понедељак, 25. јануар 2021.

Tigertail (2020)

 


Režija: Alan Yang

Scenario: Alan Yang

Uloge: Tzi Ma, Christine Ko, Lee Hong-chi, Hayden Szeto, Kunjue Li, Fiona Fu, James Saito, Joan Chen …


Kolika je udaljenost između generacija? Između prošlosti i sadašnjosti? Između života roditelja i njihove dece? Koliko priča koje su ispričane o porodicama i istorijama je ostalo neizrečeno? Prostirući se decenijama i kontinentima na putovanju od Tajvana do Sjedinjenih Država, Tigertail, je potresna porodična drama koja je debitovala na Netflix-u 10. aprila, i prelazi ogromnu teritoriju stvari koje su ostale neizgovorene. Napisao i režirao Alan Yang u rediteljskom debiju, prati Pin-Jui-a (Hong-Chi Lee), ambicioznog mladog Tajvanca koji ispunjava svoj san o odlasku u Ameriku dogovorenim brakom sa Zhen Zhen (Kunjue Li), čak i ako to znači ostavljajući za sobom ženu koju voli. Kao stariji čovek koji nosi ime Grover (Tzi Ma), razmišlja o svojoj prošlosti dok pokušava da popravi odnos sa ćerkom Angelom (Christine Ko). Kao Yangov rediteljski debi, Tigertail nudi emocionalno bogat, potresan pogled na uticaj imigracije, kao i na kulturne i generacijske podele. Alan Yang stvara duboko lični film, labavo zasnovan na priči vlastitog oca, da bi gledaoce odveo na dirljivo višegeneracijsko putovanje.

Film preseca narativ na dva različita puta, jedan koji prikazuje prošlost, a drugi kombinujući to sa sadašnjošću dok Pin-Jui pokušava da se kreće kroz svoja osećanja i izgrađene zidove kako bi stvorio odnos sa svojom otuđenom ćerkom Angelom. Kroz sve ovo je lik Pin-Jui-a, koji se našao slomljenim čovekom, utapajući se u žaljenju i progonjen odlukama koje je doneo u prošlosti. Tokom filma postoje brojni slučajevi kada sedi sam, razmišljajući o ovim trenucima, dok neugodna tišina sa ćerkom samo pojačavaju njegovo stanje. Pin-Jui ima neverovatnu radnu etiku i većinu vremena provodi na svom poslu u Njujorku. Sve to vreme pogoršava probleme u njegovom braku bez ljubavi. Kako godine odmiču, Zhen Zhen raste nezadovoljstvo zbog nedostatka saosećanja, a kad im deca odrastu, ona ga napušta. Sada razveden i sam tokom svojih zlatnih godina, Pin-Jui (koga sada igra Tzi Ma) mora da popravi vezu sa odraslom ćerkom Angelom (Christine Ko) ili da rizikuje da je zauvek izgubi.
Film vizuelno potkrepljuje velikom upotrebom boja. Kada Pin-Jui stigne u Ameriku, u paleti boja dominiraju nijanse žute boje u gotovo svakoj sceni - što simbolizuje nadu i sreću. Ovo poslednje je više suprotstavljena ironija, poigravajući surovu stvarnost sa kojom se Pin-Jui i njegova supruga Zhen Zhen suočavaju kada stignu do svoje sobe u motelu. Muzička partitura deluje skladno uz narativ, sa klasičnom notom koja savršeno beleži emocije vremena. Film je takođe emocionalno dovoljno uložen, čak ponekad i vrlo dirljiv i potresan, posebno kada su u pitanju scene između oca i ćerke. Tzi Ma je glumački istaknuta ličnost u ovom filmu. On je glumac koji je imao mnogo uloga tokom godina bogate karijere i ovde je neverovatan u svakoj svojoj sceni. Osećate njegovu tugu i frustracije, dok pokušava da popravi svoj lični život. Tigertail je emocionalno složeno iskustvo koje prikazuje koliko je imigrantima zapravo težak život, ali i koliko neki od tih odnosa mogu postati otuđeni kao rezultat razdvajanja. Režija Alana Yang-a funkcioniše izvrsno, a film je prelepo snimljen, dok svaki pojedinačni period ima drugačiju zasićenost boja. 

Tigertail se kreće usporenim tempom, što i priliči, jer film ima hipnotički kvalitet snova. Priča se odvija u današnje vreme, ali veći deo se odvija u flešbekovima. Kinematograf Nigel Bluck snima flešbekove snimkom od 16 mm, dajući sekvencama izgled maglovite, napola zapamćene memorije. Film se otvara zapanjujućim slikama mladog Pin-Jui-a kako prolazi kroz osunčano polje, dok slušamo glas od stvarnog Yang-ovog oca. Ova melanholija koju Yang rano utvrđuje daje ton ostatku filma. Yang želi da vas uljuljka u svakodnevnu monotoniju svakodnevnog života. Većina scena je vrlo mirna i mračna, a Pin-Juijev put do uspeha je sve samo ne glamurozan. Razumemo njegovu posvećenost da obezbedi svoju porodicu i sve veći osećaj izolacije Zhen Zhen. Ovo stvara ubedljivu podvojenost u kojoj naš protagonista istovremeno radi i ispravnu i pogrešnu stvar. Film pokriva većinu života lika, pruža vam sav uvid koji vam je potreban da biste razumeli ko su oni. Prelazak Pin Jui-a sa veselog tinejdžera na mladu odraslu osobu delimično je prouzrokovan učenju njegove bake o plaču i odgovornosti. I koliko god da je sa majkom radio na omekšavanju bezosećajnog Pin Jui-a, njegov brak sa Zhen Zhen, ako ne i Amerikom, postao je težak. Pin-Jiuova prošlost suprotstavljena je njegovoj sadašnjoj nesposobnosti da se poveže sa svojom odraslom ćerkom Angelom (Christine Ko). Izgleda da su njih dvoje krajnje nesposobni da nešto međusobno podele. Bez obzira da li se njihovi razgovori vode na mandarinskom, tajvanskom ili engleskom jeziku, tišina među njima je univerzalno poražavajuća.

Gledajući tok života Pin Jui-a, podsećate se koliko morate biti spremni da se borite za ono što vas čini srećnim i da nije svaka ukazana prilika nužno dobra. Primarni primer: Pin Jui je čeznuo da se preseli u Ameriku, čak i pre nego što je upoznao Zhen Zhen, ali s obzirom na to da je siromašan, ideja je bila namišljena i činila se malo verovatnom. Ipak, na Tajvanu je imao Yuan, svog prijatelja iz detinjstva, i simpatiju, koju mu je sudbina vratila u život. Ipak, kada mu se pružila prilika, umesto da se muči i pronađe način sa Yuan, on je koristi i čini se da ga je sudbina naterala da pati zbog toga. Ne izravno patiti, poput bolesti, rana ili nečeg sličnog. Štaviše, trpite u smislu gubljenja vremena i onoga što je zaista želeo zbog nečega zbog čega je trebalo da bude strpljiv. Pin Jui čini mnoge stvari kako bi pokušao da ispravi svoj život, ali neki ljudi su krenuli dalje, a za druge mora da se potrudi. Što, za Pin Jui-a, nije nešto na šta je navikao da radi u svom ličnom životu, pa se bori. Ipak, čini se da prepoznajući koliko je izgubio u potrazi za novcem i boljim životom za sebe, čak i njegov ego, postoji potreba da se otvori i iskreno podeli ono što ima. Iako je priča labavo zasnovana na životu Yang-ovog oca, on insistira na tome da njegova iskrivljena priča o ljubavi koja je odbijena i izgubljena nije autobiografska. Ipak, to zvuči ukleto tačno, jer to je priča ne samo Yang-ovog oca, već i svakog imigranta koji se iznenada našao kao stranac u čudnoj zemlji.
Daleko od onoga što biste očekivali od Alana Yanga, s obzirom na to da je njegov životopis do sada ukrašen komedijama-dramama (Master of None', Parks and Recreation), "Tigrov rep" - Tigertail je potresna, često melanholična, tiha drama o snovima, vezama i krizi, sve mukotrpno upakovano u roku od 90 minuta. Yang pronicljivo prenosi priču iz očevog imigracionog iskustva u Americi da bi naslikao  zamršene detalje i učinio opipljivost konvencionalne drame. Zatim se romantično okreće u polu izmišljenu priču o želji imigranta da postigne „američki san“ i u konačnici stvara intimnu, duboko osetljivu dramu koja se oseća izuzetno iskreno bez jeftine patetike. Yang nikada ne gubi kontakt sa svojim likovima i njihovim emocionalnim stanjima dok istovremeno istražuje kulturne sukobe svojstvene imigrantima i njihovim porodicama. Tokom Tigertail-a, svaki lik se nalazi okružen porodicom, ali i dalje potpuno sam. Dijalog je oskudan i potcenjen, a glumci izvode moćne predstave u tišini, dok njihove izbegnute oči i tihi uzdasi govore sve što treba o njima. Međutim, Yang posvećuje previše pažnje i detalja naglašavanju unutrašnjeg života svog glavnog junaka na štetu pedantnog razvoja likova koji ga okružuju. Konstruiše i postavlja napeti odnos oca i ćerke kao centralni motor koji služi njegovom duboko ličnom istraživanju iskustva prve generacije tajvanskih Amerikanaca i ukletih efekata koje to stvara na njihovu decu. 

