понедељак, 30. новембар 2020.

The Queen's Gambit (TV Mini-Series 2020)

 

Kreatori: Scott Frank, Allan Scott

Uloge: Anya Taylor-Joy, Bill Camp, Marielle Heller ...


Ko je znao da iz šaha možete izvući tako intrigantnu priču? The Queen's Gambit, otkrivena je kao najpopularnija ograničena serija koja se ikada prikazivala na Netflix-u, a prema nekim rezultatima, 62 miliona domaćinstava gledalo ju je u prvih 28 dana emitovanja prema mreži za streaming. I ne samo to, već je emisija o šahovskog genija Bet Harmon (koju glumi glumica Anya Taylor-Joy) ponovo oživela sport i dovela do velike potražnje za šahovskim garniturama. Serija je adaptacija romana Waltera Tevisa iz 1983. godine, koja je napisana na osnovu autorovog ličnog iskustva. Scenario i režiju radio je Scott Frank, koji je nominovan za Oscara za scenario filma Logan. Anya Taylor-Joy poznato je holivudsko lice i u prošlosti je glumila u niz horor filmova, a njena poslednja uloga bila je u filmu Emma, adaptaciji knjige Jane Austen. Osim nje, u seriji se pojavljuje i Christiane Seidel koja je igrala u serijama Boardwalk Empire i Godless, kao i Bill Camp poznat po ulogama kao što su Joker i The Outsider.

Na osnovu hvaljenog romana Waltera Tevisa, Anya Taylor-Joy kao Beth Harmon, ovaj deo svog života započinje traumatičnim gubitkom roditelja u saobraćajnoj nesreći. U svom opresivnom, ultrahrišćanskom sirotištu otkriva svet šaha preko domara koji tamo radi (Bill Camp), Beth ubrzo saznaje prirodu igre i tako započinje svoj put ka tome da postane najveća šahistkinja koju su SAD ikada videle. Odatle je usvaja problematična majčina figura (Marielle Heller) i počinje da se penje kroz redove šahovske scene, učestvuje na turnirima, privlači globalnu nacionalnu pažnju i usput se sastaje sa svim vrstama živopisnih igrača. Ali kako postaje punoletna sa jedinim izlazom koji joj daje kontrolu, mora se boriti sa ozbiljnim nizom unutrašnjih demona, uključujući zavisnost od droge i alkoholizma.

Nakon što dobije svoju novu porodicu, Beth počinje sve češće da igra šah i razvija svoje sposobnosti. Polako je počela da pobeđuje lokalne šampione, zatim državne šahovske legende, a nakon što je pobedila i njih odlučila je da se oproba na svetskim takmičenjima. Njena majka shvata koliko je Beth talentovana i odlučuje da je ispiše iz škole i od nje napravi profesionalnu šahistkinju, putujući sa njom na turnire širom sveta. Od uvodne scene prve epizode, emisija odiše starinskim osećajem koji se može naći samo u prašnjavim antikvarnicama. Pozadina iz 1960-ih daje mu jedinstvenost kakvu nema u mnogim TV emisijama ili filmovima snimljenim danas. Retro setovi prikazani tokom emisije nisu samo lepo sastavljeni i neverovatno detaljni, već služe i narativu emisije, uklapajući važne tačke radnje poput uspona hipi kulture i hladnog rata. Iako neki kompjuterski generisani snimci starih zgrada mogu da odvuku pažnju, oni odlično rade svoj posao čineći da se mlađi gledaoci osećaju prijatno na nepoznatoj teritoriji 60-ih. Nekako pronalazi način da svoju publiku prenese u vreme kada je šahovski turnir bio jednako važan kao i fudbalska utakmica.

Emisija ima vrhunski sastav likova koji svaki donose svoj ukus na ekran, ali zvezda emisije je zaista Anya Taylor-Joy kao Beth Harmon. Beth se oseća kao potpuno istrenirani lik od prvog trenutka kad je upoznate. Anya Taylor-Joy je u stanju da prevede sve složenosti lika kroz suptilne pokrete tela i izraze lica, omogućavajući publici da zaista kroči u cipele Beth Harmon. Emisija se često može osećati poput proučavanja likova dok gledamo kako Beth tone na najniže i pada na najviše grane. Iako je Beth lik koji dolazi sa gomilom nedostataka, mi verujemo prema njenom uspehu bez obzira na okolnosti. Isla Johnston je takođe sjajna kao mlada Beth otkrivajući svoje najveće snage i slabosti dok je odgajana u sirotištu. Pravi potez predstave je Bethin lik, a ne šah koji igra. Ono što nas drži u neizvesnosti iz svake epizode je naše interesovanje da vidimo šta će Beth dalje raditi, i da li će dopustiti da je preuzme zavisnost kao i kako će se izboriti sa svojim unutrašnjim demonima.

Jedan od glavnih elemenata koji se ističe je scenario. Toliko scena u ovoj emisiji moglo je da se sastavi na najdosadniji mogući način, ali zahvaljujući scenariju i režiji iza kamere, svaka scena deluje kao tačno osmišljen trenutak. Scenario takođe uspeva da radi dobro sa mnogobrojnim šahovskim scenama, čineći svaku partiju beznadežnim trenutkom čak i za gledaoce koji ne znaju ništa o šahu, poput mene. Svaka epizoda napisana s mislima i emocijama u prvom planu. Kao serija o punoletstvu, The Queen's Gambit se takođe bavi potragom mlade žene za prihvatanjem u svetu koji nikada nije bio na njenoj strani. Tokom svih sedam epizoda, Beth je prisiljena da se bavi temama poput zloupotrebe droga, alkoholizma, ljubavi, gubitka i opsesije, sve dok pokušava da otvori svoj put u okruženju kojim dominiraju muškarci. Prednja polovina miniserije sadrži priličan udeo dovoljno uverljive drame, u privlačnom „polaganom i niskom prestižu“ koji publici daje vibracije harizmatičnih ljudi. Zadovoljstvo je videti mladu Beth (koju igra Isla Johnston) kako otkriva i opseda strategiju šaha, gledati stariju Beth kako donosi dramatične i važne odluke kako bi nahranila svoje unutrašnje demone ovisnosti i dominacije. Frankov opseg serije često se širi i dalje od Beth-inog putovanja, slikajući suptilno efikasnu sliku onoga što je odrastanje tokom burnih šezdesetih godina moralo da se oseća, posebno za žene.

Da biste bili zaista sjajan šahista - ne samo dobar, već i jedan od velikih - treba da posedujete kombinaciju koncentracije, oštrine i nerva. Ono što izgleda kao jednostavna ploča od 64 kvadrata brzo postaje bojno polje; ključ pobede u narednoj borbi je mogućnost analiziranja i predviđanja poteza protivnika, a da vaše lice ne odaje niti jedan proračun. Šah je mentalno kažnjavajuća, ezoterična igra - zbog čega je izuzetno teško prikazati na ekranu sa upola uzbuđenja koje bi mogao imati u stvarnosti, posebno ako gledalac ne zna sva pravila (a velika je verovatnoća da ne znate). Ali, The Queen's Gambit uspeva da personalizuje igru i njene igrače zahvaljujući pametnom pričanju priča i, u Anya Taylor-Joy, glavnom glumcu toliko magnetnom da kada zagleda objektiv kamere, njen kremeni odsjaj preti da se preseče kroz njega. Što je najvažnije, serija koristi šah kao svoj motor za složeniji narativ o ženskom geniju, privlačnost zavisnosti i dar autonomije.

Na putu do vrha, ona sakuplja srca muškaraca podjednako frustriranih i oduševljenih njome. Čak se i čelični ruski šampion (Marcin Dorocinski) čije se lice retko pomeri za centimetar, privuče ovoj neobičnoj devojci i njenom zapanjujućem umu. Bezbrojni šahovski mečevi počinju i završavaju se na Beth-inom licu dok ona hladnokrvno zuri preko table u svog protivnika, čekajući trenutak kada će ga moći oboriti. U rukama većine glumaca ove scene postale bi suviše dosadne, ali sa Anya Taylor-Joy, postaju očaravajuće. Bilo bi lako da se emisija previše prepusti Beth-inoj privlačnosti i od nje napravi neku vrstu maničnog genija, ali češće to zaranja dovoljno duboko u njenu psihu i otkriva dovoljno slabosti da nikada nije nepobediva ili nespoznatljiva. Ona je mozak, ali i ljuta opsesija zdravim egom i ljubavlju prema uništavanju sebe pre nego što joj bilo ko drugi to može učiniti. Želi da pobedi, ali i više od toga.

Stalno postaje jasno da Beth ima genijalne sposobnosti, ali čak i dok slama protivnike na šahovskim turnirima širom Amerike, ona je takođe tinejdžerka koja pokušava da shvati svoje kipuće emocije i polako rađajuću seksualnost, a ne pomaže joj dugotrajna zavisnost od sredstva za smirenje. Veza koju formira sa usvojiteljicom Almom (Marielle Heller) postaje presudan spas za oboje. Alma se pokušava izvući iz olupine svog braka, a njena novopronađena uloga agenta i poverljive osobe za Beth daje joj novi oslobađajući život. Anya Taylor-Joy impresivno glumi tvrdoglavu i znatiželjnu Beth - devojku koja do sada nije imala sjajan mladi život, ali konačno stvari vidi u sunčanijem raspoloženju. U glumačkoj ekipi joj se pridružuju brojni rivali na ekranu, koji se u više navrata ukrštaju sa njom, svi daju svoj dobar doprinos da bi The Queen's Gambit zvučao tako moćno da pokori Netflix-ovu platformu. 

Pa, kako napraviti emisiju o šahu zanimljivu nekome ko nikada nije igrao? Uz vrhunski scenario, veštu režiju i neverovatnu prednost koju je beskrajno impresivno gledati. Avanture Bet Harmon kroz šah, alkohol, ljubav i drogu nešto što se ne bi smelo propustiti. Ako želite da vas uvuče očaravajuća serija, ne tražite dalje od The Queen's Gambit. Ako tražite emisiju koju biste poželeli, svakako bih preporučio The Queen's Gambit, a ako mislite da ste ipak videli sve, opet bi preporuka bila The Queen's Gambit. Povremeno ćete biti ogorčeni, ponekad će vas ujesti za srce, ali na kraju volite mnoge likove i brinete se za njih da imaju srećan kraj. Usput, dok gledate 'The Queen's Gambit', možda biste mogli inspirisati se da sa tavana uđete u trag onoj davno zaboravljenoj šahovskoj tabli.

