučuje da je njena dužnost spasiti Amandinu dušu po svaku cenu, čak i protiv njene volje. Maud postaje opasno opsednuta pokušajem da spasi Amandinu dušu verskim praksama i postupcima koji dovode do njenog rastućeg i potpunog ludila.
U toboganu izmučenih emocija, pomaže pronicljiva kinematografija Bena Fordesmana, koja maksimalno koristi usko kadriranje. Kamera ostaje blizu protagonistima, posebno Maud, da nam omogućava malo prostora da je objektivno vidimo. U kolapsu perspektivne distance leži bogata dvosmislenost filma; krupni planovi uništavaju svet i zaključavaju nas u Maud-inu tačku gledišta, pojačavajući neizmernost njenih osećanja i stepen do kojeg ta osećanja prepisuju i iskrivljuju njen osećaj za prostor i vreme, njen pojam dobrog i pogrešnog.

Glass zna šta radi iza kamere, a posebno je smela u scenama u kojima se Amanda suočava sa oštrom činjenicom predstojeće smrti - idejom da naša tela na kraju odustanu od nas. Svaka scena izražena je sablasnom napetošću, dok nas svaka uvlači dublje u Maudino stanje duha. Flešbekovi, sekvence snova i prenošenje glasa omogućavaju nam da svedočimo o njenim najcrnjim tajnama, neizrečenim molitvama i potisnutim željama. Kompozitor, dizajner zvuka i vizuelni umetnik Adam Janota Bzowski pruža i upotpunjuje sve to hladnom i smelo originalnom vizijom vere, ludila i spasenja u palom svetu. Iako je ovo prilično kratak film sa samo 84 minuta trajanja, zakiva i donosi jak udarac.

Saint Maud je film koji se najbolje gleda sa vrlo ograničenim poznavanjem radnje i likova kada se u nju ulazi. Najzanimljiviji aspekti priče su iznenađenja i preokrete koje Maud čini dok prolazi put pokušavajući da spasi Amandu i njenu grešnu dušu. Nastup Morfydd Clark je zapanjujući tokom čitavog filma koliko savršeno sažima lik Maud i potpunu transformaciju koju čini tokom filma. Njena predstava jedna je od najboljih ženskih horor predstava modernog bioskopa. I lako se stavlja na listu sa velikim imenima kao što su Toni Collette za „Hereditary“, Florence Pugh za „Midsommar“, Anya Taylor-Joy za „The Witch“ i Lupita Nyong'o za „Us“.
Rose Glass debituje u režiji ostavljajući horor zajednicu bez reči. Vodi put ka tome da više žena bude uključeno u scenu horor filmova kojom već dugi niz godina dominiraju muški reditelji. „Saint Maud“ ima savršenu količinu krvavosti i nasilja zbog kojih se publika može osećati nelagodno, ali i dalje može ostati angažovana u priči da ne oseća potrebu za isključivanjem filma zbog prekomernog nasilja kojem teže mnogi horor filmovi. Ipak, važno je napomenuti da je ovo vrlo mračan film sa teškom temom koji možda nije pogodan za svu publiku. 

Saint Maud i dalje ima isto zastrašujuće iskustvo čak i kada je film potrebno gledati od kuće, a ne u velikom bioskopu što ga čini savršenim filmom za gledanje tokom pandemije. U pogledu i zvuku, svaka sekunda ovog filma živa je umetnošću i agonijom, što čini Saint Maud pravedno ukletom horor ponudom koja zaslužuje da joj se pokloni.

OCENA: 9/10.

уторак, 20. април 2021.

Promising Young Woman (2020)

 


Režija i scenario: Emerald Fennell

Uloge: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Connie Britton, Adam Brody, Jennifer Coolidge, Laverne Cox, Max Greenfield, Christopher Mintz-Plasse, Chris Lowell, Sam Richardson, Molly Shannon, Clancy Brown, Alfred Molina


„Obećavajuće“ je zaista reč za Emerald Fennell nakon njenog zapanjujućeg debitantskog filma kao scenarista-režisera sa Promising Young Woman. Počevši od onoga što u početku izgleda kao uobičajena priča o ženi od trideset godina koja treba da sklopi glumu, a zatim je dramatično i tematski odvodi u potpuno neočekivane krajnosti, britanska spisateljica / rediteljka / glumica pokazuje pravi nerv i umeće i kao pripovedačica i kao komentatorka o savremenoj dinamici između žena i muškaraca koja uključuje i osvetu. Ovo izdanje Focus Features je u potpunosti prikupilo zasluženu pažnju tokom perioda dodela nagrada, i među glavnim kandidatima je za iste.

Dakle, Promising Young Woman je druga vrsta osvetničkog trilera, onaj u kome naš junak, prelepa, briljantna i oštećena Cassandra (Carey Mulligan), zarobljava muškarce i tera ih da otkriju svoje pravo lice. Sve su ovo vrlo teške i uznemirujuće stvari, ali najsmelija provokacija filma sve to predstavlja kao stilsku crnu komediju. Ako posvetite i najmanji delić pažnje, dobićete poruku. A Mulligan, nadareni glumac, daje sve od sebe da ovo postane priča o ljudskom biću koje pati. Ona glumi Cassandru kao ženu kojoj je oduzeta radost, i koja se odlučuje na osvetnički pohod. Već smo videli Mulligan da zapoveda ekranom i bili smo svedoci njenog neprestano neustrašivog scenskog rada. Ali tonski balans koji ona osvaja u ovom drskom, uznemirujućem filmu nešto je potpuno novo, i čovek se pita koliko bi glumaca moglo i da sanja da ga izvedu. Još od njenog probojnog nastupa u filmu „An Education 2009“, bilo je jasno da Mulligan nema problema sa nošenjem filma, i to sigurno ponovo dokazuje ovde ulogom koja zahteva znatan domet i veliki razvojni luk, od samosažaljevajuće prazne ljuske do besprekornog osvetnika.