Možda je najdublje ostvarenje filma bogatstvo empatije koju nudi svojim likovima, dok nijanse prošlosti ispituje iz više perspektiva. Ovde nema zlikovca - nema jasnog agresora u bilo kojoj vezi, niti ogromne preteće sile koju treba savladati - samo zidovi koje postavljaju jedan između drugog, optužujući jedni druge što nisu razgovarali, slušali ili razumevali. Yang je otkrio da je originalni radni naslov Tigertaila bio jednostavno, Porodični film. Ali iako je ukorenjen u ličnom, on takođe ide daleko dalje od iskustava jedne pojedinačne porodice, govoreći snažnu priču o azijskom imigrantskom iskustvu i masovnim previranjima koje roditelji podnose u potrazi za boljom budućnošću. Tigertail se oseća izuzetno blagovremeno u svom srdačnom ljubavnom pismu azijsko-američkim zajednicama, koje se suočavaju sa nezapamćenim krizama i predrasudama u ovim čudnim vremenima. Poziva na empatiju i razumevanje, i utehu jedni drugima. Na kraju, podseća nas da svako ima priče za ispričati i svako zaslužuje priliku da se čuje - da mu se dozvoli da sa strahom, bolom i prošlošću pusti ono što drži u sebi.

Krećući se napred i nazad u vremenu i mestu, Tigertail plete složenu priču o tajvanskoj imigraciji i bolu iz prošlosti. Međutim, glavni problem filma dolazi iz jednostavno nedovoljnog vremena obrađivanja priče, što u skučenih sat i po trajanja nije ni blizu dovoljno za ovakav tip filma da bi se ispričalo na odgovarajući način. I uprkos, još nekim sitnim problemima, svemu tome se na kraju može progledati kroz prste ako znamo da je reditelj u svom prvencu, i biće zanimljivo pratiti šta će Yang dalje raditi, potencijala svakako ima. Tigertail se tako zaustavlja na tek dobrom filmu, a mogao je da bude sjajan. No, svakako, bilo bi ga i greota preskočiti.

OCENA: 7/10.

недеља, 24. јануар 2021.

76 Days (2020)

 

Directors: Weixi Chen, Hao Wu
 
Writer: Hao Wu

Runtime: 93 min


Svako ko tvrdi da je pandemija Covid-19 lažna, svako ko je koronavirus nazvao „kineskim virusom“, trebalo bi da bude prisiljen da gleda uvodne trenutke od 76 Days. Zapravo, trebalo bi ih prisiliti da rade na smeni u JIL gde ljudi umiru svakodnevno od raznih oštećenja koje je prouzrokovao Covid-19; ili razgovarajte sa preživelima kojima zubi ispadaju ili koji pate od dugotrajnih kardiovaskularnih, neuroloških, respiratornih i bubrežnih oštećenja; ili objasnite „veliku zaveru“ nekome ko poslednje trenutke života svog voljenog mora da provede na drugoj strani vrata koja se ne mogu otvoriti. U nedostatku toga, trebali bi barem pogledati 76 Days, zemaljski dokumentarni film u reportažnom stilu koji je sirov i prisan. Ovaj dokumentarni film prikazuje borbu pacijenata i prvih medicinskih stručnjaka koji se bore protiv pandemije Covid-19 u Wuhan-u, provinciji Hubei, Kine. Kinesko-američki docmaker Hao Wu upravljao je i uređivao projekat na daljinu, nikada se lično nije sastao sa svoja dva ko-direktora sa sedištem u Kini - Weixi Chen-om i onim koji je odlučio da ostane anoniman, dok su snimali i sakupljali snimke iz četiri različite bolnice u Wuhanu između januara i aprila 2020. godine (naslov se odnosi na period zaključavanja grada u to vreme.) Ipak, gotov film se oseća u potpunosti tečno i fokusirano. Film je premijerno prikazan na Međunarodnom filmskom festivalu u Torontu.

23. januara 2020. - pre godinu dana i milion života - grad Wuhan, u Kini, stavljen je pod blokadu u pokušaju da guši koronavirus koji je gusto naseljeni glavni grad provincije Hubei već učinio sinonimom najgore pandemije u više od jednog veka. Virus se već širio svetom u tišini i sejao sličnu noćnu moru gde god je stigao, ali na kratko vreme Wuhan je bio sam po sebi; teror i izolacija da su ljudi u lokalnim bolnicama doživljavali mikrokosmos zbog zagušujućeg straha koji je isisavao sav vazduh iz vakuumski zatvorenog grada oko sebe. Postavljajući se unutar bolnice u kojoj su vrata uglavnom bila zatvorena kako ne bi zatrpali osoblje, Wu otvara film direktnim udarcem u creva, dok medicinska sestra, odevena u hazmatično odelo, trči bolničkim hodnikom i oprašta se od sopstvenog oca koji je primljen dok je umirao od virusa. Smirenost koja se očekuje od njene profesije napušta je dok se raspada izvan odeljenja, ridajući od tuge, dok njene kolege pokušavaju da je obuzdaju. „Morate se kontrolisati“, kaže jedan: Možda zvuči bezosećajno, ali ako medicinski radnici ne mogu da potisnu svoj očaj zbog haosa oko sebe, kakva nada postoji za njihov ogroman val pacijenata? Na prvi pogled bolnice podsećaju na neku vrstu vanzemaljske ratne zone kojom patroliraju lekari i osobe koje su obučene u specijalnim zaštitnim odelima. Medicinske sestre su često primorane da telefoniraju voljenima, objašnjavajući im zašto je član porodice umro i kako da pokupe stvari koje su im mogle ostati (naravno, nakon dezinfekcije). Ove scene su predstavljene iz krupnih planova, dok se medicinske sestre u onostranoj odeći bore da biraju brojeve na mobilnim telefonima i razgovaraju kroz slojeve zaštitnog materijala na sebi, dok su beživotna tela ležala u pozadini.
Početne sekvence se osećaju poput žanrovskog filma - naučno-fantastični, horor, apokaliptični triler. Posmatramo bolničke radnike, zatvorene u zaštitnim odelima, tako da im vidimo samo oči iza maglovitih naočara, dok se utrkuju od jednog do drugog pacijenta. Na vratima bolnice očajna masa traži da uđe. Preopterećeni radnici mogu istovremeno primiti samo nekoliko ljudi. Ove scene, sa zdravstvenim radnicima odevenim u karantinska odela za celo telo, možda su pre jedne godine izgledale kao naučna fantastika, ali sada su postale uobičajene širom sveta. Dokumentarni tim koji je uspeo da se probije u ove bolnice je bio više nego posvećen kao i ovi radnici u prvoj liniji fronta, nesumnjivo izlažući se riziku da snimi ove slike da ih svet vidi. 76 Days postavlja gledaoce blizu pored lekara i medicinskih sestara dok se bore da kontrolišu implikacije Covid-19, suočavajući se sa prilivom uplašenih pacijenata, virusa koji ne razumeju u potpunosti, i smanjenja resursa.

Pročešljavajući ogromnu količinu snimaka koje je Wu dobio, pokušao je da postigne određenu doslednost u karakteru, ali priča koju priča nije o nekoj osobi ili osobama u njihovom iskustvu o ranim i najstrašnijim danima pandemije. Jedna od najvećih snaga filma je da, umesto da publici pruži doživljaj pandemije tuđim očima, Wu uvodi publiku unutra i omogućava vam da je iskusite sami. Kako je bilo biti jedan od lekara ili medicinske sestre u bolnici u Wuhanu? Kakvo je iskustvo pacijenta na jednom od odeljenja? Ipak, film nije potpuno bez svetlih trenutaka, iako ih je veoma malo. Jedan stariji gospodin pruža komično olakšanje u inače vrlo napetih i mračnih 90 minuta. Prirodno, teško je uopšte zamisliti da mnogi ljudi žele pogledati ovu vrstu filma trenutno, mada bih tvrdio da bi to možda trebalo postati obavezno gledanje. Biti svedok strahota koje su uzdrmale Wuhan (i zemlju i sada svet) znači razumeti bar donekle težinu ove uporne pandemije. Svako ko umanjuje ovu noćnu moru ne shvata istinski intenzitet ove globalne pretnje koja nas je sve pogodila.
Svaki pojedini dan 2020. osećao se kao mesec dana i čini se da je prošla čitava večnost od početka epidemije Covid-19. Tako je lako zaboraviti kako je bilo kad je ljudima prvi put dijagnostikovana ova čudna nova bolest, posebno u Wuhanu, kineskom epicentru ranog izbijanja. 76 Days osvetljava zbunjenost, strepnju i razaranje ovog vremenskog perioda kroz svoju preciznu dokumentaciju o unutrašnjem radu kineskih bolnica koje se iz prve ruke bave Covid-19. Potpuno je neverovatno da ovaj snimak postoji i jasno nam je da je zahtevao veliku hrabrost od strane stvaralaca dokumentarnih filmova, jer u ranim fazama nije bilo jasno kako se covid prenosi sa osobe na osobu i koliko je efikasna zaštitna oprema zapravo bila u zaštiti pojedinaca koji su bili redovno izloženi. Stavili su se na kocku da sačuvaju ove dramatične trenutke u istoriji, a samo to čini 76 Days neverovatno efikasnim.

Kada su filmski stvaraoci neizbežno počeli da uključuju kamere kada se pandemija Covid-19 počela razvijati, nikada nije bilo pitanje o tome koje će mučne slike uhvatiti, već šta sa njima mogu učiniti. Tokom trajne krize koja nas je sve dirnula, trenutno nema potrebe za podsećanjem na to šta vazdušni virus može učiniti. Hao Wu-ova dokumentacija 76 Days toga svega će sigurno postati istorijski zapis, koji je prikazao kako su bolnice u Wuhan-u vodile brigu u gradu u kojem je virus nastao, direktor je svestan vremena u kome izlazi, noseći odgovornost da prvi izađe na tržište sa izvanrednim briga, pažnja i saosećanje. 76 Days je hrabar poduhvat koji uprkos mučnim scenama zavređuje pažnju da se vidi.

OCENA: 9/10.

субота, 23. јануар 2021.