OCENA: 9,5/10.

субота, 28. новембар 2020.

The Third Day (TV Mini-Series 2020– )

 

Kreatori: Dennis Kelly, Felix Barrett

Scenario: Dennis Kelly, Kit de Waal, Dean O'Loughlin, Felix Barrett

Uloge: Jude Law, Katherine Waterston, Paddy Considine, Emily Watson, Naomie Harris, John Dagleish, Greg Draven …


Potpuno nešto novo i fascinantno stiže u vidu mini serije The Third Day, koja je sačinjena od jedne sezone i podeljena na šest delova. Ova serija koja ima pun potencijal da se nastavi dalje obuhvata misterioznu radnju i bila bi prava šteta da ne ode korak dalje u budućnosti. Priča ispričana u tri različita, ali međusobno povezana dela - leto, jesen i zima - drama prati Sama (Jude Law), čoveka privučenog misterioznim ostrvom uz britansku obalu nastanjenom grupom ostrvljana koji će po svaku cenu sačuvati svoje tradicije. Kritičarima koji su imali dovoljno sreće da gledaju letnje i zimske epizode ​​prikrile su jezive vibracije Vicker Man-a i performans Jude Law-a, koji je čak dobio napojnicu za Emmi.

Ako vas misteriozna osoba pozove u svoj misteriozni, zabačeni grad, verovatno je pametno reći „Hvala, ali ne.“ Nažalost, to Judeu Lawu ne pada na pamet u "Trećem danu". Law glumi Sama, ožalošćenog čoveka kojeg srećemo usred sloma. Progoni ga tragedija iz njegove prošlosti, a takođe se suočava sa iznenadnim gubitkom ogromne sume novca. Tako da mu možda može biti oprošteno što mu je svega preko glave i što je krenuo u grad koji se oseća kao izdanak Vicker Man-a i Midsommara. Idilično ostrvo pretvara se u jednu veliku zamku, a granica između stvarnosti i fantazije nestaje. Odličnu glumačku postavu predvode Jude Law i Naomie Harris, a neka od poznatih imena britanske glumačke scene koja takođe glume u seriji su Emily Watson, Katherine Waterston, John Dagleish i Freya Allan.

Epizode ​​1 - 3, leto: Napisao Dennis Kelly, a režirao Marc Munden, leto prikazuje Sama privučenog na primamljivo i misteriozno ostrvo uz britansku obalu. Izolovan od kopna, otkriva da nije u stanju da napusti idilični i opasno očaravajući svet koji je otkrio. Dok ga tajni rituali njegovih stanovnika primoravaju da se uhvati u koštac sa iskustvima gubitka i traume skrivene u njegovoj prošlosti, granica između fantazije i fragmenta stvarnosti. Njegova potraga za otkrivanjem istine dovodi do otkrivanja šokantne ostrvske tajne.

Jesen: Režiju potpisuju Felix Barrett i Marc Munden, Jesen poziva gledaoce dublje u neizvesni svet Trećeg dana. Uz članove glumačke ekipe The Third Day, među kojima je i Jude Law, gledaoci prate događaje jednog dana u stvarnom vremenu koji se emituju uživo sa ostrva. U jednom kontinuiranom i filmskom trajanju, rituali i tradicije ostrvljana se dalje otkrivaju.

Epizode ​​4 - 6, zima: Napisali Kit de Waal, Dean O’Loughlin, Dennis Kelly, a režiju Philippa Lovthorpe, zima prati Helen (Naomie Harris), tvrdoglavu autsajderku koja se neodvojivo privlači ostrvom u potrazi za odgovorima. Uhvaćena između porodice, rascepljenih snaga ostrva i njihove sada nesuglasice u borbi za odlučivanje o njegovoj sudbini. Kada se ona i Sam konačno sukobe u finalu, pisci serije koriste vremenske pomake u stvarnosti da uznemire gledaoce, posebno dok se kreću kroz dobro uspostavljenu napetost između istine, legende i razdvajanja ojačanog tugom.

Čini se da Samov dolazak nije bio slučajan već planiran. Meštani su ga tamo namamili. Njegov pradeda bio je osnivač Osee i meštani veruju da im je potreban njegov potomak da zaštiti ostrvo i održi ga posebnim. Tokom prve tri epizode ​​Sam-ovi pokušaji bekstva su osujećeni. U jednom slučaju je vezan i začepljen, a u drugom ga gazdarica Emily Watson drži pod oružjem. Kako se njegovo mentalno zdravlje dalje pogoršava, Samu je rečeno da sin za kojeg je mislio da je izgubio zapravo živi na Osei i čeka ga. Ako pristane da ostane i postane vođa ostrva, par se može ponovo ujediniti. 

Iako prva epizoda nije baš brza, nemoguće je ne biti uvučen u Lawov nastup kao očigledno problematični Sam. Dok smo ga sreli, on plače dok pluta niz unapred određeni deo šumske reke u očigledno komemorativnom činu pre nego što spasi život misteriozne, uznemirene mlade devojke koja pokušava da se obesi na obližnjem proplanku. Izuzetna su bila završna poglavlja „Zime“, kao i scenska predstava koja povezuje dva dela zajedno. Svaka jednosatna epizoda dizajnirana je sa završnicom koja zadirkuje glavno otkriće. Epizode troše više vremena na likove koji pokušavaju i ne uspevaju da dođu do neprestano poplavljenog nasipa, jedinog načina bekstva sa ostrva.

I Law i Harris su vrhunski glumci, epizode ​​Judea Lawa daju više obrta samo zato što se prvo emituju. Svako poglavlje napisali su i režirali različiti timovi koji svakom daju poseban ton. Scenarista Dennis Kelly i reditelj Marc Munden u svojim epizodama dočaravaju mnogo više od Vicker Man-a u ekstremnim krupnim planovima lica Judea Law-a i halucinogenim vizualnim predstavama kako bi poboljšali ionako nadrealnu atmosferu Osee.

The Third Day ima intrigantnu premisu i čini izgradnju sveta zasnovanu na drevnoj mitologiji kako bi pomogao misteriji u osnovi priče, ali nikada ne zaranja u bizarne stvari koje vidimo u svakoj epizodi. Postoje i prošlosti za Jude Lawa, Naomie Harris i Katherine Waterston koje nagoveštavaju šta ih je dovelo na ostrvo, ali nikada nije razvijena dalje nego što im služi kao razlog da su se odvažili na Oseu. Ispod slojeva atmosfere i mitologije, ubrzo je postalo jasno da je ovo priča o čoveku koji nije u stanju da se nosi sa svojom tugom. Njegov sin je nestao godinama ranije, a Sam godišnje putuje na isti deo vode pored kojeg je nestao. Priča je u to vreme bila velika vest i čak socijalno izolovani stanovnici Osee prepoznaju Sama kao izbezumljenog oca iz novina. Kad stigne na Oseu, odmah mu je neprijatno. Nelagodno zbog nasipa koji izoluje ostrvo od spoljnog sveta. Očajnički želi obaviti telefonski poziv koji bi mogao spasiti njegovu porodičnu firmu, a možda je i predvidivo, ostrvo pati od nedostatka telefonskog signala. Kelly i Munden brzo grade napetost i osećaj nelagode. Svi lokalni stanovnici Osee osećaju se onostrano i tajno. 

Godišnja doba dolaze i odlaze kada gledate The Third Day. Nova mini-serija horor drame zasnovana je na istinitoj priči koja trni kičmom - gledaoci će možda želeti da zadrže sva svetla upaljena dok gledaju. Ako volite dramatične i uzbudljive dramske serije poput The Handmaid’s Tale i Big Little Lies, The Third Day bit će vaš novi TV favorit.

OCENA: 9/10.

петак, 27. новембар 2020.

Breaking Surface (2020)

 

Režija: Joachim Hedén

Scenario: Joachim Hedén

Uloge: Moa Gammel, Madeleine Martin, Lena Hope, Olle Wirenhed, Trine Wiggen, Maja Söderström …


Prethodnih godina gledali smo mnoge filmove koji se odvijaju pod vodom, na moru, o preživljavanju... Itd. I možda deluje da ova istrošena tema filmova više nema šta da ponudi novo. Međutim, Breaking Surface dolazi u svom jedinstvenom obliku koji je pravo malo "remek delo" kada je reč o filmovima koji se dešavaju na vodi, u ovom slučaju ispod vode. Kad sam prvi put video ovaj film u prvi mah sam odma pomislio kako ću ga preskočiti, i kako je to još jedan od onih filmova koji nema šta da mi ponudi novo. Možda radnja filma i ne ide u nekom novom pravcu ili u smeru koji do sada jos nije viđen, ali način na koji je izveden svakako postavlja lestvicu na ovu temu. Dovoljno je reći da je ovaj Švedski film snimljen na lokaciji u Norveškoj, i to je odma nešto što privlači pažnju zbog svoje prirode. Breaking Surface se bavi temom preživljavanja, i odnosi se na dve polusestre Tuva (Madeleine Martin) i Ida (Moa Gammel), koje će iskusiti mračnu stranu prirode u najhladnijim vodama. No, to i nije sve, moraće pokazati sve svoje znanje u borbi sa vremenom, svoju inteligenciju, i snalažljivost kada sat krene da broji poslednje otkucaje između života i smrti.

Noćna mora počinje nekoliko dana nakon Božića, kada Ida i Tuva odluče da posete zabačeni deo na norveškom fjordu. Za njih je ronjenje više od sporta, to je deo porodične istorije, nešto što Tuvu neraskidivo povezuje sa majkom, ostavljajući Idu - koja je skoro ostavila sestru da se utopi kao dete - na hladnoći. Kao takva, ova mala avantura prilika je za njih da podele strast koja ih je često suprotstavljala jedna drugoj. Testirajući sopstvene granice, dve sestre zaista žele da budu bliske. Ali njihova vodena ekspedicija brzo se pretvara u noćnu moru kada odron kamenja ostavlja Tuvu zarobljenu pod vodom usred mraka i pretećih vodenih dubina. U ovom trenutku, film se pretvara u trku sa vremenom, pri čemu se Ida pretvara u neku vrstu junaka koji mora da izbavi svoju sestru. Spremna da učini sve što je potrebno kako ne bi ostavila sestru da se utopi (po drugi put). Hipertermija i katastrofalne posledice bezbrojnih zarona i brzih uspona stalni su rizik za Idu, baš kao što stalni nedostatak kiseonika ugrožava opstanak Tuve.