Glavna junakinja Cassandra Thomas (Carey Mulligan) ima skoro trideset godina, davno je napustila studije medicine i radi u lokalnom kafiću. Još uvek živi sa roditeljima koji potajno priželjkuju da potraži drugi posao i da se preseli. Na prvi pogled čini se da je nedruželjubiva, distancirana i nezainteresovana za bilo šta u životu. Ipak, Cassandra ima svoje tajne: svakog vikenda izlazi u klubove glumeći kako je pijana i nemoćna. Našminkana i doterana, privlači pažnju muškog pola, naročito ,,dobrih” momaka koji bi da je otprate kući, a zatim iskoriste. Kada ona razotkrije njihove bezobrazne namere, sveti im se. Na taj način raskrinkava licemerno društvo u kome se prećutkuje (seksualno) nasilje nad ženama.

Film je pun misterije, zanimljivih i neočekivanih obrta. Nećete imati priliku da vidite scene krvavog i brutalnog nasilja. Cassandra samo želi da uplaši ,,dobričine” tako što će im zapretiti i dokazati da žene nisu nemoćne i slabe. Posle svakog osvetoljubivog izlaska udara recke u notes šarenih korica. Kasnije saznajemo prave razloge koji se kriju iza želje za osvetom. U prošlosti se desila tragedija njenoj najboljoj prijateljici sa studija medicine Nini Fišer. Uprkos tome što je bila izuzetna i perspektivna studentkinja, kolege su je silovale i ponižavale na jednoj žurki. Nina se ubila jer nije naišla na podršku i razumevanje okoline. Krivci i svedoci nisu bili kažnjeni – izgradili su ili očuvali uspešne karijere kao da se ništa nije desilo. Iako je i sama važila za ,,devojku koja obećava”, Cassandra je napustila studije jer nije mogla da se pomiri sa onim što se desilo. 

Dok se u jednom trenutku bezizražajno odnosi na neodoljiv bol i bes koji oseća prema izgubljenom prijatelju, njene motivacije su čiste, ali isto se ne može reći za njene metode. Ko joj može zameriti? Sve je to deo proračunate dvosmislenosti Fennell-ove uvrnute priče. Za Cassandru je to krivudav put, koji nije ni na koji način predvidljiv, a Fennell-ova veština balansira ton između mračne komedije, rom-coma, psiholoških poremećaja i neizvesnog trilera. Fennell je blagoslovena što Mulligan prelazi vrhove i padove duboko fascinantnog karaktera i nikada ne propušta ritam ili upada u bilo koju zamku koja je mogla da uništi njen kredibilitet ili odnese u filmske klišeje. Što rezultira jednim od najboljih performansa poslednjih godina.
Mulligan, jedan od najdarovitijih glumaca našeg doba, čini sve što može - puno, svako malo - da udahne život ovoj debitantskoj igranoj ulozi Emerald Fennell. Jednako za dizajnera produkcije Michael Perri-ja i snimatelja Benjamin-a Kracun-a; Slike u boji slatkiša kombinuju se sa zloslutnim senkama da bi produkciji dali prepoznatljiv izgled. Ispod svoje površine, pak, film je daleko od šoka ka kojem teži. Fennell-ov oštri film skalpelom održava neobičnu, netaknutu atmosferu tokom čitavog leta - neuredne scene noćnog kluba sukobljavaju se sa dnevnom paletom koja obiluje ružičastim i plavim bojama osamdesetih. Osetićete se kao da ste ubačeni u bombonjeru prekrivenu arsenom, dok je zvučni zapis u najmanju ruku eklektičan. Fennell je sigurno napravila nepokolebljivu priču o muškom nasilju i kako se žene retko, ako ikada osećaju potpuno sigurne, ali to čini sa hladnim nihilizmom.

Ako je ikad bilo sumnje, Carey Mulligan u Promising Young Woman cementira je kao jednog od istinskih glumačkih velikana svoje, ili bilo koje druge generacije. Krećući se po izuzetno škakljivom pejzažu kao tridesetogodišnjakinja koju progoni tragični događaj u tinejdžerskim godinama i koja traži jedinstvene metode osvete. Fennell je stvorila film o silovanju u kome niko zapravo ne izgovara reč „silovanje“ jer ono visi u vazduhu u svakoj sceni, u svakoj interakciji i u svakom izgovoru. Fennell pokazuje kao i mnogi drugi do sada pre nje da seksualno nasilje ima beskonačne žrtve, preživele, definicije i izraze, a naša kolektivna empatija za taj opseg iskustva idealno bi trebalo da se poveća. 

Pozorišno izdanje Focus Features na Božić bilo je senzacija u trenutku kada je debitovalo na Sundanceu u januaru, a takođe predstavlja zapanjujuće osiguran debi u dugometražnom igranom filmu glumice Emerald Fennell iza kamere, koja je napisala i režirala ovaj izvrnuti i brilijantni film koji treba da se vidi. Promising Young Woman biće vruć kandidat za velike nagrade.

OCENA: 8/10.

Below Zero / Bajocero (2021)

 


Režija: Lluís Quílez

Scenario: Fernando Navarro, Lluís Quílez

Uloge: Javier Gutiérrez, Karra Elejalde, Luis Callejo, Patrick Criado, Andrés Gertrúdix, Isak Férriz, Àlex Monner, Miquel Gelabert, Florin Opritescu, Édgar Vittorino


Režiser, rođen u Barseloni, Lluis Quilez, izjavio je da je svojim drugim igranim filmom, Ispod nule - "Below Zero", pokušao da oživi duh trilera iz 1970-ih i 1980-ih - naslovi poput Duel, debitantski igrani film Stevena Spielberga, Assault On Precinct 13, koji je režirao John Carpenter, itd. Iako je Below Zero zatvorski film, on je ipak film o putu. Prvobitno namenjeno prikazivanju u bioskopima, biće popularna platforma za strimovanje Netflix, koja je zadužena za njeno konačno objavljivanje u javnosti, u svetlu ograničenja koja je pandemija Covid-19 nametnula komercijalnim izdanjima širom sveta. Ovo je drugi igrani film Lluis Quilez-a od kada je režirao Out of the Dark (2014), ali definitivno dobro vlada ovim žanrovskim produkcijama. Drugi koscenarista ovog novog Netflixovog trilera je Fernando Navarro. koji je napisao scenario horor filma Veronica (2017) koji je režirao Paco Plaza.