Charm City Kings (2020)

 

Režija: Angel Manuel Soto

Scenario: Sherman Payne, Christopher M. Boyd, Kirk Sullivan, Barry Jenkins, Lotfy Nathan

Uloge: Jahi Di’Allo Winston, Meek Mill, Will Catlett, Teyonah Parris, Chino Braxton, Lakeyria “Wheelie Queen” Doughty, Donielle Tremaine Hansley, Kezii Curtis, Chandler DuPont …


Charm City Kings je efektna drama punoletstva koja nam predstavlja neke izuzetno mlade likove i nudi nam nešto osvežavajuće kada je reč o filmu. Režiran sa veštinom i empatijom Angela Manuela Sotoa, vodi nas ova zanimljiva priča u zapadni Baltimor, mesto gde nasilje nikad ne prestaje i gde zločin daleko odjekuje. No, u Charm City Kings-u ima i onih duhovitih momenata koji film čine beskrajno šaren. Premijerno je prikazan na Sundance Festivalu i prate ga prilično dobre kritike, za cilj ima da zabavi publiku, a takođe i da izazove empatiju. Film je inspirisan dokumentarnim filmom 12’0 Clock Boys o motoristima iz Baltimora. Energičan je, promišljen i sposoban je da uhvati prolazak mladog protagonista kroz njegovo turbulentno odrastanje i njegovu težnju ka ostvarivanju svojih snova.

U ovoj uzbudljivoj drami o odrastanju, 14-godišnji Mouse (Jahi Di’Allo Winston) očajnički želi da postane deo Ponoćne klike, ozloglašene grupe bajkera koja tokom leta vlada ulicama Baltimora. Njegov stariji brat, Stro, bio je njihov najbolji vozač pre nego što je tragično poginuo, a njegova smrt opseda Mouse-a, baš kao i strast prema motorima. Mouseova mama (Teyonah Parris) i njegov policijski mentor, detektiv Rivers (William Catlett), daju sve od sebe da pomognu ovom harizmatičnom tinejdžeru da ispuni svoj potencijal, ali kada vođa Ponoćne klike, Blax (Meek Mill), uzme dečaka pod svoju zaštitu, Mouse postaje opsednut idejom da će moći da vozi svoj motor i to ga odvodi na pogrešan put.
Blax uzima Mouse-a pod svoje okrilje, prepoznajući ga kao mlađeg brata od Stro-a i nudeći mu svoj motor u zamenu za letnji posao (koji će ga takođe držati dalje od zamki onih poput Midnight Clikue-a). Ali što više vremena Mouse provodi radeći za Blax-a, to manje vremena može provesti radeći na svom veterinarskom poslu, što znači manje novca za njegovu porodicu koja se trudi da održi svetlo. To takođe znači više vremena sa samim Blaxom, koji šalje Mousea niz emocionalnu spiralu gde je primoran da bira između sledenja sopstvenih snova i sprečavanja sopstvene neimaštine ... pa čak i samog života. Mouse je rastrgan između želje da bude u tom svetu gde vladaju žestoki momci, ali i ostvarivanja svojih interesa; želeći da bude jak i da impresionira one oko sebe, ali takođe pokušavajući da svoju strast prema životinjama nastavi u mnogo manje glamuroznom životu. Zajedno sa lošim odlukama i nestrpljenjem mladih, Mouse pokušava da se kreće ovim sukobljenim željama u gradu u kojem živi, i u kojem vlada kriminal, a koji, čini se da ne poznaje dovoljno dobro. 

Nijedan lik u Charm City Kings-u nije guranje. Teyonah Parris glumi Teri, Mouseovu majku, i njen stil roditeljstva postiže ravnotežu između naklonosti i teške ljubavi, naravno kao i svaka majka ona radi sve što je u njenoj moći da Mouse ne sklizne na pogrešan put, i stalno je u strahu da ne napravi greške. Zatim je tu Nicki (Chandler DuPont), devojka iz Kalifornije koja leto provodi u poseti Baltimoru. Ona i Mouse se tiho povezuju tokom trajanja filma provodeći dosta vremena zajedno, ali film izbegava bilo kakvu predvidljivu romantičnu vezu na koju obično filmovi padaju. Umesto toga, film se fokusira na Mouseov životni put, njegovoj ljubavi prema motorima i urbanom životu. Dvojica Mouseovih prijatelja se takođe ističu u njihovom svakodnevnom druženju, Lamont (Donielle T. Hansley Jr.) je težak, dok je Sweartagawd (Kezii Curtis) prekomerno komičan. Trio zajedno ima odličnu hemiju i odlično odrađuje svoj posao odrastajući na ekranu. Mouse je definisan lik i glavni pokretač svega, čije su želje (fensi motor) i prepreke (siromaštvo, širok uticaj ulica) jasno postavljene. Takođe se ističu u sporednim ulogama William Catlett kao "dobar" crni policajac Rivers, i Meek Mill kao Blax, bivši kralj droge koji je preokrenuo svoj život nakon poslednjeg boravka u zatvoru, obojica odlično rade kao muškarci koji podučavaju Mousea. Rivers i Blax zaista žele da Mousea drže dalje od trgovine drogom i na uspešnom putu; čini se da film sugeriše da odrastanje u kući bez oca ne znači da očeve figure odsustvuju iz života ovog lika. Blax se bavi teškom ljubavlju, jer je iskovan na ulici. Ali novi vođe Clikuea, Queen i Jamal (bivši bajkeri Lakeyria Doughty i Pacino Braxton) su teško, nasilno oličenje svega što je Mouse video kako odrasta, i svega što ga okružuje.

Di’Allo - koji je nedavno bio Junior u Queen & Slim zaista nosi ovaj film na svojim plećima. Saosećate se sa Mouseom i razumete njegove želje, a istovremeno vidite i zašto svi odrasli oko njega žele da ga zaštite. Višestruki primeri krađe, koji se ponekad izdaju kao način života u ovom određenom gradu, tinejdžeri razgovaraju da je jedini način da se motocikl nabavi krađom, nekoliko tinejdžera pokušava da opljačka malu prodavnicu, dok Mouse laže svoju mamu gde provodi vreme, a zatim plaća mađoj sestri da ga ne oda. Uprkos upozorenjima majke (Teyonah Parris) i mentora (William Catlett) sa policijskim snagama, impresivni mladić ne može da se odupre privlačnosti ovog urbanog života koji nosi niz opasnosti i komplikacija. Mladi glumci imaju simpatičnu hemiju zbog koje se osećate toplo iako je to svet u kojem zapravo niko nije siguran.
Charm City Kings pažljivo pazi na autentičnost. Film se oseća kao da leti osvaja Baltimor na način koji je opipljiv. Glumci izuzetno paze da izgledaju kao da su iz Baltimora - u smislu uloge koja se uklapa u ambijent njihovog grada. Za one koji su 2013. gledali dokumentarni film 12 O’Clock Boys, mnogima će se Charm City Kings osećati poznato i gotovo kao izmišljena dramska adaptacija. Scenarista Sherman Payne, koji je adaptirao film iz dokumentarca iz 2013. godine (bajkerske grupe odakle je i došlo ime), svakom sekundarnom luku dodeljuje izuzetno puno delikatnih detalja da se od samog početka oseća kao priča iz ansambla. Svi oni koji su doprineli stvaranju filma, uključujući i Oskarom nagrađenog filmaša Barrya Jenkinsa, pomogli su da se ovome odlučno zaviri u savremeni urbani život. Niz trkačkih bajkerskih sekvenci snimljen je sa dubokom zahvalnošću, izvođači su prikazali neverovatnu sbosobnost na svojim točkovima dok lebde u vazduhu sa izuzetnom preciznošću. Sotovo samopouzdanje iza kamere i veština u akciji snimanja učinili su da film funkcioniše besprekorno. Ali pravi tehnički vrhunac je kinematografija Katelin Arizmendi. Njeni snimci i precizno uranjanje kamere nude snimke urbanog Baltimore-a koji su veoma zapanjujući.

Iako se ovde radi o tipično američkom filmu koji možda ne nudi previše toga novog, Charm City Kings je srdačan, lepo ispričan i osmišljen film. To je priča o snovima i odgovornostima i pronalaženju svog životnog puta. Kada Charm City Kings konačno završi, on ima hrabrosti da se završi montažom snimaka raznih vozača, radeći vratolomije i sjajno se zabavljajući. Ovi klipovi samo podsećaju da je mogao da se napravi jedinstveni, zabavni film bez klišea o ovim bajkerima - i, baš kao i dokumentarac, mogao je da bude dobar. 

OCENA: 7/10.

недеља, 17. јануар 2021.

The Silence / Das letzte Schweigen (2010)

 


Režija: Baran bo Odar

Scenario: Baran bo Odar (screenplay), Jan Costin Wagner (novel)

Uloge: Ulrich Thomsen, Wotan Wilke Möhring, Katrin Sass, Sebastian Blomberg, Burghart Klaußner, Oliver Stokowski, Karoline Eichhorn, Jule Böwe, Roeland Wiesnekker, Claudia Michelsen


Da li ljudi koji izvrše gnusne zločine mogu da nastave da žive normalno nakon toga? Da li mogu da prođu nekažnjeno i najveće psihopate koje su u stanju da ponove isti zločin i po nekoliko puta? Da li postoji savršeni zločin? Zapravo, pravo pitanje je u filmu The Silence (u originalu: Das letzte Schweigen) da li je uopšte moguće da postoje toliko loši ljudi da su u stanju da izvrše i najbrutalnije zločine nad decom. Ova pitanja se stavljaju u središte filma nemačkog reditelja Barana bo Odara sa kojim je 2010. godine debitovao u svom prvom dugometražnom filmu. Film je zasnovan prema istoimenom krimi-romanu Jana Costina Wagnera.