Odmah je jasno da reditelj i scenarista Joachim Hedén teži realističnijem prikazivanju ronjenja, povećavajući ulog i neizvesnost. Neispravna oprema, oštećeno odelo u ovako ledenim vodama i potencijal zavoja vrlo su autentični scenario sa kojima se ove žene mogu suočiti. Da bi se stvari odvijale velikom brzinom i vizuelno impresivno, manje iskusna Ida mora smisliti način da oslobodi svoju prikovanu sestru. U stvarnom trileru za preživljavanje, sve što može poći po zlu poći će naopako, ali inventivni scenariji se nikada ne osećaju besmisleno. Ida, inteligentna, ali emocionalno ranjiva žena, postaje plen panike i očaja. Donosi teške izbore koji imaju smisla, ali svaka nova greška oduzima dragoceno vreme. Uz Tuvu kao vodiča, sada je Ida primorana da ona preuzme odgovornost od koje zavisi sve. Norveško okruženje oduzima dah, dodajući bogatu proizvodnu vrednost. Možda još važnije, to unapređuje autentičnost ovog uznemirujućeg narativa. Prekrasna kinematografija Erica Borjesona za podvodne sekvence održava akciju kristalno čistom. Mirne dubine prikrivaju opasnosti, a to se dobro prenosi na ekran.

Iako prava akcija započinje kada dve polusestre Ida i Tuva zarone u ledene vode severa, film uzima vremena da prikaže ličnosti sva tri lika - sestara i njihove majke, sa kojima deli složenu vezu - tako da pomogne gledaocu da se identifikuje sa likovima, povećavajući tako osećaj užasa koji kasnije doživljavamo. Kao i svaki žanrovski film koji se poštuje, Breaking Surface drži gledaoce zalepljenim za ivicu svojih sedišta od početka pa do kraja, smišljajući genijalne situacije koje neprestano odlažu (pozitivan ili negativan) ishod drame. Pročišćen poput pejzaža koji nastanjuju njegove slike, film prisiljava svoje protagoniste da u potpunosti istraže svoje strahove (koje delimo na mučan način). U iskušenju da pobegnu iz ove noćne more koja izaziva bes, ali nesposobni da to učine, gledaoci su prisiljeni da se suoče sa sopstvenim strahovima. 

Približavajući se oko 90 minuta, Breaking Surface stvara neprekidni, neumoljivo intenzivan triler. Mršav je, jednostavan i usredsređen isključivo na komponentu preživljavanja, ali Idina porodična drama uopšte ne doprinosi priči. To je nepotreban način da se povećaju emocionalni ulozi i pojasni njen karakter. Breaking Surface-u ne treba ništa više osim ove dve sposobne sestre koje se bore da žive. Filmski stvaralac Hedén demonstrira da majci prirodi nisu potrebne ajkule ili vodene životinje da bi vas ubile; može vas nokautirati na nekoliko načina sa alarmantnom lakoćom.

Ovo je švedsko / norveška produkcija i tek četvrti igrani dugometražni film koji je napisao i režirao novoimenovani režiser Joachim Heden. To je napet i dobro izveden film koji prikazuje vrlo tačan prikaz opasnosti od ronjenja. Kinematografija je savršenstvo. Postavka Norveških ostrva Lofoten bila je spektakularna i oduzima dah. Podvodno snimanje bilo je ravnopravno sa velikim holivudskim hitovima. Ovo je osvežavajući film, s obzirom na to da ga je napisao novopečeni filmski stvaralac, ipak je bio mnogo bolji od nekih velikih budžetskih holivudskih neuspeha koje su sastavili sezonski filmski stvaraoci i koji izlaze u poslednje vreme. Rezultat je bio tačan i gluma je bila vrlo ubedljiva. Vreme izvođenja od 80 minuta bilo je tačno odmereno. Da su neke stvari bile još malo pooštrene, ovo bi bio savršen film. Činio se kao da je zasnovan na istinitim događajima, i izazivao je strepnju gledajući kako se drama odvija.

Budući da se radi o ronilačkom filmu, ne možete se ne zapitati šta na Zemlji tera nekoga da zaroni u tako hladnu  vodu? Međutim, kad jednom vidite ovaj podvodni svet, cela stvar izgleda mnogo logičnije. Možda nije originalan ili inovativan, ali sve dok rezultat nudi opresivno uzbuđenje? Direktor Joachim Heden zna kako da stvori nervozna raspoloženja u situacijama kada svi razumeju o čemu se radi, bez obzira da li ste ronilac ili ne. Breaking Surface nije tradicionalni horor film; nema natprirodnog stvorenja, ali užas ili ne, ostaviće vas na ivici sedišta. Snegom prekrivene planine sa zelenim šumama i pejzažom koji deluje tako divlje i neukroćeno uveliko su doprineli ovom nadmoćnom osećaju strahopoštovanja pred takvim prikazom moći i lepote. Dobra gluma u ​​glavnim ulogama znači da i vi osećate ljudski rizik na telu. To čini Breaking Surface efikasnim podvodnim trilerom, čak iako je zasnovan na dobro poznatim uzbuđenjima.

Na kraju, Breaking Surface se dobro držao tokom svojih skoro 90 minuta filma, iako već na samom startu filma osećamo i pretpostavljamo da bi nešto moglo da krene po zlu: ronjenje u gotovo smrznutim uslovima, ta hladna i surova vremenska prilika koja okružuje mesto, strmovite stene koje prete svakog sekunda da se sruše.. Ali kada film zauzme svoj napeti tempo, ne pušta ga do poslednjeg minuta. Oseća se ta nelagodnost, a mi ulažemo u ova dva lika i navijamo za njih, dok priroda odbija da se savije i popusti. Dostojan predstavnik fascinantnog sveta žanrovskih filmova, Breaking Surface pokazuje nam kako jedan "mali film" postaje - Veliki. Ne samo da dobija prolaznu ocenu, nego i zaslužuje apsolutnu preporuku kao jedna moguća "real story" priča, koja je sasvim moguća da se nekom dogodi.

OCENA: 7,5/10.

четвртак, 26. новембар 2020.

Monos (2019)

 

Režija: Alejandro Landes

Scenario: Alejandro Landes, Alexis Dos Santos 

Uloge: Julianne Nicholson, Moises Arias, Sofia Buenaventura, Deiby Rueda, Karen Quintero, Laura Castrillon, Julian Giraldo, Paul Cubides, Sneider Castro, Wilson Salazar, Jorge Roman 


Monos, reditelja Alejandra Landesa, mračan je, uznemirujući i vrlo zabavan film o izmišljenoj grupi dece vojnika. Glumačka ekipa je ispunjena prvenstveno debitantskim glumcima, osim Julianne Nicholson, koju možda prepoznajete po njenim malim ulogama u filmovima poput "I, Tonya (2017)" i "Black Mass". Kao i Moisesa Ariasa koji je mnogo radio na televiziji, pored toga što se pojavio u nekim dugometražnim filmovima kao što je "Ender's Game (2013)". Ovo uzbudljivo, impresionističko delo sugeriše da je rat nadrealna igra koja nema drugu svrhu osim preživljavanja. Slično tonu "Lord of the Flies (1990)", i ova priča se fokusira na grupu dece koja žive među sobom na zabačenom planinskom vrhu. Ali ovo nije letnji kamp. Ova deca žive u surovoj klimi, njihova komunikacija sa spoljnim svetom je minimalna, dobro su naoružani i imaju taoca.

Film Monos počinje visoko u kolumbijskim Andima, gde osmoro dece igra fudbal sa povezom na očima. Igra je dobrodušna i radosna, ali svaki osećaj nevinosti iz detinjstva je fasada i kratko traje. Ubrzo, mišićavi patuljak po imenu 'Glasnik' (Wilson Salazar) predvodi belu osmicu u treninzima vežbi u kojima rukuju mitraljezima. Ova deca vojnici drže zatočenu amerikanku za taoca Saru Watson (Julianne Nicholson) za neviđenu pobunjeničku grupu pod nazivom samo kao „Organizacija“ i dobijaju sekundarni zadatak da čuvaju kravu zvanu Shakira. Ova grupa mladih vojnika se služe samo kodnim imenima, poput Štrumpfa, Boom Booma, Ramba... Ali oni su takođe samo deca - napaljena, zbunjena, zadužena za teške odgovornosti sa kojima nisu ni približno toliko emocionalno zrela da se nose.

Film stvara čitav društveni ekosistem oko ove dece vojnika, brzo postavljajući njihove odnose i rutine. Koliko god bili radikalizovani, koliko god unazad bili socijalizovani svojom izolacijom i nasiljem svojih okolnosti, oni su i dalje tinejdžeri. Oni imaju svoje drame, svoje proždrljive simpatije i nezadovoljstva. Žive blizu stvarne provalije, u kamenom bunkeru uklesanom na vrh planine i okruženi oblacima - njihovim skromnim zamkom na nebu. Danju izvode vežbe za vojnu obuku, ali i samo se zezaju, jedu pečurke, noću plešu i vrište prema nebu koje gotovo mogu "dodirnuti". Oni su negde u Latinskoj Americi, možda Kolumbiji, mada gde tačno nikad nije određeno. Za sve namere i svrhe, ovo maglovito, izolovano kraljevstvo na nadmorskoj visini je "Neverland". Ali u blizini nema Petra Pana koji bi im život ispunio smislom ili magijom.

Landesov film nam pokazuje odlučnost dece vojnika, ali nam ne govori ništa o regrutovanju te dece, njihovom poreklu, šta je tačno „Organizacija“. Nakon prikazivanja na Londonskom filmskom festivalu, na kojem je osvojio "Najbolji film", Landes je opisao kako je tokom istraživanja upoznao Wilsona Salazara, muškarca patuljastog izgleda koji je postao dete vojnik kada je imao 11 godina. Salazar je prvobitno angažovan kao vojni konsultant ali je na kraju igrao 'Glasnika' i trenirao glumačku postavu u gerilskom ratu između glumačkih vežbi. Landes je takođe opisao intenzivno i iscrpljujuće snimanje koje ih je odvelo sa 4.300 metara visokih planina do kišovitih džungla. Hrana je bila racionirana, nije bilo tekuće vode, a i samog Landesa u jednom trenutku trebalo je odvesti do obližnjeg medicinskog centra, rizikujući celo snimanje. Uprkos svemu ovome, krajnji rezultat je majstorski izveden trijumf; kinematografsko iskustvo koje napada čula na najupečatljiviji način. 