Radnja filma prati kombi za prevoz zatvorenika. Policijski službenik Martin (Javier Gutierrez) započinje svoj prvi dan u novom kvartu i rečeno mu je da će biti u prevozu zatvorenika. Tokom prevoza, koji se obavlja noću i iz nekog razloga mora da se izvede izolovanim putnim pravcem, i na njegovu nesreću stvari gotovo odmah počinju da se kvare. Misteriozni čovek napolju stvara zasedu i pokušava da uđe i naizgled spreman da učini sve što je potrebno da se dočepa samo jednog od zatvorenika, što znači da imamo misteriju. Ona koja će biti otkrivena, ali ne do završnog dela filma. Martin se tako vrlo brzo mora boriti sa nestabilnim zatvorenicima koji smišljaju način da pobegnu iz svojih ćelija,, misterioznom pretnjom napolju i oštrim temperaturama.


Početne scene filma Below Zero dobro odrađuju predstavljanje likova. Budući da je policajac Martin glavni protagonista, vidimo veći deo njegovog života. To takođe znači da znamo kakva je osoba kada Martin završi zarobljen u zatvorskom kombiju sa malom ali opasnom grupom zatvorenika. U ulozi Martina imamo Havijera Gutiereza ​​koji postaje veoma poznato lice ljubiteljima španskih filmova. Bio je u dva španska žanrovska Netflixova filma The Occupant (2020) i Mirage (2018) koji nude dve njegove potpuno različite strane u poređenju sa likom iz filma Ispod nule. Sa svojim vrlo prepoznatljivim licem i malim rastom, ovde ostavlja jedan vraški udarac. Film je pretežno zasnovan na dijalogu, ali ima malo nasilja i povremenih šokantnih scena. Izbor muzike je suptilan, i pridodaje sveukupnoj neizvesnosti i podiže neke scene koje su prilično lako mogle da padnu.


Dajući nam vremena da se upoznamo sa svim našim likovima, naučimo malo o njihovim ličnostima itd., Ovaj film sjajno radi na izgradnji neizvesnosti i pretnji. Ceo drugi čin u kojem je Martin zarobljen u kamionu sa pobeglim zatvorenicima je najbolji deo filma, i u tom segmentu sasvim zadovoljava apetite jednog trilera kakav pokušava da bude. Osim primarnog sukoba, Below Zero uspeva kroz svoj polagani stil snimanja filmova. Samo vizuelni sadržaji mogu podsetiti gledaoce na omiljene filmske stvaraoce sa minimalističkom vitkošću, dok relativno jednostavna premisa omogućava pristupačan doživljaj gledanja. Na primer, postoji jasna tema preživljavanja koja se odmah izdvaja, pri čemu početni vizuelni izgled podseća na udarce slešera. Temperatura smrzavanja i prateća atmosfera ovde su naslovni karakter, jer trileru daju misterioznost. Na putu velike magle teško je videti šta je izvan onoga što je direktno ispred vas. Atmosfera Below Zero-a takođe je uporediva sa filmskom estetikom poput filma Se7en (1995) i Fight Club (1999), što ga čini prilično primamljivom ponudom.


U konačnici, ovo nije izuzetan film, ali je prilično dobar u žanru akcionog kriminala koji možete trenutno dobiti u vreme teške pandemije. Efikasan je, napet je, nije ništa novo, ali je dobro izveden i svakako za jednu noćnu varijantu opuštanja radi dobar posao, a španska kinematografija sama po sebi zaslužuje mesto u vrhu.

OCENA: 6,5/10.

недеља, 18. април 2021.

The Dry (2020)

 


Režija: Robert Connolly

Scenario: Harry Cripps, Robert Connolly, Jane Harper (novel), Samantha Strauss

Uloge: Eric Bana, Genevieve O'Reilly, Keir O'Donnell, John Polson, Matt Nable, Eddie Baroo, Martin Dingle Wall, Bruce Spence, BeBe Bettencourt, Jeremy Lindsay Taylor


Neplodna zemlja koja okružuje sušarom pogođeni australijski grad pruža plodno tlo za misterioznost, neizvesnost i snažnu emotivnu dramu u filmu The Dry. U ovoj očaravajućoj adaptaciji međunarodnog bestselera Jane Harper, Eric Bana glumi gradskog detektiva kao Aron Falk čija je istraga o očiglednom ubistvu-samoubistvu u njegovom rodnom gradu obnovila sumnju u njegovu umešanost u misterioznu smrt koja zajednicu proganja dve decenije. Stručno režiran i potpisan od strane uglednog filmaša Roberta Connollya (“Balibo,” “Paper Planes”), „The Dry“ ima sve intrige u likovima, pametne zaplete kako bi gledaoci mogli da nagađaju.
 

Federalni agent Aaron Falk (Eric Bana) vraća se u rodni grad, nakon 20 godina, da bi prisustvovao sahrani druga iz detinjstva po imenu Luke, a koji je navodno ubio ženu i dete pre nego što je izvršio samoubistvo. Kada Falk nevoljno ostane da istraži zločin, otvaraju se stare rane vezane za smrt 17-godišnje Ellie Deacon. Falk počinje da sumnja da su dva zločina povezana, iako je razlika između njih veoma velika. Dilema za Falka brzo postaje jasna, očajnički želi da dokaže da njegov najbliži prijatelj nije ubica, ali težina na njegovim ramenima postaje sve veća.
 