U julu 1986. godine mala Pia je silovana i brutalno ubijena na putu do kuće u gustom žitnom zlatnom polju. Počinioci nikada nisu uhvaćeni, iako se njihova lica pojavljuju od samog početka, i osim svedoka koji je video samo vrlo malo stvari, i dokaza kojih gotovo da nema, slučaj tapka u mestu. Zatim priča skače 23 godine unapred do 2009. godine, kada se ponovo dešava isti zločin na istom mestu, ovaj put 11-godišnja Sinikka nestaje bez traga. Okolnosti njenog nestanka navode policiju da veruje da se ubica vratio da učini ista bestijalna dela. U slučaj je umešana grupa detektiva, a sve sa strane posmatraju Pijina majka i čovek koji je direktno povezan sa tragičnim događajem iz 1980-ih.
Život, gledan kroz okvir ove priče, nešto je što treba trpeti, a ne živeti. Ukazani su nam mali zraci nade: trudna policajka (Jule Bowe), roditelji koji čekaju pozitivne vesti o njihovom detetu i nada koja ih ne napušta i nakon toliko godina, nekoliko detektiva (Sebastian Blomberg i Burghart Klaußner) koji uporno tragaju za ubicom i dokazima i prekovremeno rade na slučaju, ali osećaj straha je širok i hladno zadire. Ako se već osećate nelagodno u ovom izopačenom vozu sa dva glavna lika (Ulrich Thomsen i Wotan Wilke Möhring) koji su odgovorni za zločin, pripazite: nismo još napustili stanicu.
 
Svaki od detektiva koji radi na ova dva slučaja (uključujući i onoga koji je bio i na prvom slučaju pre 23 godine kada se ubistvo prvi put desilo) gleda različito na stvari i dokaze od onog drugog. I dok, pomalo neshvaćeni (Sebastian Blomberg) veruje da je počinioca bilo dvoje i trudi se da to dokaže, drugi oko njega smatraju da je to totalna glupost i da sve ukazuje da je bio jedan. Sve su to pitanja i komadi koje reditelj savršeno postavlja u svaki pravi i savršeni trenutak dok se film laganim tempom odmotava. Zločinci su na drugoj strani suočeni sa samim sobom. Šta dalje raditi, kuda ići, priznati ili prećutati i zataškati od svojih voljenih, stvari su koje im se motaju po glavi dok pratimo svakodnevnicu njihovih poljuljanih života. Obojica zločinaca i prijatelja su se razišli nakon prvog zločina, i vode potpuno drugačije živote. Peer (Ulrich Thomsen) radi kao baštovan, dok je Timo (Wotan Wilke Möhring) sagradio lepu kuću i osnovao porodicu, on je zapravo bio kao "manji krivac u zločinu", ali upravo njega osećaj krivice počinje prvog da kopa i kreće ponovo u potragu za svojim nekadašnjim prijateljem i glavnim počiniocem. Timo, koji je sada oženjen i ima dvoje dece, slučajno je na televiziji video vesti o Sinikinom nestanku. U vestima je bilo i žitno polje na kojem je pre 23 godine ćutao dok je gledao kako njegov prijatelj pedofil siluje i ubija maloletnu Piju. Čini se da ga je to ošamarilo i vratilo osećaj zbunjenosti i krivice. A tada se njegov miran život počinje raspadati po šavovima.
Dok policija očajnički traži ubicu kojeg nisu uspeli da uhvate, roditelji su prisiljeni da pate u nesagledivoj muci neizvesnosti. Bolji učinak dolazi od majke prve ubijene devojčice koja ne govori mnogo, ali očima pokazuje dubok nivo tuge i gubitka. Činjenica da ne može ni da odgovori zašto još uvek živi u istoj kući dovoljno govori o bolu u kojem se nalazi i sada sve to ponovo proživljava kroz tuđi gubitak. Dolazak policajca Davida Jahna (Sebastian Blomberg) takođe je izvanredan prikaz glume jer on predstavlja koren priče koja pokušava da otkrije ubicu ili ubice, a pred kraj je jedini koji zna istinu slučaja i frustrirajuće je gledati pošto je njegova teorija gurnuta u stranu samo zato što je šef već održao konferenciju za štampu. Pedofili Ulrich Thomsen i Wotan Wilke Mohring prikazuju tihi očaj koji bi neko povezao sa ozbiljnom mentalnom disfunkcijom, na način koji ih čini zastrašujućim, ali takođe i izvanrednim u svojim ulogama.

Tamo gde bi se većina filmova ove vrste usredsredila na senzacionalne zamršenosti istrage ili prikazala burne predstave prepisanih dijaloga od drugih filmova koji ne prikazuju ništa novo, Das letzte Schweigen se probija ispod kože odlučujući se za pogled na svet zasnovan u naturalizmu. Bo Odar, adaptirajući roman Jana Costina Wagnera, ispunjava svoj film neskrivenim likovima čija su unutrašnja mučenja u suprotnosti sa nemilosrdno mirnim prirodnim svetom u kojem žive. Za svaki kadar dva počinioca koji su se izvukli neoštećeni i koji pokušavaju da održe svoja sranja postoji izuzetna sposobnost reditelja da uhvati svaku emociju i hladnoću kod likova. Ovaj film pokriva neke mračne materijale, od pedofila preko dečje pornografije do serijskog ubijanja, i urađeno je u izvanrednom noir stilu. Priča je vrlo složena i na kraju ćete ostati sa pitanjima, baš kao u stvarnom životu. Ovaj film je nemački, ali mogao se lako dogoditi u bilo kom ruralnom gradu. Film nastavlja da se kreće napred-nazad između dva vremena kako bi razjasnio neka pitanja, ali ostavlja nas da postavljamo još pitanja u ovoj ubedljivoj priči o prošlosti krivcima i različitim nijansama zla.
Baran bo Odar i njegov kinematograf  Nikolaus Summerer snimaju jedan vraški film. Spajajući svoj film sa obimnim snimcima pejzaža šumskih ili pšeničnih polja, bo Odar i Summerer bez napora povezuju svoju priču, i čine je neobično očaravajućem. Za film sa centralnim fokusom na ubistva dve devojke mlađe od petnaest godina, Das letzte Schweigen bi mogao biti izuzetno težak za gledanje, ali bo Odar prekriva užas u razvoju karaktera i zamišljenu tišinu. Snaga filma takođe dolazi i od izuzetno dobro razvijenih svih likova koji se pojavljuju, koji gotovo svaki ima svoju značajnu ulogu i doprinos u priči.

Ovaj napeti policijski proceduralni triler iz Nemačke okuplja grupu potpuno izvrsnih i vrlo zanimljivih likova koje ubacuje u finu kriminalnu dramu sa prelepom kinematografijom koja dodaje žuborne posledice zločina koje će vas sigurno protresti i naterati da odgovarate na pitanja tokom filma. Možda je mračno, ali bez sumnje je sjajno ispitivanje tuge i krivice. Film takođe daje uvid u to na šta usamljenost može naterati ljude da rade, i prikazuje kako emocionalna težina koju nosimo može uticati na svaki aspekt našeg života, kako lični, tako i profesionalni. Izvanredan film. Preporuka se podrazumeva.

OCENA: 9/10.

субота, 16. јануар 2021.

The Nest (2020)


Režija:  Sean Durkin


Scenario: Sean Durkin

Uloge:  Jude Law, Carrie Coon, Anne Reid, Charlie Shotwell, Adeel Akhtar, Tattiawna Jones, Oona Roche …


Još, sada već prilično daleke 2011. godine pisac i reditelj Sean Durkin ostavio je trag na Sundance filmskom festivalu sa svojim filmom Martha Marcy May Marlene, intenzivnom kultnom dramom u kojoj je vodeću ulogu igrala Elizabeth Olsen gde je film osvojio nagradu za režiju. Od tada, prošlo je devet punih godina otkako je snimio film, ali nije propustio ni jedan ritam. Durkin se sada konačno vraća na velika vrata sa svojim drugim dugometražnim filmom, The Nest, koji je takođe prikazan na Sundance-u, i koji svoj fokus usmerava na novac - tačnije, želju jednog čoveka za njim i šanse koje će preduzeti da ga dobije. U glavnoj ulozi vodeći i dobro poznati Jude Law, dok ga prati manje poznata Carrie Coon.

Radnja filma smeštena je 80-ih godina, a čini se da porodica O’Hara prilično dobro radi za sebe. Allison (Carrie Coon) voli svoj posao konjičkog trenera, dok je njen suprug Rory (Jude Law) ambiciozni preduzetnik i bivši broker koji izgleda kao ugledna poslovna i porodična osoba, donosi ženi svako jutro kafu u krevet, sprema deci ručak i igrajući fudbal sa sinom. Allison drži časove jahanja i vodi štalu, njihov sin Ben (Charlie Shotwell) i njena ćerka tinejdžerka iz ranije veze (Oona Roche) su zadovoljna i srećna deca, kao i većina tinejdžera u njihovim godinama. Ali sve počinje da se menja kada Rory jednog jutra govori porodici da se preseli u London, gde misli da će se vratiti na posao kod svog starog šefa. Rory smatra da je prilika predobra, i nedugo zatim useljavaju se u prelepu staru vilu koja je desetak puta prevelika za četvoročlanu porodicu. Ali Rory želi sve, takođe smatra da i Allison i deca takođe trebaju da imaju sve to. Želi da ih obezbedi, ali u njemu se događa nešto dublje. Njegova želja za novcem je ogromna. Optužuje Allison da je nesklona riziku, dok on u svojoj kompaniji kroz ogromne poslove koje pokušava da organizuje želi da život bude onakav kakav je on zamislio, ali ti poslovi baš i ne ispadaju onako kako je planirao. Oni su tip porodice koja zapravo ne govori o novcu, pa je za Allison to šok kada sazna za neke postupke koje Rory sprovodi i koji se kose sa njenim stavovima. Ispostavilo se da je Rory prevara sa mentalitetom zavisnika od kockanja. I dok je on u svojim poslovima, Allison i deca pokušavaju da se prilagode u svom novom okruženju.
Ovde se Durkin udružio sa velikim mađarskim kinematografom Matiasom Erdeliem (Miss Bala, Son Of Saul, Sunset), i zajedno su izmislili nešto izvanredno: krajnje neprirodna kuća koja na momente izgleda kao ukleta. Nikad se ništa otvoreno jezivo ili preteće ne dešava, osim jednog trenutka u kojem su vrata misteriozno otvorena nakon što je njegova supruga Allison (Carrie Coon) sigurna da ih je zaključala. Ipak, The Nest namerno prikazuje zloslutni izgled i osećaj filma horora usporenog snimanja, uspostavljajući kadrove predugo zadržane, senke koje gutaju uglove sobe i fizičku udaljenost između likova koja stvara stalnu slobodno lebdeću nelagodu. Ovaj pristup može frustrirati ljubitelje žanra koji rano donesu pogrešan zaključak, ali pruža zapanjujuće svež ugao inače rutinske porodične nesloge. Demoni sa kojima se borimo dolaze iznutra, „progonjenje“ kuće izvire iz stresa, izdaje i neuspeha onih koji u njoj žive. The Nest je vrelo, tinjajuće istraživanje o ambiciji, pohlepi, prevari i razočaranju. Allison nije neka nesvesna supruga koja čeka kod kuće; u ovoj vezi igra se đavolska dinamika moći, a Coon prožima ovog lika tihim besom koji se naglo oslobađa, dok Jude Law kao Rory pruža jednu od svojih najboljih predstava. 