Talentovani mladi filmski stvaralac ima svoj prepoznatljiv i uzbudljivo kinematografski stil, stvarajući film koji je neprestano živ sa iznenađujućim slikama i napetim postavkama. Širokoekranska fotografija Jaspera Wolfa uživa u blistavim slikama ovog pustog mesta, ali takođe voli da priđe izbliza radi ekstremnih planova rosne trave, mahovine i blata koje prekrivaju stenovite izbočine, kao i lica divljih očiju, mladog glumačkog kadra. Posle neprijateljskog napada na uporište odreda, akcija se premešta u zelenu prašumu koja je zarobljena sličnom košmarnom lepotom. Karakteristikama filma dodaje se tipično začaravajući rezultat Mice Levi, koji se modulira od svetlucavih aranžmana vetra i naučno-fantastičnih zvukova do gromoglasnih bespilotnih letelica.

Uprkos njihovoj rigoroznoj obuci, disciplina u ovoj maloletničkoj "organizaciji" ne dolazi prirodno. Tulumarenje, nasilno igranje, neodgovorna upotreba poluautomatskog oružja i seksualne veze više su njihova brzina, i kao što biste očekivali, sve ih to dovodi u gomilu nevolja. Kada je njihov vođa odsutan, tinejdžerska grupa mora da pripazi na američkog taoca koju nazivaju „Doctora“ (Julianne Nicholson). Tinejdžeri su usijane glave. Niko nije siguran od njihovih metaka (čak ni sami tinejdžeri). A kada se oni premeste u džunglu sa svojim taocem kojeg drže zarobljenog, planovi za beg se izmišljaju i stvari postaju gadne. Unutar redova ove male grupe adolescenata vodi se borba za moć i nedugo zatim dolazi do sveopšteg rata.

Landes kaže da je želeo da snimi film o ratu, vrstama gerile, ratovima u senci koji se igraju decenijama. Njegov film je filozofski i fizički okupiran nasiljem i sukobima, ali na intimnoj, ljudskoj skali, simbolično prikazan u svakoj Monosovoj sudbini. Da li će na kraju neko postati žrtva ili pobednik? Može li neko da se isključi i kakve su posledice? Ova pitanja ključaju u ovom divljem, anarhičnom filmu, koji rastura civilizaciju po šavovima da bi ispitao neuredan mrak iznutra. Landesov film se oseća izrazito, krajnje južnoamerički, snimajući jedinstveni pejzaž maglovitih planina i vlažnih džungla, svaki brutalno kažnjavajući koliko i lep.

Napetim kombinovanjem žanrova ratnog filma i trilera, Monos nudi uznemirujuću i halucinatornu viziju haosa i apsurda rata iz jedinstvene perspektive adolescenata, zbog čega ga mnogi kritičari upoređuju sa Apocalypse Now (1979), kao i sa mnogim drugim naslovima. Međutim, Monos ipak stoji kao samostaln i potpuno svoj. Landes nam nudi vrlo malo konteksta o okolnom sukobu i uglavnom izbegava sveobuhvatni nagon zapleta, umesto toga začinjava narativ neočekivanim preseljenjima i preokretima uloga. Ovo je jedno od najuzbudljivijih festivalskih otkrića - napeto, duboko zaronjenje u iskvarenu nevinost koja nikada ne ide tamo gde mislite da hoće. Film je premijerno prikazan na Sundance-u i kolumbijski je bio kandidat za Oscara. Film je takođe predstavljao zemlju na španskim nagradama Goya. 

Postoji mnogo toga što ne znamo i nikada ne saznajemo o stvarnom monosu - ovoj izmišljenoj grupi dece gerilskih boraca. Ko su oni, zašto su tamo, šta im je cilj? Ne znamo i nikad ne saznamo. Ono što znamo je da su kampovali na planinskim terenima u državi pod eskulumom Kolumbije, primajući naređenja vojne grupe pod nazivom „Organizacija“. Sa američkim taocem u rukama, inženjerku koju odvlače zbog povremenih prilika za štampu. Sledi napeta, trzava priča o deci koja su podivljala. Kada stvari počnu da se raspetljavaju i kada se grupi naredi da se preseli u džunglu, uzimajući taoca sa sobom, naprezanje vojnog života počinje da se primećuje na svakog člana - kazne postaju oštrije, odnosi pucaju i talac postaje sve očajniji u svojoj odluci da pobegne. Džungla kao zapanjujuća, ali smrtonosna kulisa istaknuta je kroz impresivne poglede na krošnje, a tokom filma ovi filmski planovi vredni plakata razbijaju opštu prgavost.

Monos je vrlo dobro izveden triler koji održava konstantnu napetost dok se publika pita ko će sledeći puknuti, prelazeći sa jednog lica širokih očiju, poprskanih blatom na drugo. Nezadovoljavajući kraj odgovara nezadovoljavajućem nedostatku bilo kog konteksta - mnogo toga je prepušteno mašti, što nije loše. Predstave uglavnom nepoznatih glumaca su odlične. Julianne Nicholson glumi taoca kao samouverena odrasla osoba, koja se iz relativno mirne, pretvara u prestrašenu i očajnu, dok mladi glumci napadaju svoje likove kombinacijom uznemirujuće brutalnosti odraslih.  

Inspirisan nevoljama svoje rodne Kolumbije, Alejandro Landes donosi ratni film kao nijedan drugi. Potpuno svoj, i sasvim neobičan. Monos je pun neurednog, čudnog života, to se mora videti i osećati. Prirodno je jednostavan i nedostaje mu snažno, određeno političko značenje ili poruka, ali je potpuno isto senzacionalno, upečatljivo umetničko delo. Producent Cristina Landes pomaže reditelju Alejandru Landesu da na ekran iznese grozne vizije ljubavi, rata, mržnje i očaja. Monos se završava pitanjem koje izaziva razmišljanje, možda i bez odgovora.

OCENA: 8/10.

среда, 25. новембар 2020.

Oaza / Oasis (2020)

 


Režija: Ivan Ikić

Scenario: Ivan Ikić

Uloge: Marijana Novakov, Tijana Marković, Valentino Zenuni, Maruša Majer, Goran Bogdan


Možemo li da iz relativnog komfora naših stanova i kuća, zamislimo jedan drugačiji svet od našeg? U kojem su ljudi, pre svega deca, željni svega: ljubavi, slobode, prihvatanja, pa čak i roditeljske pažnje? Iako u takav svet nemamo često prilike da uđemo, oni u njemu žive svakodnevno i to nama ispred nosa. Da li na te ljude često zaboravimo svesno ili nesvesno? Možda ne možemo da pomognemo, ali ono što možemo je da ih sve prihvatimo raširenih ruku i otvorenog srca takve kakvi jesu. Naš jedan domaći autor se potrudio da nam taj svet prikaže na autentičan, ljubavni, filmski način.

Dugometražni igrani film "Oaza", reditelja Ivana Ikića (prethodno delo „Varvari“ 2014), osvojio je nagradu za Najbolji evropski film u sekciji "Dani autora" na festivalu u Veneciji, kao i Zlatna Kolica na Zagreb Film Festivalu, te je svoju dominaciju nastavio i na drugim festivalima. U Srbiji je premijerno prikazan ove godine na 49. FEST-u, na kojem je dobio nagradu za najbolji film u glavnom takmičarskom programu. Radi se zaista o jednom neverovatnom i nesvakidašnjem filmu koji nas vodi u Dom za mlade s posebnim potrebama, koji se nalazi u Srbiji. Ovo je drugi srpski film koji je tokom 2020. godine imao svoju premijeru na jednom festivalu A kategorije. Prvi je film "Otac", reditelja Srdana Golubovića, koji je u februaru prikazan u Berlinu. 

Ikićeva "Oaza" je nežan i duboko potresan pogled na život i ljubav grupe mladih ljudi s posebnim potrebama. Upoznaćemo se s možda i najneobičnijim ljubavnim trouglom koji smo do sada imali priliku videti u svetu filma. Odluka da se uloge povere stvarnim korisnicima Doma, daje ovom filmu neverovatan nivo autentičnosti i upečatljivosti. Reditelj svoje glumce, uglavnom neprofesionalce, tretira s velikom pažnjom i velikim poštovanjem, a oni mu uzvraćaju izuzetno snažnom i prirodnom izvedbom. U filmu "Oaza" glume mladi ljudi koji su prošli kroz višegodišnji proces kastinga, učili da glume i spremali svoje uloge, a Ikić uspeva u svojoj nameri da gledalac čitavu priču sagleda iz perspektive protagonista filma. Oni, međutim, ne glume sebe, već fiktivne, veoma kompleksne likove. Pored mladih osoba, u filmu igraju još i slovenačka glumica Maruša Majer, miljenik regionalne publike Goran Bogdan i sjajna Draginja Voganjac. Scenario, koji takođe potpisuje Ikić, gotovo savršeno je strukturiran, a kinematografija Miloša Jaćimovića pruža predivne, upečatljive prizore, doduše ponekad i bolne.

Radnja filma, podeljena u tri čina, vodi nas u „drugi svet“ i pratimo troje mladih ljudi u Domu za decu s posebnim potrebama. Tinejdžeri Marija, Robert i Dragana su glavni junaci koji doslovno briljiraju pred kamerom, stvarajući ljubavni trougao u Domu koji je za njih svojevrsna Oaza u odnosu na surov spoljni svet, najčešće nemilosrdan prema slabijima. Potpuno ogoljeno, bez mnogo reči i dijaloga, više vizuelnom ekspresijom i gestikulacijom duboko su dočarana unutrašnja stanja nesrećnih duša, njihova muka, teskoba, glad za ljubavlju, kao i patnja za porodicom. Ikić film otvara dokumentarnim prologom s kraja šezdesetih godina prošlog veka kako bi nas kratko upoznao s pričom o osnivanju Doma još za vreme Jugoslavije, a zatim polako upoznajemo likove. 