Tragajući za istinom, Falk mora da se bori i s predrasudama koje vladaju prema njemu, kao i sve jasnije ispoljenom besu prestrašenih stanovnika u gradu. Falk koji nije u službi uključen je u ovu istragu zajedno sa lokalnim policajcem Keir O'Donnellom i zajedno pokušavaju da prikupe dokaze, ali takođe ima svoja pitanja iz prošlosti na koja treba odgovoriti koja ga povezuju sa žrtvama. Česti flešbekovi kroz ceo film nude neke tragove o tome šta se događalo u prošlosti, a Eric Bana radi ubedljiv posao kao mladi Aaron Falk. Suša se u The Dry neprekidno ističe. Gradska ekonomija je izdubljena, preduzeća su bankrotirala, oni koji nisu otišli ​​- iznureni su, iscrpljeni i često neprijateljski raspoloženi prema drugima. Zemlja koja ih okružuje je tabla propale monokulture i mehanizacije. Vizuelni oblici prostranih, istrošenih australijskih predela daju ovoj mračnoj priči osećaj australijske gotike.


Mesto odabrano za film bilo je savršeno, kao i kinematografija: publici prenosi osećaj širom otvorenih, prašnjavih predela u kojima se ljudi gube, kao i mentalno stanje građana nakon toliko vremena bez kiše. Reditelj Robert Connolly, zajedno sa svojim snimateljem Stefanom Dusciom, savršeno prikazuju ton i paletu. Zajedno sa ljudskim stanovništvom ovog zabitnog grada, to su visceralni suvi pejzaži i klima, koje na velikom platnu gotovo možete okusiti i osetiti, što The Dry čini sjajnim razlogom za beg u klimatizovani bioskop. Na ovaj način, The Dry publici daje mnogo toga o čemu treba da razmišlja, kao i da je zabavi i uhvati u koštac sa polako razvijanom pričom. Mnogo je takođe sekundarnih likova koji su dobro napisani i razvijeni uprkos prilično ograničenom vremenu koje provode na ekranu. Filmu The Dry se najbolje pristupa kao prilično ograničenoj misteriji, ali koja pak ima dovoljno toga da se može uživati u njemu. Šteta je samo što se pretnja u okruženju nikada ne pretvori u odgovarajuće preteći film.


The Dry je možda propustio pravo na dodele nagrade 2020, ali to ne znači da još uvek neće biti vrući kandidat za nagrade 2021. godine. Ako tražite film koji će vas pogoditi emocionalno i koji će prikazati australijske predele u širokom luku, onda obavezno pogledajte ovu ambicioznu kriminalističku dramu sa elementima misterije i trilera. 

OCENA: 7,5/10.

субота, 17. април 2021.

Mosquito (2020)

 

Režija: João Nuno Pinto 

Scenario: José Carvalho, João Nuno Pinto (original idea), Fernanda Polacow (writer), Gonçalo Waddington (writer)

Uloge: João Nunes Monteiro, João Lagarto, Filipe Duarte ...


Film otvorenja prošlogodišnjeg, 49. Roterdamskog filmskog festivala ratom je pogonjena priča bez klasičnih ratnih scena portugalskog reditelja Joãa Nuna Pinta o manje poznatom kolonijalističkom sukobu tokom Prvog svetskog rata između Portugala i Nemačke na tlu Afrike, tačnije Mozambika, tadašnje portugalske kolonije. Temeljen na iskustvima koja je preživeo rediteljev deda, film je prikaz naivnosti 17-godišnjeg mladića opijenog heroizmom vlastite nacije koji beži od kuće kako bi se dočepao najbliže borbene fronte i dokazao svoje junaštvo, ali mu ista nekako uporno uzmiče, prvo se preselivši na drugi kontinent, a potom ga zbog malarije ostavljajući duboko u pozadini u kojoj jedino može svedočiti svoj bedi koju predstavlja kolonijalizam, stoga se Zacarias (João Nunes Monteiro) odlučuje slediti njen trag kroz negostoljubive predele pokrajine Makua u kojoj će ga jedna za drugom napustiti svaka iluzija hranjena ratnom mašinerijom.

1917. godine, star samo 17 godina, Pintov deda je sleteo u Mozambik zajedno sa 4. portugalskom ekspedicionom četom, kako bi branio portugalsku bivšu koloniju od nemačke pretnje. Kao i mnogi drugi evropski vojnici u Africi tokom Prvog svetskog rata, i oni su svakodnevno morali da prelaze stotine kilometara, suočeni sa teškim uskraćenjima, bolestima, glađu i žeđi. Razlika je samo u tome što je sve to učinio sam, potpuno sam, tražeći rat i svoje snove o slavi. Iako je Mosquito inspirisan putovanjem rediteljovog dede po Africi, niko zapravo ne zna kroz šta je prošao tokom svog dugog i usamljenog putovanja. Tu dolazi do fikcije i značenja koje João Nuno Pinto želi da prenese na narativ.
Pošteno je reći da je Prvi svetski rat dobro pokrivena filmska tema. Međutim, ono što nije tako često dokumentovano, jeste manje poznati sukob između Nemačke i Portugalije u Africi. Usmeren na užareni Mozambik, Mosquito razmatra brojne teme, neke uspešnije od drugih. Odbijanje linearnog narativa reditelja Joaoa Nuna Pinta stvara film koji se razvija kako napreduje. Rezultat je čvrsta ruka smelog režisera, koji se ne plaši da svoju publiku gurne u iste snove groznice kakve trpi i njegov protagonista. Mosquito se kreće unutar žanra epskog filma, što ga čini univerzalnim u svojoj dijalektici. Pa ipak, on se ne bavi samo korišćenjem klasičnih kodova žanra, već i jezikom i narativnim pristupom koji se odvaja od konvencija, susrećući više autorski univerzum. Na neki način, jedinstveni pristup filma razdvaja ga od klasične forme i prihvata siroviji i savremeniji narativ, približavajući nas (sve manje) nevinom pogledu mladog vojnika.