Rory se uglavnom bavi pokazivanjem, bilo da je to njegova supruga, kuća ili svetski, luksuzni način života koji nastoji da održi iako je uglavnom lažan. Allison, sa druge strane, potiče iz radničke klase i bukvalno se ne boji da zaprlja ruke, radeći na susednoj farmi u jednom trenutku da zaradi nekoliko dodatnih dolara. Durkinu treba vremena da konstruiše unutrašnju dinamiku njihovog braka i kako Allisonovo strpljenje sa Rory-jevim sranjima postaje sve manje.

Ipak, iako Durkinovo ime možda neće odmah odjeknuti s obzirom na dužinu vremena između njegova dva izdanja, The Nest pokazuje da nije izgubio nijednu filmsku snagu. Seme priče smeštene u ’80 -te posađeno je nedugo nakon njegovog debija, ideja se polako razvijala tokom vremena i njeno isporučivanje pojačano je ulogama Carrie Coon i Jude Law-a kao vodećih. Slično kao i njegov prvi film, identitet i kontrola su Durkinu još uvek na umu, ovoga puta koristeći raspad ionako nestalnog braka da nas ukoreni u ove teme.
Režija i ukupna tehnička izvedba filma takođe su izvanredni. I dok već spomenuta kinematografija se fokusira na okruženje u kojem se likovi nalaze, a ne na same likove, to je ono što je takođe odigralo važnu ulogu u filmu čineći neobično uznemirujuće i u nekoliko navrata gotovo dalo osećaj kao da će se film svake sekunde pretvoriti u horor. Ta uznemirujuća priroda dodaje dozu napetosti svakoj priči filma i drži publiku angažovanom u scenama u kojima se zapravo ništa ne dešava. Pored toga, osvetljenje, dizajn zvuka, montaža i većina svih ostalih tehničkih aspekata filma takođe su izvanredni. Dok bi se problemi filma mogli prepisati nedovoljno razvijenoj priči koja je imala veliki potencijal da film uzdigne na još jednu stepenicu više. No, ipak u konačnici, i u celini kad se sve sabere i oduzme, to je daleko od lošeg filma, iako opet, moglo je i još bolje.

Law i Coon su svojim likovima uneli neverovatnu dubinu i staloženost. Kada se Rory i Allison slažu, zaista se oseća kao da se njih dvoje vole. Ali kada su u sukobu ili se svađaju, to je eksplozivno i zakovano. Law je poznat kao pravi moćni glumac, dok je Coon, relativno nepoznata, ali pruža više nego solidnu ulogu. The Nest je dobro napravljeno i složeno, ali nažalost neki nedostaci njegove priče sprečavaju ga da postane izvanredna porodična drama kakva je pokušala da bude, i na kraju je to samo dobar film. I opet, ono što je možda i najvažnije u svemu, vredi ga gledati bez obzira na njegove nedostatke.

OCENA: 7,5/10.

петак, 15. јануар 2021.

Pieces of a Woman (2020)

 


Režija: Kornél Mundruczó

Scenario: Kata Wéber

Uloge: Vanessa Kirby, Ellen Burstyn, Shia LaBeouf, Iliza Shlesinger, Benny Safdie, Sarah Snook, Molly Parker ...


Jedan od najočekivanijih filmova u 2020. godini, Pieces of a Woman koji se emituje na Netflixu je direktno zasnovan na iskustvu koje su doživeli Kornel Mundruczo i Kata Weber, režiser i scenaristkinja, i ne postoji trenutak koji ovde zvuči lažno. Stalno iznenađujući i držeći publiku van ravnoteže, možda je njen najveći potez njen ukupan humanistički izgled. Pieces of a Woman je „autentičan film o tragediji“ i na žalost, nam predstavlja jedno duboko emocionalno iskustvo jedne potpuno skrhane i razorene porodice nakon tragedije.


Vanessa Kirby (Mission: Impossible - Fallout, The Crown) vodi glumačku postavu, i glumi Martu, bostonku u ranim 30-ima, koja očekuje bebu sa suprugom Seanom (Shia LaBeouf), građevinskim radnikom sa promenljivijim temperamentom. Njih dvoje se odlučuju za porođaj kod kuće, koji će obaviti babica koja će u njihovo prebivalište doći u kratkom roku. Glumi je (Molly Parker) kao Eva, još uvek potcenjena glumica koja ostavlja ogroman utisak u svojih nekoliko scena. Međutim, rođenje u kući završava se velikom tragedijom. Odatle, priča počinje da se fokusira i prati odgovor Marte i njene šire porodice na tragediju i kako podeliti krivicu. Sve ovo učiniće i da se nemir uvuče u njihov porodičan život, nezadovoljstvo, očaj i bes, postaju sve češći dok se porodica bori sa gubitkom.
Martin porođaj je zapravo trebao da bude rutinski posao u njihovoj kući. Ali kada započne, babica ne može da dođe - usred je teškog porođaja sa drugom ženom - i tu dolazi zamena (Molly Parker). Martin lik je centralni deo filma; gotovo pola sata muke uglavnom neprekinute i scene koja je do sada malo puta viđena na nekom filmu u takvom izdanju koje je potpuno mučno gledati. Telo joj je smrvljeno bolom i strahom koje Kirby prenosi, u izuzetnom fizičkom performansu. Nakon bebine smrti, Martina porodica odlučuje da pokrene sudski postupak protiv babice. Ali pošto babica nije učinila ništa očigledno pogrešno tokom Martine trudnoće, zaplet u sudnici samo iritira. Film zatim u hodu, menja brzinu, ton i nameru. Nakon tragedije, i tih mučnih pola sata, film se prebacuje u dubinu tuge sa kojom se suočavaju.


Dok Sean (izvanredni LaBeouf) spolja nosi svoju agoniju - vraćajući se kokainu, cigaretama i cugi da pobegne od svega - Marta se potpuno okreće sebi. Ona je utrnula i ogoljena, dok se svakodnevno nosi sa svojim istinskim bolom. Veza između Marte i Seana počinje da se raspada po šavovima, stan koji Marta i Sean dele ubrzo postaje ratna zona dok njihov odnos hoda po ivici totalnog raspada. Marta se nakon tragedije pokušava vratiti poslu koji radi, misleći da može dalje. Samo, njeno telo joj ne dozvoljava da zaboravi tragediju. Kako se radnja dalje odvija, priča se takođe pretvara u niz argumenata između Marte i njene bogate, prepotentne majke Elizabeth (Ellen Burstyn) oko suđenja. Elizabeth insistira na tome da će Evin odlazak u zatvor pomoći Marti da psihički ozdravi i prevaziđe njeno zdravstveno stanje, ali Marta sumnja da bilo šta može da izleči njenu tugu. Majka ne odobrava njene odluke i stalno pokušava da joj se suprotstavlja i meša u život. Međutim, film je ipak najzahvalniji kada je Kirby emocionalno težište. Ona obrazlaže perspektivu majke koja se bori da prihvati i podnese nezamisliv gubitak u tišini.
Umesto da oljušte slojeve Martine traume, Mundruczo i Weber se nagomilavaju na spoljnim sukobima da bi preneli bes i uznemirenost porodice. Možda je namera bila prikazati širi portret kako pojedinačna tragedija može da raspetlja čitave porodice i veze, ali nijednom pitanju se ne posvećuje mnogo pažnje pa se film oseća kao nedorečen i nedovoljno kuvan u više tema koje pokreće. Kirby-jeva predstava je najbolja stvar u čitavom filmu: u trenucima kada je Marta najviše utrnula od tuge, njen prazan pogled poziva i na užas i empatiju. Njen nastup je poetski odjek naslova filma. Ali naročito nakon te rane, produžene, mučne scene, reditelj Mundruczo osigurava da svakog minuta budemo svesni njene velike tuge koja je gotovo nepodnošljiva za jednu majku. Pieces of a Woman je ponekad vrlo efikasan, dok se ponekad puno trudi a to ponekad ne ispunjava do kraja.


Mađarski reditelj Kornel Mundruczo („White God 2014“) koji je sa ovim filmom debitovao na engleskom jeziku i scenaristkinja Kata Weber, njegova partnerka, zasnovali su film na sopstvenom iskustvu gubitka deteta. I tako se „Pieces of a Woman“ u svakom detalju osećaju lično. A Kirby nas toliko približava Marti u njenim mukama da osećate njene nervne završetke. I uprkos klišeu i nekim manjim nedostacima i problemima sa kojima se film suočava, i dalje je to vrlo dobar film.