Prva od njih je tinejdžerka Marija (Marijana Novakov), nova štićenica koja dolazi u Dom u pratnji hladne i stroge vaspitačice (Maruša Majer), gde se brzo sprijateljuje s temperamentnom Draganom (Tijana Marković). Odmah nam je jasno da je Marija po prirodi buntovna, ali i da to ne „leži“ najbolje vaspitačici koja na nju gleda s određenom antipatijom, međutim, možemo i moramo razumeti zašto je to tako: ona se mora brinuti o većem broju štićenika, pa stoga mora uspostaviti neku vrstu discipline. S druge strane, Dragana živi u svom svetu mašte u kojem je ona zvezda, zavodnica i buduća majka. No, kada se obe devojke zaljube u povučenog i ćutljivog Roberta (Valentino Zenuni), među njima počinje opasna igra nadmetanja. Prvo dolazi do obostrane privlačnosti između Marije i Roberta. Njih dvoje počinju da provode neko vreme zajedno i čini se da uživaju u međusobnom društvu, ne govore mnogo, Robert uopšte ne govori, ali vidimo da prijaju jedno drugom. To ,međutim, dovodi do problema i stvari se komplikuju, Dragana je ljubomorna i fizički napada Mariju, čime se završava prvi čin posvećen Mariji. Naredna dva čina posvećena su Dragani i Robertu i njenoj reakciji na sled događaja, kao i njegovim težnjama da se izvuče iz situacije u koju je polu-nesvesno upao. Osuđeni na izolaciju od društva i život striktnih pravila, troje tinejdžera pod snažnim naletom novih emocija će svojim impulsivnim postupcima uneti nered u krhki mir Doma. Nijedna neodstupa od cilja da bude s Robertom, i svaka na svoj način pokušava da osvoji njegovo srce. U međuvremenu, vaspitačica i njen kolega (Goran Bogdan) čine sve što je u njihovoj moći kako bi rasturili ljubavni trougao, ali pitanje je koliko je ideja „spajanja“ Roberta s novom štićenicom Brankicom dobra ideja.

Romantika je za ove mlade ljude drama. Ikićev film zasnovan je na izuzetno jakom konceptu. Ikić pazi da ne izneveri poverenje koje ima od svojih neprofesionalnih glumaca i vrlo vešto vodi priču, ljušteći sloj po sloj. Takođe, reditelj gradi odnos s publikom, računa na gledaoca i na njegovu sposobnost da dopuni prazan prostor. Svaki snimak bogat je privlačnim detaljima, dok Ikić omogućava osetljivom i preciznom dizajnu zvuka Ranka Paukovića da pojača osećaj izolacije u ovom hermetički zatvorenom malom svetu. Predstave glumaca, koji ovde igraju svoje prve uloge i nagrađeni su „Nagradom za izuzetnu individualnu predstavu“ na filmskom festivalu u Cottbusu, oživljavaju likove na vrlo realan način. Posebno se ističe Marijana Novakov, koja pokazuje svoj talenat. Njihovi domari, koje igraju (jedini) profesionalni glumci Maruša Majer i Goran Bogdan koji dele kadar s mladim kolegama naturščicima, ubedljivo signaliziraju ljubav i strpljenje koje imaju prema "svojoj" deci, ali i frustraciju. Sve to stvara film koji odiše poštovanjem, razumevanjem i ljubavlju. Snimljeno kamerom između dokumentarizma i fikcije, "Oaza" stvara briljantnu fuziju između dva filmska roda, dokumentarnog i igranog. Rezultat svega toga je emocionalno nabijen film, inteligentno konstruisan, vešto izveden i maksimalno potresan bez osećaja manipulacije.

Ikićev debitantski film "Varvari" iz 2014. godine, koji je takođe bio tinejdžerska drama, obišao je brojne festivale, osvojivši nagradu East Of West na festivalu u Karlovim Varima, a njegov nastavak rada ne samo da sledi istu putanju, već je sa "Oazom" napravio neverovatno veliki uspeh, kako na domaćim terenima, tako i šire. Ovde odlazi još nekoliko koraka dalje kada je reč o zahtevnosti materijala i pristupa, a publika dobija jedno potpuno drugačije filmsko delo. Iako u ovakvim situacijama uvek postoji opasnost da bi cela priča mogla skliznuti ili u eksploatacijske vode ili pak odluta u preteranu melodramatičnost, sve se to u "Oazi" uspelo izbeći. Ovo je zaista jedna od najstvarnijih, najživotnijih, najemotivnijih i najempatičnijh filmskih priča, koja postaje još dragocenija kada znamo da ona dolazi iz naše zemlje.

Kada je situacija s pandemijom prošle godine bila kritična, Domovi, poput onog u kojem je snimana "Oaza", potpuno su bili zatvoreni i to prilično dugo. Štićenici doma i Ikićevi glumci ne samo da nisu mogli da putuju, primera radi na premijeru u Veneciju, što bi im sigurno puno značilo da prvi put u životu dožive jedno takvo iskustvo, već nisu mogli ni iz doma da izađu. Ono što takođe vredi reći, to je da ovakav film nikada ne bi mogao biti snimljen da Ikić u domu u Sremčici, gde je film sniman i u kome žive Ikićevi filmski junaci, nije naišao na širom otvorena vrata i toplu dobrodošlicu. Tamo se Ikić, pak, našao slučajno dok je radio na dokumentarnom filmu, pa je došao na ideju da snimi "Oazu" s neprofesionalnim glumcima, odnosno sa stvarnim korisnicima Doma. Međutim, pitanje je koji još autor bi kod nas, pa i šire, imao hrabrosti da se upusti i da se uhvati ukoštac sa ovako osetljivom temom, jer u koliko autor kod snimanja ovakvih filmova ne bude dovoljno pažljiv, sve to lako može da završi kao nepoštovanje. Ikić se vešto prihvatio takvog posla, a na filmu je radio gotovo četiri godine. Sve se uklapa, ništa ne štrči i nema jeftinog pokušaja da se dobiju poeni na »velikim životnim istinama«. Ipak, vredi reći da je ovo film nešto dužeg trajanja, sa dosta tišine i dugih kadrova, pa uz to ide obično i drugačija publika, ona koja će biti spremna prihvatiti takav način rada. 

Kada se svede račun na kraju, "Oaza" je zasigurno delo snažnog autora koji ima osećaja i znanje za vrlo zahtevnu priču, koja se na prvi pogled možda čini kao jednostavna. Dodamo li tome da je Ikićev film stigao u najnezgodnijem mogućem trenutku, kada je pandemija počela da hara, te da je uprkos tome "Oaza" pronašla svoj festivalski put, jasno je da je Ikić uspeo na svim frontovima. Ipak, „heroji“ filma su glumci, odnosno naturščici koji veruju u njega i vode gledaoce na jedno osetljivo i drugačije mesto. Ne samo da je ovo pažljivo urađen film, već je i jedan od onih koji će vam ostati u sećanju. A tek će na bioskopskom platnu zasijati u punom svetlu. Film "Oaza" je pre svega jedan pogled u svet koji nemamo često prilike da vidimo ili čak uopšte nemamo prilike da vidimo. U nešto malo više od dva sata, film zahteva strpljenje, jer krajnji cilj nije da zabavi, već da probudi empatiju. Ostvarenje Ivana Ikića je sirov, surov i realan prikaz jednog drugačijeg sveta koji nam je inače skriven, za koji je potrebno mnogo ljubavi, brige i razumevanja. I baš zato Ikić daje jednu takvu sliku, stavljajući u prvi plan grupu autsajdera za koje znamo da žive drugačije i za njih moramo da navijamo. Ipak, jedna stvar ostaje svima nama zajednička: ljubav je ljubav i ljubavni problemi su uglavnom uvek i svuda isti.

Ocena: 8,5/10.

уторак, 24. новембар 2020.

For Sama (2019)

 

Directors: Waad Al-Kateab, Edward Watts

Stars: Waad Al-Kateab, Hamza Al-Khateab, Sama Al-Khateab


Intimno i epsko putovanje u žensko iskustvo rata. Priča o životu Waad Al-Kateaba kroz pet godina pobune u Alepu, u Siriji, dok se zaljubljuje, udaje i rađa Sama, sve dok oko nje raste sukob. Dokumentarac iz perspektive jedne žene koja se nalazi u prvim redovima borbe u Alepu je najkraći opis filma For Sama. Žena je nagrađivana novinarka Waad Al-Kateab, a Sama njena ćerka, rođena u sred horora ratom zahvaćene Sirije. Film je, što se iz premise može zaključiti, izuzetno nasilan i na momente težak za gledanje, jer u prvi plan stavlja decu koja su odrasla u kakofoniji ratnih zvukova na koju gotovo više da ne reaguju, čije prve reči nisu mama ili tata, koja se igraju u ruševinama svog nekadašnjeg grada i čiji su prijatelji ili mrtvi ili davno otišli. Waad Al-Kateab nije otišla. Naprotiv. Njena odluka da ostane u Alepu, da putem hitnog carskog reza rodi Samu dok oko njih padaju bombe, da sve to snimi i nastavi odgajati svoju ćerku tu, je osnovna tema filma. Filma, koji je podigao lestvicu kada su u pitanju ratni dokumentarci. Uokvireno kao majčino pismo svojoj mladoj ćerki i otvaranje snimcima vazdušnog napada kakav je doživeo unutar ciljne zone, izuzetni For Sama od samog početka nas baca u gustu stvar.

Sirijski građanski rat možda je najveća ljudska kriza našeg doba, i bez kraja na vidiku, poslednjih nekoliko godina dokumenti sa temom Sirije preplavljuju festivalski krug, i ispravno je što ga dokumentaristi ne žele pustiti da se odmori. Ovo nije film koji izbegava eksplicitne slike ljudskog pokolja, uključujući i decu žrtve. Al-Kateab upoznaje i zaljubljuje se u Hamzu, predanog studenta medicine; dok drugi beže iz zemlje kada se kriza pretvori u sveobuhvatni rat, ona i Hamza odlučuju da ostanu, podržavajući otkačenu dobrovoljačku bolnicu osnovanu za lečenje ranjenih. Čak i u svojim hodnicima zapljusnutim krvlju, kamera Al-Kateaba ne odstupa od scena akutne patnje i, povremeno, transcendentnog spasavanja: u jedinstvenoj najneverovatnijoj sceni filma, naizgled mrtvorođena beba teško ranjene majke, isporučena hitnom pomoći, čudesno se vraća u život. U istom izbezumljenom okruženju, Al-Kateab će na kraju roditi Sama 2016. godine, u poslednjim mesecima hrabrog otpora izgnanstvu.