Kao što sama priča i naslov napominje, Mosquito je ratni film bez rata. Da, postoje oružje i uniforme i druga tipična ikonografija, ali ovo je bitka za sebe. U svojoj osnovi, skrivena ispod slojeva tema i istorije, to je priča o mladiću koji uči vrednost ljudskog života i gorke ironije pobožnog patriotizma. Mladi glumac pruža iscrpljujući spektar osećanja tokom 125 minuta, omogućavajući nam da budemo svedoci njegovih najvećih grehova, njegove najniže degradacije i njegove konačne transformacije. Pinto izrađuje oštar prikaz moralno sive boje, izrađujući lik koji demonstrira svaki aspekt ljudskog stanja.
Mosquito je film koji se ističe u stvaranju neprijatnosti i neizvesnosti. Tipično za umetničku kinematografiju, ona postavlja mnoga velika pitanja, sa malo konkretnih odgovora. Film je gorka vizija misije koja je tim mladićima dodeljena, i ono što je trajalo decenijama. Film počinje kao period koji govori o ratu; ali ratni žanr polako ustupa mesto priči o preživljavanju; onda se avantura pretvara u emotivniju priču koja govori kako mladi belac gubi predrasude i principe dok ima posla sa duboko različitim, antagonističkim ljudima. Zacariasova priča može biti izuzetno zbunjujuća. Impresivno fizička izvedba glavnog glumca i snaga i ambicija slika (uz sjajnu kinematografiju koja spretno koristi pejzaž i jarko prirodno svetlo, kao i raskošni svetlosni svet od toplo užarene svetlosti) čine Zacariasovu šetnju iznenađujućom neobičnom pričom o buđenju nalik na snove.

Joao Nunes Monteiro radi vrlo solidno kao Zacarias, noseći film i čineći da se saosećamo sa ovim likom, čak i kada je prikazan očigledno da radi pogrešne stvari. A reditelj Joao Nuno Pinto pohvalno uspeva da sakrije oskudni budžet filma, često puštajući pejzaž da govori sam za sebe. U konačnici, Mosquito je vrlo dobar film itekako vredan gledanja i pažnje. Preporuka.

OCENA: 7,5/10.

петак, 16. април 2021.

Head-On / Gegen die Wand (2004)

 

Režija: Fatih Akin

Scenario: Fatih Akin (knjiga)

Uloge: Birol Ünel, Sibel Kekilli, Catrin Striebeck, Meltem Cumbul, Stefan Gebelhoff, Francesco Fiannaca, Mona Mur, Ralph Misske, Philipp Baltus, Hermann Lause, Karin Niwiger, Demir Gökgöl


Ljubavne veze su godinama u nazad bile škakljive i uvek će biti škakljive. Uprkos svim dokazima koji govore suprotno, ljudi imaju tendenciju da se povezuju sa drugima bez obzira da li je ta veza zdrava ili ne. Ljudi se definišu svojim vezama, snagu dobijaju u vezama i uništeni su zbog svojih veza. Gegen Die Wand nam prikazuje kako izgleda kada dve osobe koje nemaju svoj identitet pokušaju da se definišu preko druge osobe. Baš kao što ona poslovica kaže: "tok prave ljubavi nikada nije tekao glatko", tako ni za likove u Gegen die Wand stvari neće teći glatko. Gegen Die Wand se odlikuje suvim humorom i zastrašujućim očajem. 

Nakon smrti svoje supruge, 40-godišnji Turčin Cahit, rođen u Nemačkoj (Unel), preživljava sakupljajući flaše u otrcanom baru, neprekidno opijen alkoholom, kokainom i hard rockom, sve dok jedne večeri ne odluči da s time žavrši, pa se punom brzinom zabija u zid. Samo je lakše povređen, pa mora da ode kod psihijatra. Tamo upoznaje mladu, lepu Turkinju Sibel (S. Kekilli) koja takođe nije uspela da izvrši samoubistvo i ona mu odmah nudi brak, kako bi se oslobodila pritiska oca i brata koji žele da upravljaju njenim životom. Sibel želi uživati u životu pod uticajem odrastanja u liberalnoj Nemačkoj. Kada ne uspe da zadovolji svoje hedonističke sklonosti, prelazi u drugu krajnost i pokušava nekoliko puta da završi svoj život. Jedini način da se oslobodi porodične patrijarhalne tradicije je venčanje sa Turčinom i to je razlog zašto nudi brak Cahit-u kojeg prvi put vidi i pod uslovom da pere veš, kuva i čisti stan, ali da ima potpunu slobodu u načinu svoje zabave i biranja muškaraca. Cahit-a u tome isključuje, jer bi u slučaju da spava s njim postala njegova supruga u pravom smislu i izgubila nezavisnost. Cahit pristaje na njen predlog tek posle dužeg ubeđivanja, a tada treba i isprositi mladu, što i nije sasvim lako... Fatih Akin sve ovo usmerava u brzom ritmu sa puno brige za autentičnost ambijenta, kombinujući dramatične detalje i niz neočekivanih duhovitosti u efektnoj crnoj komediji koja će se pretvoriti u tragičnu dramu kada njih dvoje počnu da osećaju nešto jedno prema drugom.
Sibel i Cahit nisu zdrave osobe, ovo nije nešto što film pokušava da sakrije. Život je za njih borba, takva borba da nikada nisu uspeli da otkriju gde se uklapaju u tkivo života. Činjenica da nemaju svoj identitet ono je što čini njihovu vezu još jednim problemom sa kojim se treba suočiti. Pokušavaju da definišu ko su oni jedni preko drugih, ali kako Sibel treba da zna ko je ona kad Cahit ne zna ko je on i obrnuto? Uprkos svim njihovim greškama, Sibel i Cahit se zaljubljuju, ali to je na kraju najslabiji element filma. Njihova borba za stvaranje veza u usvojenoj zemlji za koju ne osećaju da pripadaju je svakim danom sve teža i teža . Stvari ne postaju bolje kada se bilo koji lik vrati u domovinu, jer im je to jednako strano kao i njihova usvojena zemlja. Borba za pronalaženje identiteta je najupečatljiviji aspekt Gegen Die Wand-a, mnogo više od pokušaja Akin-a da ugradi ljubav u kombinaciju. 