OCENA: 7/10.

четвртак, 14. јануар 2021.

Nomadland (2020)


Režija: Chloé Zhao

Scenario: Jessica Bruder, Chloé Zhao

Uloge: Frances McDormand, David Strathairn, Bob Wells, Linda May 


Nomadland zasnovan na istoimenoj nefikcionalnoj knjizi Jessice Bruder gleda na generaciju Amerikanaca koji su postali „beskućnici“ nakon ekonomskog kraha. U središtu priče je Fern (Frances McDormand), šezdeset i nešto godina stara udovica koja se uselila u razbarušeni kombi nazvan Vanguard, nakon gubitka ne samo posla i kuće, već i čitavog grada. Fern pakuje svoj kombi i kreće na put istražujući život izvan konvencionalnog društva kao savremeni nomad. U trećem igranom filmu rediteljke Chloe Zhao (The Rider, Songs My Brothers Taught Me), stvarni nomadi Linda May, Swankie i Bob Wells su Fernovi mentori i drugovi u istraživanju ogromnog pejzaža američkog Zapada. Nomadland je premijerno prikazan na Filmskom festivalu u Veneciji, gde je osvojio Zlatnog lava. Takođe je osvojio nagradu People's Choice na Međunarodnom filmskom festivalu u Torontu, što je prvi film koji je ikada osvojio glavnu nagradu i u Veneciji i u Torontu.


Fern radi sezonski posao gde god može da ga dobije, a plate joj pružaju dovoljno novca da hranu drži u stomaku, a benzin u rezervoaru, ali ideja da se stalno veže za jedno mesto jednostavno ne leži Fern: njena volja za put i njegove beskrajne mogućnosti uvek pobeđuje. Fern očigledno tuguje za životom koji je nekada poznavala, ali njen novi život na putu daleko je od tragedije. U stvari, postoji čitava zajednica ljudi koja više voli nomadski način života, a Zhao ih stavlja u prvi plan svog filma. 


Kao jedna od poslednjih koja je napustila Empire, Fern prilagođava svoj kombi putovanju - ispunjavajući ga policama, ringlom, zavesama, dušekom, i čini ga stalnim prebivalištem dok se vozi preko jugozapada. McDormand je oduvek bila nadarena govornica i koristi svoj glas i akcente da prenese toliko toga u svojim nastupima. Ali kod Fern, tajno oružje je tišina. A kada progovori, vrednost koju stavljamo na njene reči je beskrajna. Kada izrazi mišljenje ili filozofiju, to je zadivljujuće. Iako ne razumemo baš svaki njen izbor u Nomadlandu, mi ga prihvatamo zbog svega što je prošla u životu. Nomadland je očaran ženama koje svoje godine nose kao počasnu značku, a McDormand je savršeno lice da uhvati sav bol, želju i smirenost koju Fern oseća u bilo kom trenutku. McDormand ne poseže za lakim trenucima u svom nastupu, i to možda nije najveći nastup glumica do sada, ali ipak predstavlja jedan od njenih najboljih. Suzdržana je tamo gde bi se drugi mogli osloboditi i tamo gde toliko izvođača želi da deli, ali Fern svoje emocije drži zaključane blizu grudi.


Zhao ima sposobnost da uhvati neviđenu Ameriku na veoma impresivan način. U njenim pričama nema romantike - one su jednostavno životne činjenice i govore o prirodnoj lepoti sveta u svim njegovim opipljivim čudima. „Šta se pamti, proživljava“ spominje se u opsežnoj, bolno duševnoj Zhaovoj najnovijoj slici, mantri koja govori o eleganciji njene režije i saosećajnoj radoznalosti koju ima prema svojim podanicima, a takođe je dala život drugačijem, često zaboravljenom društvu. Nomadland je milost izgrađena u prljavštini, to je mudrost koja se nalazi u srceparajućem gubitku i to je empatija viđena očima svetskog umornog putnika po imenu Fern, doživotnog vrednog radnika koja je od Velike recesije izgubila više od svega što se može zamisliti u našim životima. Dok Fern započinje svoj život modernog nomada i kreće na svoje putovanje velikim američkim Zapadom, Zhao prikazuje život u svim njegovim svakodnevnicama, spretnom rukom koja pokazuje da lepota još uvek postoji i da se može pronaći.


Nomadland nas takođe prebacuje na zavejane planinske delove i suve ravnice, zapuštene gradove i usamljene puteve, šume i vode zaliva. Sve to sa strahopoštovanjem i neophodnim osećajem veličanstvenosti prikazuje kinematograf Joshua James Richards. Rediteljka Chloe Zhao prikazuje ponekad dokumentarniji osećaj prema svom filmskom stvaralaštvu, jednostavno prateći Fernove saputnike i ljude koji se pojavljuju u filmu. Zhao je neko ko veruje u čarobno čudo prosečnog svakodnevnog čoveka koji jednostavno pokušava da pronađe svoj dom, i "nema konačnog zbogom". Kako se Nomadland razvija, Fern otkriva još malo svoje priče, dok njen današnji život, nakon pada Velike recesije, nastavlja od Nevade do Arizone do Dakota Badlands do pacifičke obale. Širom Nomadlanda, Fern komunicira s raznim ljudima, uglavnom starijima, koji svoje poslednje godine provode živeći od oskudnih penzija ili, poput Fern, tražeći privremeni posao. Mnogi ljudi koji se pojavljuju u filmu žive na ovaj način u stvarnom svetu i svoja iskustva dele s Fern - a samim tim i s nama. 


Ipak, usamljenost kruži po ivicama, jer većina ovih lutalica, uključujući i Fern, zna da će većinu vremena biti sami. Bilo bi lako zamisliti Fernov nemir kao jurnjavu za nečim, ali dok se Nomadland kreće prema svom prigušenom finalu, McDormand i Zhao ubedljivo artikulišu da Fernovo putovanje uopšte nije težnja. Ona ne beži ni od čega - iako postoje bolna sećanja na industrijski grad u kome su živeli ona i njen pokojni suprug. Nomadland umesto toga omogućava Fern gracioznost složenih motivacija. Ona je usamljenica, ali nikako mizantrop, ona je osoba koja uprkos svim stvarima čvrsto vlada sobom. Slike Nomadlanda neće se lako zaboraviti. Zhao se već može svrstati u filmske stvaraoce koji znaju kako stvari funkcionišu na filmu, i zna kako da prikaže ono što se zove "osećaj". Ona i njen snimatelj Joshua James Richards stvorili su nešto tako duboko od onoga što su uspeli da uhvate u prirodi. Nomadland je nešto što se neće zaboraviti.

OCENA: 10/10.

среда, 13. јануар 2021.

I'm Your Woman (2020)

 

Režija: Julia Hart

Scenario: Julia Hart, Jordan Horowitz

Uloge: Rachel Brosnahan, Marsha Stephanie Blake, Arinzé Kene, Jameson Charles

U širokom svetu gangsterskih trilera pod suncem nema gotovo ništa novo. Svaki napamet već znamo unapred, a zatvorenih očiju možemo pratiti likove. Jedina nova teritorija koju treba istražiti je drugačija perspektiva. I'm Your Woman zauzima isti narativni prostor kao i gangsterski filmovi koje smo svi već gledali, ali ovaj put fokusirajući se na iskustvo žene kriminalca, a ne na samog zločinca. I'm Your Woman, sebi urezuje prostor koji je osvežavajući i neprimereno ženski. Jean (Rachel Brosnahan) i Teri (Marsha Stephanie Blake) su u središtu ne samo ženskog prijateljstva ili veze o ženama sa lošim muževima, već i pucnjave kriminalne drame. U sposobnim rukama režiserke Julije Hart (Stargirl, Fast Color, Miss Stevens), I'm Your Woman (čiji je koautor Jordan Horowitz) je nešto vrlo dobrodošlo na filmskoj sceni. Hart uspeva da zauzme ovaj već istrošeni žanr i učini da se oseća potpuno novim.

Brosnahan glumi Jean, suprugu Eddie-ja (Bill Heck) čiji su poslovi obavijeni misterijom, iako Jean duboko u sebi zna da je to verovatno nešto loše u pitanju. Jednog dana, Eddie se vraća kući sa bebom, rekavši da je ta beba sada "njihova". Zbunjena Jean pokušava da shvati šta se zapravo dešava, ali bez obzira na to prihvata bebu i imenuje ga Harry. Međutim, Eddie nestaje vrlo brzo nakon toga, jer je zaglavio u obračunu mafije sa kojom se prethodno spetljao, što Jean i njenu bebu stavlja u lošu poziciju. Eddiejev partner Cal (Arinzé Kene) stiže i pomaže Jean da pobegne na sigurnije mesto, barem privremeno dok ne vidi šta će dalje raditi sa svojim životem, ali daje joj veoma malo informacija o tome kako, kada, šta i zašto je Jean u ovom neredu. 
Jean započinje kao uplašena, izolovana figura, ali kako se stvari odvijaju oko nje, njena snaga raste potrebom da preživi u najekstremnijim okolnostima. Iako ponekad film zaglavi u klišeima, radnja uspeva da održava našu pažnju. Bez ikada prebacivanja priče na nevolju u koju je Eddie upao (zapravo, nikada ga više ne vidimo), Jeanin život se nastavlja rasplitati kao odgovor na nered koji je napravio. Nakon bliskog poziva u sigurnu kuću, Cal ponovo premešta Jean i Harry-a gde Jean iznenađuje Calova supruga (Marsha Stephanie Blake), otac (Frankie Faison) i mladi sin Paul (De'Mauri Parks) koji takođe dolaze da ostanu radi sigurnosti. Kroz sve to, sjaj koji je tako pažljivo kultivisala da bi prikrila praznine u svom neispunjenom životu počinje da se ruši i vidimo kako Jean evoluira u ženu kakva je oduvek želela da bude, ali nikada nije znala kako da postane.