Od samog početka vidimo lične dileme Al Kataeba isprepletene sa političkim nemirima oko nje. Film započinje njenim pevanjem uspavanke svojoj novorođenoj ćerki. Nekoliko trenutaka kasnije, vidimo je kako mahnito trči usred haosa kroz bombardovanu bolnicu, dozivajući Sama. Taj strah od Samine sigurnosti aktualizira se mnogo puta dok se prolazi kroz film. Nevolje Al Kataeba prenose se kada u prvih nekoliko minuta filma kaže Sami: "Ti si najlepša stvar u našem životu. Ali u kakav sam te život uvela. Nisi izabrala ovo. Da li ćeš mi ikad oprostiti?" Smatra se da toliko voli svoj narod i svoju zemlju da oseća da bi jednostavno bežanje od te stvari (čak i da bi spasila ćerku) bilo sebično. Ovaj film je njena prilika da ostatku sveta prikaže šta se dešava u Siriji, u svoj svojoj brutalnoj iskrenosti. Ali tim više, njena hrabrost, nesebičnost, potraga za istinom i nesalomiva nada u revoluciju pokazuju zapanjujuće lepu i zastrašujuću istinu života i smrti.

Još jedan zanimljiv aspekt filma je taj što omogućava gledaocima da zarone dublje u višestruke slojeve sukoba stavljajući decu u središte. Bilo kroz Samine oči ili kroz malu decu koja su izgubila svoje voljene, film izvanredno pokazuje kako deca sve više postaju kolateralna šteta u ovom sukobu. Waad snima i priznaje borbe sirijskih žena dok se kreću kroz ratnu stvarnost. Ona sjajno beleži osnovne složenosti koje oblikuju život ovih žena i kontekstualizuje njena lična iskustva u široj debati oko revolucija i otpora. Kroz svoju kameru daje živopisnu sliku o tome kako su ona i mnoge druge žene poput nje morale da se uklope u nove uloge i pomire se sa stvarima gubitka i povremenim vetrovima nade koji prolaze. Kateab nije tek zabeležila strahote života u gradu u kojem je nasilna smrt postala uobičajena, a vazdušni napadi doneli su raširena razaranja i strah, ali i svoju cvetajuću romansu sa mladim lekarom Hamzom; njihovo venčanje, prijatan dom u kojem su se nadali da će zajedno graditi život, uprkos sukobu; njeno oduševljenje saznanjem da je trudna sa njihovim prvim detetom Samom i njihovim toplim interakcijama sa prijateljima i saradnicima.

Na filmskom festivalu u Kanu bilo je teško pronaći delo koje je emocionalno poražavajuće i depresivno pravovremeno od For Sama. Izgrađen na osnovu snimaka koji su u potpunosti izvučeni iz izvanredne arhive koju je Kateab snimila u Alepu tokom pet burnih godina, film donosi sramotni sukob u Siriji i otpornost i patnju svog naroda na ekran sa neverovatnom snagom. To je i izveštaj o ljudima koji su tamo ostali u zastrašujućim uslovima - često majkama, suprugama i deci. To je priča o političkom pokretu koji je prevladala gruba sila, to je priča o punoletstvu - Waad nije imala pojma kako da snima filmove kada je započela i na kraju šetala najprestižnijim svetskim crvenim tepisima. I pre svega, to je ljubavna priča. Nju su privukli herojski napori bolnica u Alepu, lečeći ranjenike uprkos ubrzanom smanjivanju resursa. A činilo se da je najjunačkiji lekar bio Hamza al-Kateab. I ne grešite, ono što se dogodilo u Alepu bili su ratni zločini - čini se da su vladine snage namerno gađale bolnice. Pa zašto Waad i Hamsa al-Kateab nisu ranije izašli? To je pitanje koje Waad postavlja za Sama, bez ikakvog zadovoljavajućeg odgovora, samo - "to je bila ispravna stvar". Kada Waad rodi ćerku - "Sama" koji je snimljen i nazvan po ovom filmu - to je ne usporava.

Hamza je preuzeo brigu o bolnici sa nedostatkom osoblja koja brine o civilnim žrtvama, kao i o pobunjenim vojnicima. Uslovi su užasno mračni, a žrtve se neprestano pogoršavaju, lekari i medicinske sestre su herojski, rade danonoćno u nemogućim uslovima. Dok je njena kamera nepokolebljiva i nezaustavljiva kao i lekari i rat. I kad se čini da gore ne može biti, Rusi počinju da bombarduju bolnice. Tada postaje ponekad nepodnošljivo za gledanje. Neverovatne stvari koje je ona u stanju da uhvati su specifični trenuci humanosti i drugarstva među bolničkim osobljem tokom nekoliko mirnih trenutaka. Njena ćerka Sama svima njima donosi mesto radosti i normalnosti. Beba je toliko nevina i izuzetno otporna koliko je premlada da bi shvatila šta se dešava. Izgleda da ona deluje smirujuće na odrasle. Neustrašivost Waada dok nastavlja sa izveštavanjem potkrepljena je glasom koji prati filmske snimke pokolja i uništenja. Njene reči su oblik izvinjenja Sami zbog uvođenja u ovaj stravični milje dok pokušava da objasni okolnosti i opravda svoje izbore. 

Naoružani samo Waadovim ručnim fotoaparatom i Hamzinim hirurškim znanjem (ali oboje nadahnutom hrabrošću), supružnici čine sve da spasu živote uz ograničena sredstva. Ipak, iza krvoprolića, For Sama se predstavlja kao ljubavna priča na mnogim nivoima; jedna od ljubavi Waada i Hamze jedni prema drugima, takođe ljubav saosećanja prema gradu Aleppo, ali na kraju, kao što naslov govori, ovaj film je Waadovo ljubavno pismo njenoj ćerki Sami. Film mudro izbegava da previše zaglibi u ratnu politiku, već, usredsređujući pažnju na nevolje nedužnih civila na nivou zemlje, posebno dece koja su zahvaćena bombardovanjem. Jedna srceparajuća scena u kojoj dva mlada dečaka tiho plaču nad telom svog brata, žrtve još jedne bombe, posebno je teška za želudac. Takve scene, mučne kakve jesu, neophodne su i služe za fokusiranje humanističkih zabrinutosti filma, kao i iskristalisanje Waadovog i Hamzinog ličnog moralnog naloga da ostanu i spasu živote, a ne da beže. Nikada ne gubeći iz vida filmski medij, Waad i njen ko-režiser Edward Watts izdefinisali su više od 500 sati ručnih snimaka i utkali ih u snažni komad bioskopa. Rezultat je duboko intiman, a užasno potresan film - moćan dokument ljubavi i nepravde koji prelazi kroz niz emocija.

Da je reč o izveštaju o vestima ili postu koji se proširio na društvenim mrežama, For Sama bi sadržao upozorenje o pokretaču, jedno od onih koje će gledaocu dati do znanja: osetljiv sadržaj ispred; možda nije pogodan za svu publiku. Zapravo, film poput For Sama trebalo bi da vidi što više ljudi, ljudi sa slomljenim srcima i savešću koja traži bolje za naše kolektivno čovečanstvo. Možda će tada, kada Sama odraste da se osvrne na film koji joj je majka snimila, biti zbunjena kao i svi u vezi s tim kako su se takve stvari mogle ikada dogoditi.

Režija, aktivista, Waad Al-Kateab, poziva nas u stomak jedne određene zveri, njenog prvog izveštaja o životu u ratom razorenom Alepu u Siriji tokom jeka građanskog rata te zemlje (koji je, vredi napomenuti, i dalje nastavlja se i danas). Okolnosti i događaji koji su doveli do rata isuviše su složeni da bi se u filmskoj recenziji mogli prepričati. Dovoljno je reći da su se oni koji su posvećeni demokratiji, ljudskim pravima i slobodi (Waad i njena zajednica među njima) suočili sa zaista nezamislivom odlukom: ostati u gradu koji nazivaju domom - gradu u kojem su odrasli, stekli obrazovanje, sanjali o budućnost - i boriti se za ono u šta veruju ili napustiti sve ono što vole. For Sama važi za jedan od najboljih dokumentarnih filmova proteklih godina.

OCENA: 10/10.

понедељак, 23. новембар 2020.

Call Me by Your Name (2017)

 

Režija: Luca Guadagnino

Scenario:  James Ivory, André Aciman

Glavne uloge: Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel …


U najpoznatijim naslovima Luce Guadagnina, "I Am Love" i "A Bigger Splash" predstavljeni su prelepi ljudi besprekornog ukusa koji intenzivno proživljavaju visokograđanski život. Strast i drama potkrepljuju te živote, ali ono što je najupečatljivije u ovim filmovima je njihov izvanredan opipljiv kvalitet. U radu Guadagnina, strast i drama izraženi su rečima, delima i nabrijanom muzikom, ali i živahnim, visceralnim teksturama koje obavijaju njegove likove - hladnim mermerom, sočnim voćem, senkom i svetlošću, sjajem znoja. Film Guadagnina, Call Me by Your Name, još je jedna izvrsna priča u nizu, mada ovog puta postoji snažna pripovest koja vezuje sva uzburkana osećanja i čulne površine. Kao i roman Andrea Acimana iz 2007. godine na kome je zasnovan, priča se okreće aferi između Elioa Perlmana (Timothee Chalamet), 17-godišnji Amerikanac-Italijan, i Olivera (Armie Hammer), Amerikanca u dvadesetim godinama. Elio živi sa ocem (strahoviti Michael Stuhlbarg) i majkom (Amira Casar) u vili na severu Italije. Svakog leta otac, profesor grčko-rimske kulture, poziva učenika da radi sa njim i ostane sa porodicom; ove godine se useljava Oliver. Ovaj film o sazrevanju i prvoj ljubavi treći je deo Guadagninove svojevrsne trilogije o čežnji i požudi, dok je scenario napisao legendarni scenarista i reditelj James Ivory, poznat po nagrađivanim adaptacijama brojnih književnih klasika. Film je premijerno prikazan na filmskom festivalu u Sundance-u.

17-godišnji Elio provodi leto veoma opušteno sa svojim roditeljima u jednom italijanskom selu. Uzbuđenje dolazi u obliku visokog, preplanulog američkog pomoćnika istraživača Olivera koji je došao u zemlju raditi s Eliovim profesorom i ocem. U početku, Elio oprezno pozdravlja pridošlicu. Iako izmišlja sve više razloga kako bi provodio vreme s Oliverom, Elio ga ismejava, kao dete obrazovanih akademika, i njegov američki naglasak. Njihovi verbalni sukobi počinju poprimati erotsku notu, te nakon što konačno konzumiraju svoj flert – prvim poljupcem koji je istovremeno razigran – nemoguće ih je razdvojiti. Iako će kraj Oliverovog boravka u Italiji poremetiti njihov odnos, ovo je Eliova prva ljubav i, iako je njihova afera možda kratka, ono što je zatitralo u Eliovom srcu i mislima, ostat će tamo zauvek.