Potraga za identitetom je teška, i nije ispunjena lakim trenucima. Gegen Die Wand nije ispunjen lakim trenucima takođe, njegovi likovi preživljavaju više nego što žive. Tračke nade pronalaze u osmehu, ili osobi koja im jednostavno daje utehu kada im je potrebna. Ta nada je prolazna, umesto toga oni pate i nalaze se u surovom svetu očaja. Svaki ugao je mračan, svaki novi događaj donosi mogućnost više bola i patnje. Gegen Die Wand je mračan film, koji ne nudi svetogrdan pogled na budućnost ili sećanje na prošlost. Tradicija je jednako opasna kao i prilagođavanje novoj kulturi. Sibel i Cahit su osuđeni na propast jer ne znaju ko su, nedostatak identiteta im ograničava ko su i šta mogu biti. Smisao traže u drugima i u dve kulture koje smatraju potpuno stranim. Kad se film završi, njihovi životi se nastavljaju, ali oni nisu pronašli svoj identitet, a nesretna ljubav samo im dodaje na jad. Gegen Die Wand ovo predstavlja oštro i zapravo, nedostatak sebe ne predstavlja priliku za jeftine ljude. Gegen Die Wand je privlačan pogled na kulturnu krizu i potragu za sobom, čak i ako je na svim pogrešnim mestima.

Cahit polako otkriva ljubav prema Sibel, i počinje da bude ljubomoran na ostale muškarce sa kojima se ona viđa. Cahit ne može da kontroliše bes koji izaziva njegova ljubomora, pa napada i nehotice ubija barmena s kojim je Sibel imala seks. Njegova ljubav uništava svaku šansu za srećan život jednih s drugima. Ne samo što odlazi u zatvor zbog svog zločina, već i tera Sibel na bedu jer neizbežno medijsko izveštavanje o ubistvu izlaže njeno neverstvo njenoj porodici. Njena ’čast i čast porodice’ je ostavljena u komadima. Njen brat je progoni ulicama, i jasne su njegove ubilačke namere zbog svega što se dešava. Sibel sporije shvata da voli Cahit-a, ali pada jednako duboko kao i on. Dok on robija, ona obećava da će sačekati da odsluži zatvorsku kaznu. Zatim beži u Istanbul da bi izbegla bes porodice, ali sprečavanje njene potencijalne sreće vodi je ka sve inventivnijim metodama samouništenja. Ljubav je vodi u spiralu propadanja, na čijem dnu leže silovanje i stravično nasilje.
Ali ljubav u ovom filmu nije samo destruktivna, ona takođe pruža iskupljenje i nadu. Po izlasku iz zatvora, Cahit otkriva svom prijatelju da namerava da ode u Istanbul da traži Sibel. Njegov prijatelj pita zašto bi se, pobogu, ponovo umešao u svu tu zbrku. Njegov odgovor je da ga je Sibel spasila od sebe; njihova ljubav mu je omogućila da se očisti od pića i droge i da prođe svoje godine iza rešetaka. Bez nje bi sigurno uništio sebe, na ovaj ili onaj način. Bez obzira mogu li ponovo biti zajedno ili ne, on je oživeo i ponovo je otkrio svrhu. Namerava da se vrati u grad gde je rođen u Turskoj, kao da želi da se ponovo poveže sa sobom. Sibel takođe na kraju uspeva da pronađe ravnotežu i mir sa sobom i ljubav je u osnovi toga. Ljubav u ovom filmu nije jednodimenzionalna, kao u mnogim ‘romantičnim’ filmovima. Obuhvata čitav spektar emocija; od intenzivne radosti, do nasilne strasti do mira i prihvatanja. Uništava, ali i obnavlja.

Ne samo neobična priča, već i atraktivnost vizuelnog izraza, i snaga i energija režiserskog procesa Fatiha Akina, i žestina i uverljivost protagonista Birol Unel-a i Sibel Kekilli (oboje nagrađivani i nominovani za evropske filmske nagrade) rezultirao jednim od najboljih evropskih filmova poslednje dve decenije koji je, pored velikog broja međunarodnih i nacionalnih nagrada, osvojio Festival zlatnog lava i Međunarodnu nagradu žirija kritike na Berlinskom festivalu, kao i nagradu evropskog filma za najbolji film i nagradu publike za najbolju režiju. Gegen Die Wand je savršen film od početka do kraja.

OCENA: 10/10.

четвртак, 15. април 2021.

The Father (2020)

 Kritika objavljena na Before After

Režija: Florian Zeller

Scenario: Christopher Hampton, Florian Zeller

Uloge: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Mark Gatiss


Ako je bilo neke dileme da li Anthony Hopkins može do Oskara u novom filmu "The Father", sada je više nema. Hopkins je tako u svojoj 83. godini postao najstariji dobitnik Oskara za glumu. Ovo je njegov drugi Oskar posle 30 godina, od kako je nagrađen za ulogu Hannibala Lectera u filmu "The Silence of the Lambs" (1991). Film "The Father" je bio nominovan za šest nagrada Oskara, uključujući najbolji film, a Olivia Colman je takođe dobila nominaciju za najbolju žensku sporednu ulogu. 

Film koji maksimalno uživa u svom statusu jednog od najboljih filmova iz prošle godine stavlja Anthony Hopkinsa u glavnu ulogu filma "The Father", dok Olivia Colman glumi njegovu ćerku. Rediteljsku palicu drži francuski filmaš Florian Zeller, koji je radio i scenario koji je zasnovao prema svojoj pozorišnoj drami zajedno s Christopherom Hamptonom. Reditelj nas uvodi u priču koja se bavi pitanjem promena koje se događaju u starosti našeg života, kada mozak jednostavno više ne funkcioniše kako bi trebao. Ovo je drama strašnija od mnogih horora.