Snaga filma nije samo u prirodi radnje I'm Your Woman, već i u izvedbama Brosnahan i Blake. Ovi likovi (i glumci koji ih prikazuju) ističu se dok se trude da zaštite svoje porodice. Ovo bi moglo biti umorno, ali sa Hartom i njenim koscenaristom / suprugom Jordanom Horowitzom na čelu, to deluje osvežavajuće. Pored vodećih glumaca, izdvajanje I'm Your Woman dolazi takođe iz estetike 1970-ih. U scenografiji se posvećuje velika pažnja detaljima i sve lokacije imaju izrazit retro osećaj. Kuća u kojoj Jean boravi visoka je klasa kao što biste očekivali, ali svuda drugde gde ide suprotstavlja se privilegiji na koju je navikla. Međutim, sve lokacije su upečatljive i mogu se pohvaliti veoma dobrom kinematografijom Brycea Fortnera. Kostimografija se takođe precizno poklapa sa erom. Ima noir njuh sa velikim modernim senzibilitetom, jer podmeće mnoštvo kriminalističkih drama kako bi ispričao primamljivu i dobro napisanu studiju karaktera.
Hart takođe pruža uzbudljivu i korektno uređenu sekvencu jurnjave automobilom koja je dobro koreografisana i napeta. U 2020. godini nije izašlo na tone akcionih filmova, ali I'm Your Woman deluje kao najuzbudljiviji niz automobila u jurnjavi koji smo dobili do sada na ekranu u filmovima ove vrste žanra. Kako Jean tokom svojih putovanja nailazi na više ljudi koji su povezani preko svog supruga, ona počinje da shvata kako da izađe iz ograničenih uloga u koje je smeštena dok pronalazi sopstvenu moć. Jedan od likova koji takođe pomaže Jean je Teri (Marsha Stephanie Blake), Cal-ova supruga koja krije tajnu o Eddie-u koju ni Jean ne zna. Julia Hart je možda jedina bela žena koja snima film koja zna kako da Crnci izgledaju loše i može im dati dimenziju bez potrebe za nametanjem teme rase.

Jeanino putovanje i avantura u filmu I'm Your Woman vodi i do toga da uči kako se koristi pištolj, ali takođe uči kako donositi odluke, pomagati drugima, i što je najvažnije, uči da deluje, a ne da reaguje. To je transformacija koju ona izvodi samo uz pomoć okoline. Hart i Horowitz mapiraju putovanje ovog junaka u njen majčin svet, a njeno delovanje pokazalo se ne samo snagom, već i ljubavlju - retkom robom u kriminalu. Hartovo složeno pisanje uspeva u polaganom razotkrivanju slojeva njenog narativa, često gledaocu i glavnom junaku govoreći mnogo manje nego što treba. Čak i tada, uvek ćete se naći blizu Jeaninog koračanja, koja prihvata savet da nastavi da hoda, i da se "ne osvrće". Nekima će možda tempo filma biti malo spor, ali ako se prepustite Hartovoj viziji, zaista možete uživati u njegovoj nepredvidljivosti. Tim više što se film odriče redovnih krimi trilera, a umesto toga dobijamo osvežavajući neo-noir triler smešten u 70-te. To je film koji manje govori, a više radi.
Rachel Brosnahan čini Jeaninu ulogu uverljivom - od neznalice do slučajne majke s majčinim instinktima koji su snažni koliko i njeni instinkti za preživljavanje. Podržavaju je neki sposobni izvođači poput Arinzea Kenea, koji glumi Cala s najvećom iskrenošću i Marsha Stephanie Blake, kao Teri. Pozadinska muzika starog zvučnog zapisa i neupadljiv produkcijski dizajn, zajedno sa starinskim automobilima i drvenim nameštajem, poboljšavaju žanr iskustvo. Većina drugih priča ove radnje zaista bi se vrtela oko čoveka. Videli bismo šta je Eddie uradio, prvo da uzme bebu, a zatim da se suprotstavi mafiji sa kojom radi. Znali bismo kako je Cal postao osoba koja je pronašla Jean sigurnu kuću i zaštitio je, pratili bismo dok je banda pokušavala da joj uđe u trag. To bi bio dobar film, ali ovaj je zanimljiviji. Oduzimajući sve to, ili bar prikaz na ekranu, neizbežno smo bačeni isključivo u Jeaninu dezorijentišuću situaciju. 

U relativno kratkom vremenskom periodu Hart se nametnula kao smeli filmski stvaralac koji je zainteresovan da priča originalne priče sa više nego sposobnim glumačkim i kreativnim timovima koji su spremni da pomognu da to učini. I'm Your Woman je njen najambiciozniji projekat do sada, a pruža i neočekivani preokret u retro gangsterskom filmu i kao izjavu o razvoju ženskog identiteta. I'm Your Woman nije savršen film, ali je i daleko od lošeg.

OCENA: 7,5/10.

уторак, 12. јануар 2021.

Soul (2020)

 

Režija: Pete Docter, Kemp Powers (co-director)

Scenario: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers

Uloge: Jamie Foxx, Tina Fey, Graham Norton ...


Da je 2020. funkcionisala drugačije, Pixar-ova „Duša“ (Soul) započela bi svoj povratak u Cannes - prvi Pixar-ov pokušaj od „Inside Out“ da to učini. Poput mnogih obećavajućih naslova za ranu godinu, ti planovi su propali, ali „Soul“ neće proći ne zapaženo kod publike koja je više nego željna filmskih radosti. Ovaj animirani film nudi snažnu vezu sa gledaocima prisiljavajući nas da odgovaramo na teška pitanja koja se tiču našeg postojanja. 

Mnogi od nas nisu tamo gde smo oduvek mislili da ćemo biti, i to je u redu. Ponekad smo tačno tamo gde treba da budemo. To je ono što je poslednji animirani film Disneya Pixara „Soul“ ovde da nas nauči, a sa pogoršanjem pandemije i svetom kao da gori, to je samo poruka nade i optimizma koja nam je trenutno potrebna.

Film je usredsređen na život Joe-a Gardnera (Jamie Foxx). Joe je nastavnik benda u srednjoj školi, zna da je rođen da svira džez. Njegova strast i životna svrha je muzika, a za njega to znači igrati pred publikom, a ne biti nastavnik. Jednog dana, dobija životnu priliku da svira u najboljem džez klubu u gradu i svira sa jednim od svojih omiljenih muzičara. Ali jedan mali pogrešan korak vodi ga sa ulica Njujorka do Velikog pre - fantastičnog mesta gde nove duše dobijaju svoje ličnosti, i interesovanje pre nego što odu na Zemlju. Odlučan da se vrati svom životu, Joe se udružuje sa dušom, 22 (Tina Fey), koja nikada nije razumela privlačnost ljudskog iskustva. Njih dvoje su čudan i potpuno različiti par. 22 ne želi da se rodi, dok Joe želi da živi ponovo. Tačnije, želi da ispuni svrhu za koju misli da je postavljen na Zemlju. Ova dinamika stvara prirodnu komičnu napetost koja postoji samo da vas nasmeje. Dok, Joe očajnički pokušava da 22 pokaže šta je sjajno u životu, možda će tek otkriti odgovore na neka od najvažnijih životnih pitanja.
Objasniti i reći sve što se dešava bilo bi uskraćivanje gledaocu da sam doživi novi Pixarov film Soul i oseti sve njegove radosti, ali moram reći da jedna od najboljih scena - koja je prošarana zapanjujućim montažama Joe-a koji odrasta zajedno sa prijateljima i porodicom, otkrivajući svoju ljubav prema muzici i ulogu Njujorka kao gradske predstave u njegovom životu - mogao bi se svrstati među najveće sekvence u istoriji animiranog filma. Ali Docterovo pisanje i scenario, zajedno sa strahovitom animacijom koja se u jednakoj meri prebacuje između prijatnog i genijalnog, obezbeđuje da čak i deca mogu da prate sve što se događa na ekranu.

Film je prelepo naglašen zahvaljujući spektakularnoj originalnoj partituri Trenta Reznora i Atticusa Rossa i džez kompozicijama John Batiste-a, koji muzičke scene podižu na vrhunac. Što se tiče vizuelnih materijala, to je još jedan pobednički poduhvat za Pixarov tim za animaciju, zbog čega ćete se ponovo zaljubiti u Njujork; od zalaska sunca i drveća do kakofonije na ulicama. Svaki lik je vizuelno zapanjujući i njegova jasna ljubav stavljena je u njihov dizajn. Od njihove kose do njihovih tipova tela i odeće, živost Njujorka i ljudi u njemu su u potpunosti prikazani. 

Vizuelno, Soul je apsolutno poslastica. Zapravo, Soul je jedan od najlepših filmova koje je Pixar sastavio. I estetika i odabrane boje su apsolutno izvrsne. Na Zemlji su boje utemeljene, sa mnogo više naglaska na izrazima lica i ljudskim osobinama. Međutim, izvan Zemlje, maštovite neonsko osvetljene boje se kombinuju da bi postalo pravi praznik za oči. Nijanse Inside Out prolaze dok smo se upoznavali sa neverovatno maštovitim svetom, punim jedinstvenih ideja koje se poigravaju onim ranije pomenutim motivima o pronalaženju nečije strasti, punom životu i trudu da ostvarite svoje snove. Ovo su sjajne lekcije koje treba provesti kroz život, a film čini sve da to što više ojača.
Soul se puno trudi i naslov filma pametno deluje kao dvostruki ulazak. S jedne strane, ovo je film o soul džez muzici i igra se kao slavljenički pogled na njegovo duboko ukorenjeno poreklo u afroameričkoj istoriji. Sa pretežno crnom glumačkom ekipom, Soul se dobro snalazi da zaista proslavi ove uticaje, a film to čini bez da vas svojim temama tuče po glavi. Istovremeno, takođe gleda na ono što čini vašu dušu i posebno na ono što ljude čini posebnim.