Mislim da se dve stvari ističu u ovom zaista zabavnom i važnom filmu. Prvo, romansa između Elia (Timothee Chalamet) i Olivera (Armie Hammer) bila je jedna od najsretnijih i najlepših veza koje sam ikada video na ekranu. Drugo, ne sećam se da sam ikada ranije video romansu poput ove u filmu velikog izdanja (a to samo po sebi, s obzirom na popularnost filma, pokazuje neizmeran napredak tokom poslednjih nekoliko decenija). Film je toliko istinitog tona i toliko "stvaran" u okruženju i senzibilitetu da biste pomislili da je izrastao iz prirode. Sa scenarijem ni manje ni više nego Jamesom Ivory-jem izvučenim iz romana Andrea Acimana iz 2007. godine, to je višejezična priča o punoletstvu.

Elio je očigledno biseksualac ​​i istovremeno pokušava da se suoči sa sopstvenom eksplozivnom seksualnošću i seksualnom željom. Dok je Oliver, očigledno zatvoren i sukobljen, živi dvostruki život u kojem većinu vremena glumi ravnog čoveka prema svojoj unutrašnjoj istini. Svako malo, kad ne gledaju svi, vidite ko je zapravo Oliver. Za svaku digresiju u napretku njihovog udvaranja dolazi do napretka u napetosti. Elio izjavljuje roditeljima da smatra Oliverovo samopouzdanje grubim, ali u stvari, on mu zavidi na tom samopouzdanju. Ipak, njihova veza uskoro prelazi u rasprave ispunjene seksualnom iskrenošću, intimnošću i radoznalošću. 

Neki od najdubljih uvida koje saznajemo o sebi potiču iz naših ljubavnih iskustava i kroz njih otkrivajući zašto nas drugi vole. Čini se da se naša ograničenja i nesigurnost iskristališu pred ljubavnikom, ali onda to čine i naše snage i samopouzdanje. Kako učimo da volimo sebe, postajemo bolji za ljude oko sebe. Naslov Call Me by Your Name beleži svaki poriv, seksualnu žurbu i senzaciju između njih dvoje, ali i svaku komplikovanu emociju. James Ivory je adaptirao materijal, napisavši svoj prvi scenario nakon više od jedne decenije, a on nosi mnogo zajedničkog sa Mauriceom, adaptacijom romana E.M.Forstera iz 1987. godine, koji je Ivory napisao zajedno i režirao. Oboje su inteligentni i bolni filmovi o homoseksualnoj romansi, osim tamo gde je Ivory-jev film usvojio uobičajenu uzdržanost, reditelj Luca Guadagnino posuđuje Call Me by Your Name senzualnom okruženju i zavodljivoj priči sa više spoljne humanosti i osećaja.

Na periferiji, Elio istražuje svoju seksualnost sa francuskom studentkinjom po imenu Marzia (Esther Garrel), mladom ženom koju poznaje ceo život. Ali njegova neposredna blizina Oliveru ima obavezno letnje prijateljstvo koje se iz uzdržanih interakcija razvilo u nešto više. Radnja 1983. godine, je period u kojem je homoseksualnost bila još više stigmatizovana i marginalna nego danas. Jednostavno objavljivanje privlačnosti prema drugom čoveku bilo je društveno neprihvatljivo u pogrešnim krugovima. Ono što se dalje nastavlja, je serija koketiranja na vodi, koja započinje vezom oko njihovog zajedničkog intelekta i jevrejstva. Oliver pronalazi razloge da dodirne Elio-a, a Elio odgovara pokazujući svoj izvanredni talenat na klaviru. Delivši kupatilo, Oliver i Elio ostavljaju vrata odškrinuta kako bi krali kratke poglede. Voze se biciklom po lokalnim gradovima i bočnim ulicama, upuštajući se u duboke razgovore i ponašanja, svaki obeležen svojim skrivenim namerama.

Nastup Timothée Chalamet-a je otkriće. U ranijim scenama, 22-godišnji glumac nosi lažni osećaj sigurnosti, podređen Eliovom talentu i superiornosti. Pun neobičnosti i ličnosti, Chalamet-ov potpuno proživljeni nastup podjednako je fizički i unutrašnji. Chalamet donosi humanost i dirljivost ponekad glupim, adolescentnim istraživanjima i, ubrzo, intenzivnoj, ali sofisticiranoj mladoj ljubavi. Armie Hammer je jednako otkrivački, podsećajući nas da je njegova veština godinama bila nedovoljno iskorišćena ili nerealizovana (detalj koji sugerišu njegove uloge u The Man from U.N.C.L.E., Free Fire i Nocturnal Animals). Gledan kroz Eliove oči, Hammer snima Oliverovu zadrhtalu i drsku ličnost, a ubrzo i njegov mudro-oklevajući stav prema njihovoj vezi. Kao otac koji pruža podršku, izvrsno umirujući Michael Stuhlbarg održava iskreni govor za vekove koji nije zaobilazan, ali možda premalo i prekasno za film.

Call Me by Your Name postavlja gomilu pitanja o nesigurnom pojmu ljubavi. Postoje li nesporne osobine ljubavi bez obzira na kulturu ili orijentaciju udruživanja? Da li sve reči i dela ljubavi dolaze iz istog osećaja duše ako je osoba bila bela, crna, homoseksualna, ravna, bogata, siromašna, religiozna, ateista ili neko temeljno verovanje i demografsko stanje između? U isto vreme, koje su neoborive granice koje se ne mogu preći, čak ni u ime ljubavi? Šta informiše i sprovodi te romantične ukaze? Malo je filmskih stvaralaca koji su ogromno senzorno preopterećenje Italije prikazali tako temeljito kao Guadagnino. Ima jedinstvenu sposobnost i fenomen da stvara fantomska čula. Osetili smo sunce na svojoj koži, iskusili vođenje ljubavi i gotovo smo osetili miris mediteranskih ploča u filmu "A Bigger Splash (2016)". U filmu Call Me by Your Name, njegov snimatelj Saiombhu Mukdeeprom (redovni saradnik tajlandskog filmaša Apichatpong Weerasethakul-a) s ljubavlju beleži ukus kajsije i meko kuvanih jaja; možemo osetiti vazduh na italijanskom selu; i on ulazi u blede uspomene na seksualno otkriće mladih. Ali uobičajeni, virtuozni stil Guadagnino-a je u Call Me by Your Name blaži od onih ranijih napora, sa daleko manje ekspresivnim ili manirnim kamernim radom i rezanjem. Umesto toga, on podržava materijal pri svakom formalnom izboru, postavljajući svoje likove u kadar na način koji otkriva njihove želje, ali takođe govori o tome kako moraju ostati razdvojeni.

Call Me by Your Name označava najbolje dosadašnje delo Guadagnina. Režiser primenjuje izrazito evropsku perspektivu na beskrajnu letnju priču o punoletstvu, razlikujući materijal kroz njegovo seksualno buđenje i istraživanje, kultivisane pojedince i senzualne užitke - osobine koje je Ivory-jev scenario, koji prevazilazi istopolni ukus priče. Guadagnino istražuje visine zaljubljenosti, isprepletene sumnje u sebe i krajnje slomljeno srce koje je rezultat tako savršene i kratke romanse, a kroz nju nadgleda zapanjujuće performanse i formalno uvažavanje tekstura, zvukova, ukusa i senzacija. Bacajući čaroliju na naša osećanja, kako emocionalna, tako i fizička, Guadagnino stvara majstorsko delo koje oživljava neku vrstu fantazije. Call Me by Your Name uključuje univerzalne emocije koje pripadaju svima, i nagrađuje naše iskustvo slasnim snimanjem filmova. Prvih i poslednjih trideset minuta filma Call Me by Your Name govori o savršenom filmskom stvaralaštvu.

OCENA: 10/10.

субота, 21. новембар 2020.

Omar (2013)

 

Režija: Hany Abu-Assad

Scenario: Hany Abu-Assad

Uloge: Adam Bakri, Leem Lubany, Eyad Hourani ...


Film Hany Abu-Assada, Omar govori o izraelsko-palestinskom nasilju i takođe o trojici prijatelja, mladića koji se čine poznatima gotovo čim ih vidimo zajedno. Tarek (Eyad Hourani) je vođa, Amjad (Samer Bisharat) je šaljivdžija, a Omar (Adam Bakri) je osetljiv, lep i atletski duša pesnika. I on i Amjad su zaljubljeni u Tarekovu sestru Nadiju (Leem Lubany), ali njihovo suparništvo kontroliše njihova naklonost jedno prema drugom i strogi običaji koji uređuju udvaranje i porodični život.

Abu-Assadov Omar započinje sa svojim istoimenim palestinskim likom (Adam Bakri) na putu da izvede snajperski napad na bazu izraelske vojske sa svoja dva prijatelja iz detinjstva. To je početak koji u izvesnom smislu pretpostavlja poznavanje Abu-Assadovog filma Paradise Now, pa čak i The Battle of Algiers Gilla Pontecorva, film koji Omar evocira više puta. Ali dok su ti filmovi istraživali zašto ljudi pod okupacijom pribegavaju terorizmu, Omar skreće pažnju na šire, dugoročne posledice života u potlačenim uslovima. Ne znači da Omar govori samo o psihološkom nasilju sa kojim se suočavaju Palestinci. Pored napada na izraelskog vojnika, film sadrži više od jedne scene brutalnog ispitivanja, koje su izraelske obaveštajne snage izvele nad Omarom u nadi da će iznuditi priznanje ili informacije o njegovim saučesnicima. Ipak, Abu-Assad to prikazuje kao samo jedan od efekata izraelskog ugnjetavanja, a ne nužno i najslabijeg. Omar je tokom filma stvorio mnogo ožiljaka i modrica, ali njegovo lice uvek ubrzo povrati svoju prvobitnu, čistu mladost. Ono što se akumulira su više unutrašnjih kazni, posebno gnojna paranoja među Omarom i njegovim prijateljima.