"The Father" je film bez ijednog natprirodnog elementa, svi strahovi su prirodni, izvučeni iz ljudskog uma, koji se pojačavaju u starosti. Starije osobe zaslužuju dostojanstvo, društvo bi trebalo da ih više poštuje i ceni. Međutim, lična ponižavanja rastu. Osnovne telesne funkcije postaju komplikovane ili nemoguće. Ljudi vam se obraćaju kao da ste dete. A oni oko vas počinju da pretpostavljaju da se ne možete setiti stvari – vrlo verovatno zato što jednostavno ne možete. U "The Father", to je svet ogledala u kome se nalazi Anthony, koga glumi i dalje maestralni Anthony Hopkins.

Anthonyja prvi put upoznajemo dok sedi u svom otmenom londonskom stanu i sluša klasičnu muziku s bezobraznim osmehom prelepljenim preko lica. Anthony ima 80 godina, nestašan je i iz inata hoće da živi sam i odbija sve negovatelje koje mu šalje njegova ćerka Anne (Olivia Colman). Anne je potrebna pomoć oko njenog oca jer više ne može da ga posećuje svaki dan, a Anthonyjev pojam stvarnosti pomalo se raspada. Njegova sećanja polako blede i pitanje je koliko Anthony može zadržati svoj identitet i sećanja? Kako se Anne nosi s gubitkom oca koji i dalje stoji živ pred njom? Anthony se polako bori s demencijom, a Anne i njen suprug Paul (Rufus Sewell) odjednom se u njegovim očima pretvaraju u neke druge ljude. Anthony više ne zna šta je stvarno, a šta ne.

Anthony, izvodeći jednu od najlepših predstava u svojoj karijeri, sposobnu da vam slomi srce zbog nedostatka svesti i duboko zbunjenih izraza lica insistira da mu nije potreban neko ko će da brine o svemu i da lepo živi sam u svom stanu. U međuvremenu, njegova strpljiva ćerka Anne pokazuje obilje saosećanja, brige i sabranog ponašanja, iako joj je izuzetno teško zbog svega. Ipak, objasnila mu je da se seli iz Londona u Pariz da živi sa svojim novim partnerom, zapravo, ni mi više nismo sigurni šta je istina, i kako se on gubi tako se gubimo i mi s njim. Siguran nastup Anthonyja Hopkinsa, vredan Oskara (kojeg je i dobio), samo je trešnja na vrhu cele ove priče. Ipak, koscenarista-reditelj Florian Zeller adaptirajući vlastiti komad zajedno s Christopherom Hamptonom takođe nosi velike zasluge filma, praveći nešto potpuno originalno i opsednuto.

Anthony reaguje kao bilo ko s demencijom: obrušava se, odbija da uradi ono što se od njega traži, govori svima da se sklone i prenosi okamenjeni strah jer nije u stanju da održi psihološki osećaj koji se nadvija nad njim. Baš kao i Anthonyjev um, "The Father" se svuda pojavljuje kao "horor" film u dubinskom istraživanju kako je živeti s demencijom. Generalno se filmovi na ovu temu fokusiraju na to kako se brinuti o nekome ko pati, i dok "The Father" sigurno takođe čini nešto od toga s Anne, više se bavi izlaganjem tog isprekidanog stanja uma dok Anthony živi iz trenutka u trenutak, s puno trenutaka izgubljenih između. Ali, takođe između prošlosti i sadašnjosti, postoji i veliki broj slučajeva kada je Anthonyju dozvoljeno da pokaže čari čoveka kakav je nekada bio, bilo da se radi o hirovitom upadanju u ples u ritmu da bi impresionirao svoju novu medicinsku sestru ili opuštanju slušajući klasičnu muziku. "The Father" deluje kao zagonetka koju gledalac neprestano sastavlja, što zvuči kao pristup koji bi u manje sposobnim rukama završio u nepoštovanju. Srećom, ovde to nije slučaj.

Niko ne može unapred da reši misteriju starosti. A kad dođe vreme, to je nešto u čemu moramo sami da se krećemo, čak i ako imamo sreće da budemo okruženi ljudima koji pokušavaju da pomognu. Ovo nije film koji je lako preporučiti ili možda čak i voleti. "The Father" postoji ni iz jednog uočljivog razloga, osim da bi na prepoznatljiv način pružio neobjašnjivo surov element ljudskog stanja i to na način koji samo dobra umetnost može. Iako je Zeller okupio vrhunsku glumačku ekipu, ovo je, bez ikakvih dilema, Hopkinsova predstava od početka do kraja, i uzdiže svoj performans kojim će krunisati šest decenija dugu zvezdanu karijeru.

OCENA: 10/10.

среда, 14. април 2021.

Judas and the Black Messiah (2021)

 

Režija: Shaka King

Scenario: Will Berson, Shaka King, Kenneth Lucas, Keith Lucas

Uloge: Daniel Kaluuya, LaKeith Stanfield, Jesse Plemons, Dominique Fishback, Ashton Sanders, Martin Sheen, Algee Smith, Darrell Britt-Gibson, Dominique Thorne, Amari Cheatom, Caleb Eberhardt, Lil Rel Howery …


Tokom godina bilo je mnogo snažnih dokumentarnih filmova o istoriji Crni panter, ali Judas and the Black Messiah je prva velika holivudska drama koja stavlja organizaciju i njen aktivizam ispred i u središte. 4. decembra 1969. godine, američki aktivista za građanska prava Fred Hampton ubijen je u svom krevetu, u brutalnoj raciji od strane FBI-a. Njegova devojka Deborah Johnson bila je u osmom mesecu trudnoće pored njega i preživela je napad, kao i njihov sin rođen nedeljama kasnije. FBI je ispalio 99 hitaca u Hamptonov stan. Judas and the Black Messiah je priča o toj stravičnoj raciji u zoru i svemu što je do nje dovelo. Dva snažna nastupa Daniel Kaluuya i Lakeith Stanfielda daju ovom filmu Black Panther snagu koju zaslužuje.
 