Ponekad jednostavno moramo da živimo čak i ako se bojimo ili ako smo previše zabrinuti da život nije ono što smo zamislili. Generalno, da, Soul nudi humor. Ali takođe nudi srčano ispunjeno istraživanje života, življenja i našeg uticaja koji ponekad zaboravimo da shvatimo. Soul ima svojih rupa i nedostataka ali i dalje je to komad bioskopa koji bi trebalo da se vidi, naravno, gledanjem na velikom platnu bilo bi puno bolje i učinkovitije, ali ni publika koja ga bude gledala od kuće neće biti nezadovoljna. Soul je izvanredan, skoro pa savršen TV komad.

OCENA: 8,5/10.

петак, 08. јануар 2021.

Minari (2020)



Režija: Lee Isaac Chung

Scenario: Lee Isaac Chung

Uloge: Steven Yeun, Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, Alan S. Kim, Noel Cho, Will Patton, Scott Haze, Eric Starkey, Esther Moon


Minari je izuzetno moćna, a takođe potresna i složena porodična drama koja prikazuje korejsko-američko imigrantsko iskustvo i potragu za američkim snom. Reditelj Lee Isaac Chung prenosi svoja sećanja na dete korejskih imigranata i daje nam autentičnu priču o očinstvu, identitetu i postizanju američkog sna. „Minari“ je reflektujući višeslojni film koji istražuje više tema iz tri vrlo različite perspektive. Ovde vidimo porodicu doseljenika koji vredno rade na postizanju američkog sna što će i oblikovati njihov identitet, istovremeno redefinišući šta znači biti porodica. Film je dvostruko nagrađivan na Sundance Festivalu gde je imao premijeru, a Lee Isaac Chung svojim najnovijim projektom nudi dodatnu potvrdu svojih sposobnosti izuzetno talentovanog, humanističkog pripovedača.

Mnogi ljudi u svetu potiču od imigranata koji slede san o boljem životu za sebe i svoju porodicu, a Minari je upravo takva jedna priča, ali drugačija od svega do sada, koja se izdvaja apsolutno od drugih naslova na sličnu temu (a bilo je prilično dosta). Bez patetike, bez klišea, i ništa osim čiste i lepo konstruisane priče. Ova lepa i moćna porodična drama o prevazilaženju nedaća i istrajnosti koja se naslađuje u malim trenucima sigurno će nagraditi svakog gledaoca koji mu pruži pažnju, dok istovremeno ujeda za srce i čini da publika oseti lepezu emocija tokom trajanja filma od skoro dva sata. U međuvremenu, publika će se zaljubiti u ove brojne generacije likova. Chung je u svom četvrtom igranom filmu sastavio oko 80 vizuelnih uspomena iz sopstvenog detinjstva odrastanja u Arkansasu. Neke od tih uspomena su obnovljene onako kako ih se on setio, ali su takođe prirodno uklopljene u izmišljene likove i priču.
Prvo upoznajemo porodicu koja se vozi zemljanim putem do njihovog novog doma u Arkansasu. Međutim, vrlo brzo nakon što stignu tamo teško da je to slika američkog sna sa belom ogradom - na veliku žalost nezadovoljne supruge Monice (Ye-ri Han). Dok ona i njen suprug Jacob (Steven Yeun) rade nezahvalan posao radeći u mrestilištu za piliće kako bi zaradili novac, Jacob ima velike snove da na svojoj zemlji izgradi malu farmu, sastavljenu od korejskog povrća, kako bi se zadovoljila rastuća korejska imigrantska populacija u Americi. U međuvremenu, tu su i dvoje njihove dece, ćerka Anne (Noel Cho) i njihov sedmogodišnji sin David (Alan Kim) koji ima zdravstvenih problema sa srcem, što je još jedan razlog za zabrinutost njegovih roditelja povrh osnovnih briga o njihovom preživljavanju i blagostanju u potpuno stranoj kulturi. U odnosima Jacoba i Monice nije sve u najboljem redu, i da bi umirili Monicu, pristaju da pozovu njenu majku, Soon-ja (Yuh-Jung Youn), da se preseli kod njih iz Južne Koreje. Čim majka stigne, to samo dodaje još sukoba u njihovu porodicu.

I ne samo to, odsečeni od civilizacije, najbliža bolnica im je udaljena sat vremena, što predstavlja veliki problem zbog Davidovog stanja sa srcem. Kao takva okolina, Monica ima puno pravo da dovodi u pitanje Jacobovu odluku da se preseli u neko udaljeno mesto od lekara koji spašavaju život. Kako finansijski stres počinje da raste, a poteškoće dodaju frustracije, to sve više opterećuje odnos Jacoba i Monice do tačke kada Monica počinje da razmišlja o napuštanju porodice. Ovde Ye-ri Han nije pretvorena u negativca, već nekoga s kim možemo da se saosećamo jer njene brige potiču iz opravdanih razloga. Oseća se gotovo nevidljivo, jer je Jacob previše tvrdoglav čak i da primeti njenu zabrinutost. Kao takvi, svaki njen argument dodaje joj sve veću ogorčenost prema mužu. Njihova ćerka Anne, takođe snosi veliku odgovornost kao najstarije dete, koje mora da se brine o Davidu dok su roditelji na poslu. 

Chung posipa svoj scenario i sa brojnim šaljivim i nežnim trenucima, posebno uključujući Davida i njegovu baku. Takva specifičnost i briga čine Minari posebnim iskustvom koje bi trebalo da odjekne kod publike. Treba zahvaliti i zvezdi Stevenu Yeun-u (svoja prepoznatljiva uloga u filmu Burning), koji simpatično nastupa kao otac koji teži samopoštovanju, dok glumica Ye-ri Han Monicu prikazuje kao izuzetno lojalnu majku i suprugu, ali onu koja ima svoja ograničenja. Chung u potpunosti publici daje priču o imigrantskom iskustvu i žrtvama koje moraju da podnesu sve da bi postigli američki san.
Snimljena u narandžastom sjaju sunčeve svetlosti Arkansasa dok zujanje poljskih cvrčaka ispunjava zvučnu podlogu, Chungova ljubav prema svojim likovima - i obradivom zemljištu u Arkansasu na kojem je odrastao - uvek isijava i nikada ne postoji trenutak u kojem ne navijate za Jacoba, Monicu, njihovu baku Soon-ju, Davida i njegovu sestru Anne. Postoji čak i naklonost prema Paul-u (Will Patton), okrutnog evanđeoskog farmera vitke kose i velikih naočara, koji nedeljom nosi džinovski krst, sličan Isusu, ovih detalja se Chung očigledno setio iz svoje mladosti i upotpunio svoju priču kako bi napravio pravo remek delo, i sve to izuzetno funkcioniše u Minari-u.

Deo tih specifičnosti koje Chung unosi u ovu priču čini gledanje Minari osvežavajućim jer nam daje novu perspektivu. Bilo da je reč o porodičnom domaćinstvu sa više generacija ili baki koja kući donosi mirise doma, postoje aspekti filma koji će više povezati neke članove publike nego druge. Kao takav, „Minari“ mora da žonglira sa mnogim temama tokom skoro dva sata trajanja. I dok film polako izgara kako bi nam ispričao priče svakog lika, mi vidimo uvid u perspektive svakog od njih i kako sve njihove odluke utiču na porodicu. Ovo otkriva njihova stanja i pomaže nam da se saosećamo sa njihovim borbama i trijumfima.

Minari-u“ nisu potrebni neki veliki kinematografski trenuci da izazove emocije. Umesto toga, Chung se oslanja na performanse glumačke ekipe da bi nam ispričao ovu ličnu priču. Jacob pokušava da pronađe svoj identitet, a istovremeno ostavlja zaostavštinu kojom se njegova porodica može ponositi. Međutim, njegove spontane odluke mogu biti nepromišljene i ponekad izgledaju kao sebične. On stavlja svoj brak i porodicu u nezavidnu poziciju u nadi da će njegova farma, koja dolazi sa svim svojim problemima, biti uspešna. Iako „Minari“ ima toliko priče za ispričati iz mnogih perspektiva, film je iznenađujuće tih u pristupu iznošenju svoje priče. Nisu mu potrebni bilo koji od ovih preterano dramatičnih trenutaka da bi se dokazao svojoj publici. Sve što mu je potrebno je vreme da lepo i elegantno ispriča svoju priču i koristi kinematografiju Lachlan Milne-a da stvori portret koji je dirljiv i poetičan. Svaki lik je graciozan i svi imaju svoje posebno mesto kod Chung-a.
Razlaz između Davida i njegove bake dolazi delimično iz tumačenja engleskog jezika. Iako bi drugi filmovi ovu podelu učinili izvorom sveopšte tuge, Minari se zabavlja stvarajući veze između svojih likova u novom okruženju za njih. Međutim, istovremeno bračne nevolje pogađaju Jacoba i Monicu, preteći razbijanjem porodice. Takva emocionalna dubina i raznovrsnost čine Minari jedan od retkih zaista sjajnih filmova 2020. Jednostavno, ali elegantno izrađen, mnogo toga mu je na umu, a glumačka ekipa isporučuje na svim frontovima. O ovoj porodici je odmah vredno i lako brinuti - čim film započne, mi smo sa njima, i odma kradu naše srce.

Na kraju, iako je pojedinih sjajnih naslova u teškoj 2020. godini bilo tek nekoliko, Minari uspeva da ostavi svoj lični pečat, a reditelj i scenarista Lee Isaac Chung uspeva da radi blizu savršenstva. Nazvan po korejskoj biljci koja prirodno raste u divljini, Minari je ljubazni, nežno izrađeni portret korejske američke porodice koja se bori da se održi. Chung savršeno korača svojim scenama i postavlja Minari na sam vrh filmskog stvaralaštva.


OCENA: 10/10.