Zasnovan na istinitim događajima koji su se odigrali krajem 60-ih i početkom 70-ih godina prošlog veka, film Shake Kinga nam priča ono što i sam naslov govori, priča o izdaji. Iako su do sada snimljene desetine filmova o infiltracijama doušnika u kojekakve kriminalne, terorističke i nacističke organizacije, ova priča je malo poznata van zajednice crnaca. a posebno van granica SAD. Ideja za snimanje ovog filma potekla je još 2014. godine kada su braća Kenny i Keith Lucas pokušali da ga „proguraju“ kroz kompanije A24 i Netflix, ali bez većeg uspeha. Nekoliko godina kasnije ‘novi’ direktor i vatreni aktivista za ljudska prava Shaka King zagrejao se za njihovu priču. A kako je sličan projekat bio u pripremi, potpomognut daleko zvučnijim imenima i većim budžetom, stvari su se pokrenule sa mrtve tačke tek 2019. kada je konkurencija odustala. U priču se producentski uključio sad već proslavljeni reditelj Ryan Coogler (''Fruitvale Station'', ''Creed'', ''Black Panther''..), distribuciju je preuzeo slavni 'Warner Bros.' studio, a glumački su se uz projekt vezala sve traženija glumačka imena, i sve je već počelo mirisati na nagrade. Ovakvi slični projekti na papiru često mogu izgledati moćno, ali na kraju su aljkavo urađeni i lišeni svake energije ili emocija. Srećom, Shaka King nije podlegao izazovu, već je stvorio film na kojem bi mu pozavidele daleko iskusnije kolege.


Lažno se predstavljajući kao agent FBI-a kako bi zaplenio ili ukrao automobile od svoje „crne braće“, Bill O’Neal (L. Stanfield) brzo upada u nevolje i suočava se sa dugogodišnjim zatvorom. Da bi je izbegao, O'Neal prihvata nemoralnu ponudu pravog saveznog agenta Roya Mitchella (J. Plemons) koji od njega traži da se infiltrira u ogranak čikaških 'Black Panthersa' i nadgleda postupke njihovog vođe Freda Hamptona (D. Kaluuya ). Naime, prema direktoru FBI-a Edgaru J. Hooveru (M. Sheen) sa svojim socijalističkim, revolucionarnim idejama, on predstavlja opasnost za američko društvo i cilj je udaljiti ga s ulica pre nego što okupi pravu vojsku istomišljenika ljudi sa njegovim govorima. O'Neal prihvata ponudu da izbegne zatvor, no ubrzo i sam biva privučen Hamptonovim idejama o jednakim pravima za pripadnike svih rasa i odlučnijim akcijama uz koje bi to i postigli. Hoover je na početku zadovoljan prikupljenim informacijama, no kad shvati kako Hampton polako postaje simbol otpora potlačenima, zahteva od podređenih radikalnije rešavanje problema.


Jedna od vrlina Judas and the Black Messiah je ta što nam daje zadivljujuć osećaj i uvid u to ko je bio Hampton. Kao vrlo mlad imao je samo 21 godinu kada ga je 1969. čikaška policija ubila tokom racije u njegovom stanu. U isto vreme, film ne izbegava militantnost Pantera, jer marširaju noseći beretke i otvoreno noseći vatreno oružje. Oni su sigurno sposobni za brzo, nemilosrdno nasilje, kao što vidimo tokom intenzivne pucnjave sa policijom. A kad O'Neal čuje za mučenje i ubistvo osumnjičenog doušnika koji je bio baš poput njega, postaje svestan da bi mogao doživeti istu sudbinu ako ga otkriju. Stanfieldov učinak je ovde izvanredan: O'Neal počinje kao intrigantna prazna ploča i na kraju se sve utapa u krivici, tuzi i moralnoj zbunjenosti. Ali dok napetost i spletke O'Nealove lojalnosti guraju priču napred-nazad, film zanemaruje širu priču o ostalim Panterima i strukturama koje su bile posvećene njihovom neuspehu.


Kroz nešto oko dva sata trajanja, Judas and the Black Messiah održavaju puls trilera, sa atmosferom koja se vraća na gradske kriminalne slike iz 70-ih i 80-ih. King, reditelj, izvrsno postavlja svaki detalj na svoje mesto a kadriranje filma kao napetog žanrovskog dela samo zaokružuje celokupni poduhvat u isporučivanju originalnog proizvoda. Kaluuya je u blistavoj formi u sezoni nagrada kao Hampton, gromoglasni besednik koji svoje govore započinje sa: „Ne treba mi mikrofon. Možete li me čuti? “ Ipak, Stanfield živi svestraniju ulogu kao O’Neal, i on je takođe blistav i nosioc filma uz Kaluuya. Dominique Fishback glumi Fredovu otpornu devojku Deborah s izuzetnom lakoćom. Među belim glumcima ističe se sjajan čin Jessea Plemonsa kao FBI-ovog oficira Roya Mitchella. Njegovo lice je teško čitati i nemoguće je shvatiti šta zaista oseća ili u šta veruje, a to je majstorstvo njegovog odmerenog učinka. Martin Sheen je vrlo ubedljiv kao rasistički, nemilosrdni i manipulativni direktor FBI Edgar Hoover. Ove predstave dodatno poboljšava čvrsti scenario Willa Bersona i Shake Kinga koji sa publikom razgovara kroz nijansiranu kinematografiju (Sean Bobbitt) i detaljnu postavku šezdesetih godina prošlog veka i zadivljujuću pozadinu. Većina dijaloga je jednostavna, ali efikasna. A način na koji Shaka King prolazi kroz jedno od najmračnijih poglavlja američke istorije, je ubedljiv i fascinantan.

OCENA: 9/10.