Omar je navikao da izbegava metke dok prelazi bezbednosni zid da poseti svoju tajnu ljubav Nadiju. Ali okupirana Palestina ne poznaje običnu ljubav, kao ni precizno ratovanje. Sa druge strane zida, osećajan mladi pekar Omar postaje borac za slobodu koji mora da se suoči sa bolnim izborima u vezi sa svojim životom i zrelošću. Kada Omara uhapse posle naslinog pružanja otpora, on biva uvučen u igru mačke i miša sa izraelskom vojnom policijom. Sumnja i izdaja ugroze dugogodišnje poverenje njegovih saveznika i prijatelja iz detinjstva Amdžada i Tareka, Nadijinog militantnog brata. Omarova osećanja ubrzo počnu da se urušavaju kao palestinski pejzaž. Ali uskoro postaje jasno da sve što Omar radi, radi zbog ljubavi prema Nadiji.

Kao i sa filmom Paradise Now, Abu-Assad odbija da demonizuje likove zbog njihovog lošeg izbora. Previše svestan slomljivog broja okupacija na Palestince, pokazuje muškarcima (film je muški usredsređen) kako donose tragične, često autodestruktivne odluke kao rezultat neizbežnog okruženja degradacije i nasilja. Pomoću Omara on je usavršio profil, prikazujući kako slabosti koje nas čine ljudima, posebno ljubavlju, na takvom mestu mogu dovesti do dela izdaje. Kao da je preuzeo tematske elemente sa vesterna i filma noir, koristeći borbu za dostojanstvo i atmosferu sumnje da bi objasnio, a ne opravdao gnusne postupke. Gledaocima sa čvrstim moralnim kompasom, koji ubijanje vide kao delo koje uvek treba osuditi, neće biti potreban Omar da bi im rekao šta je ispravno, a šta pogrešno.

Možda je osećaj deja vu-a u prvom poluvremenu neophodan za moć drugog, u kome se neprestano pogađaju izdaje i mogućnosti iskupljenja rastvaraju u situaciji bez izlaza. Omar je zaljubljen u Tarekovu sestru Nadju (Leem Lubany) i nada se da će je oženiti i odvesti na medeni mesec, ali čini se da je njihova ljubav nemoguća jer je njegova posvećenost pobuni Palestine trebala da mu bude prvi prioritet; pretnja smrću zbog toga neprekidno ga nadvija. A Omar, Tarek i Amjed ne suočavaju se samo sa životom žrtvovanim za palestinsku stvar; ako žive, moraju se boriti i sa izraelskom vojskom kojoj njihov najmanji pogrešan korak ili posvećenost porodici ili voljenima otvara mogućnost za iznudu. Za Palestince, dosledna cena okupacije način je na koji svakodnevni odnosi i odluke odmeravaju njihov potencijal da postanu omča koja pretvara u saradnika.

Iako nije povukao obarač, Omar je uhapšen. Ogoljen do gola i brutalno pretučen u zatvoru, odbija da imenuje druge umešane u zasedu, ali nepromišljeno govori Ramiju (Valeed F. Zuaiter), izraelskom obaveštajnom oficiru koji se predstavlja kao zatvorenik, da nikada neće priznati, izjava jednaka priznanju po izraelskom zakonu. Pod pretnjom doživotnog zatvora, Omarova ljubav prema Nadiji nagovara ga da prihvati puštanje pod uslovom da dovede Tareka za koga Izraelci veruju da je odgovoran za teroristički napad, mada nema dokaza koje Omar zapravo sledi.

Uprkos mutnoj radnji koja postaje sve složenija kako se događaji odvijaju, uzbudljive scene jurnjave i složene interakcije likova održavaju visok stepen zamaha. Omar nam omogućava da sagledavamo pritiske sa kojima ljudi na Zapadnoj obali moraju svakodnevno da žive u vrlo konkretnom i ličnom smislu, osvetljavajući situaciju u kojoj normalne socijalne interakcije postaju gotovo nemoguće. 

Film Hany Abu-Assada Omar, oseća se poput filma koji je nominovan za Oskara za najbolji strani film, što mu se i dogodilo. Film je dovoljno jasan: politička priča ispričana kroz ličnu dramu, dovoljno gruba u svojim temama da se oseća kao umetnički film, ali i dovoljno direktna u pripovedanju da to nije teško gledati. Sve se to odnosi i na Abu-Assadov Paradise Now, koji je takođe bio nominovan za Oscara i kojem ovaj film u velikoj meri predstavlja duhovni nastavak i prateći komad.

Adam Bakri (Omar) deluje s takvom žestinom i verodostojnošću da zapravo doživljavate njegove emocije zajedno s njim - što je prava retkost u filmskoj industriji danas. Isto tako, ne bi se mogla reći loša primedba ni o ostatku glumačkih sposobnosti glumačke ekipe, što je zaista još veća retkost. Omar nije nimalo lak, ali sigurno je da će vam privući konce srca i obrazovati vas u životima onih koji žive u ratom zahvaćenim regijama. Da li ste ikada videli film koji posle jednostavno niste mogli izbaciti iz glave? Omar je nesumnjivo jedan od takvih.

Omar pomera granice žanra u vatrenoj priči o izdaji, ugnjetavanju i divergenciji, postavljenoj usred izraelsko-palestinskog sukoba. Bez obzira kuda pripovedanje vodi, ljubavna priča je stalno ispred i u središtu i nikada ne izlazi na lak način. Nakon što je Omar pušten iz zatvora, uokolo se šire glasine da radi protiv pobune, glasine koja pokreće šiljak u srcu Omarove i Nadijeve veze. Laži i preokreti se nastavljaju tokom čitavog filma, gde nikada niste sigurni kome treba verovati, a ljudi nikada nisu onakvi kakvima se čine. Omar se takmiči sa svime što danas izlazi iz Holivuda u smislu političkih trilera, pa čak i ljubavnih priča. Sa većinom glumaca koji glume uglavnom prvi put, postoji potpuno razumevanje likova koje je projektovala većina glumačke ekipe, posebno glavni glumac, Adam Bakri i Eyad Hourani, koji glumi Tareka. Takođe, krade predstavu neverovatno i prirodno prelepa Nadia koju glumi Leem Lubany. Ako iz ovoga izađe jedna osoba sa svetlom budućnošću u glumi, to je ona. Omar definitivno važi kao film koji se mora videti.

OCENA: 9/10.

петак, 20. новембар 2020.

Interstellar (2014)

 

Režija: Christopher Nolan

Scenario: Jonathan Nolan, Christopher Nolan

Uloge: Matthew McConaughey, Jessica Chastain, Anne Hathaway, Ellen Burstyn, Mackenzie Foy, John Lithgow, Timothée Chalamet, David Oyelowo, Collette Wolfe…


Kada Christopher Nolan pilotira svemirskom misijom da pronađe novi dom za čovečanstvo u svom filmu Interstellar, ne očekujete ništa osim remek-dela. Pa čak i ako ste Gravitaciju gledali već nekoliko puta, pripremite se da vas oduševi sofisticirani scenario koji je prepun ideja o ljubavi, čežnji, avanturi, nauci i odlučnosti - i vizuelno čarobnjaštvo koje traje skoro tri sata. Cristopher Nolan režirao je film prema scenariju koji je napisao zajedno sa svojim bratom Jonathanom Nolanom. Jednostavno predstavljenom složenom pričom, raskošno skupom i potpuno originalnom, bila je jedna od glavnih uspešnica 2014. godine. Film prikazuje jednu od mogućih verzija ne tako daleke budućnosti nas samih, u kojoj ne ide sve tako dobro i po planu. Budućnost Zemlje obeležavaju ekološke katastrofe - suše i nestašica hrane, kao rezultat drastičnih promena u ukupnim klimatskim uslovima. Jedini način da se čovečanstvo spasi je preseljenje na novootkrivenu planetu sa nagoveštajima okoline u kojoj bi ljudski život bio moguć. Nolan je okupio neke od najcenjenijih glumaca modernog doba, uključujući oskarovce Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Michael Caine i Ellen Burstin i nominovane za Oscara Jessicu Chastain, Timothee Chalamet i John Lithgov.

Počinjemo negde u američkom poljoprivrednom pojasu, koji Nolan dočarava punom mitskom veličinom - plamenom sunčeve svetlosti, visokim stabljikama kukuruza, vrtećim kombinacijama. Ali ubrzo postaje jasno da je ovo potencijalno polje snova nešto bliže košmaru. Brižni otac Cooper (Matthew McConaughey), školovani pilot i inženjer, posvetio se mirnom životu farmera na imanju na kojem živi sa svojom decom. Kada skupina znanstvenika otkrije rupu u svemiru koja bi ljudskoj vrsti mogla omogućiti međuzvezdano putovanje, obratit će se upravo njemu kako bi krenuo na put s kojeg možda i nema povratka. Ulozi su visoki kao i odgovornost koju Cooper nosi na svojim leđima... Cooper ne samo da dobija šansu da ponovo bude pilot već i da predvodi najvažniju misiju svih vremena. Zbog toga mora ostaviti svoju decu, a niko ne može reći na koliko dugo. Još je gore što Murph (Jessica Chastain) ne veruje da će se on ikada vratiti. Profesor Brand (Michael Caine), čiji um stoji iza ove misije, mora se oprostiti od svoje ćerke (Anne Hathaway), koja će biti članica posade.

Jednom kada konačno poletimo i uđemo u svemir, vizuelni elementi su zapanjujući. Postoji prikladan termin koji se koristi u istoriji umetnosti i teologiji i naziva se „uzvišeno“. Opisuje osećaj strahopoštovanja obojen neopisivim i neodoljivim strahom, sučeljavanja sa beskonačnim i konačnim koji se približava osećaju božanskog razumevanja. Širokokutne slike prostora stvorene za Interstellar upravo su to. Oni hvataju ogromnu, tihu prazninu svemira, njegovu zadivljujuću skalu i koliko smo mali u tom kontekstu. Većina naučnih koncepata koje Nolan koristi za film su stvarne teorije, a čak je i teorijskog fizičara Kipa Thorna uveo u ulogu jednog od izvršnih producenata filma. 

Odnos između Coopera i Murph, veze ljubavi između oca i ćerke, na kraju je ono što povezuje čitav film - preko galaksija, kroz crvotočine, izvan vremena, planeta i singularnosti. Na papiru zvuči bezobrazno sirovito, ali odnos Murph-a i Coopera i stvarnost relativnosti vremena daju svakoj radnji ekipe Endurance-a dodatnu emocionalnu težinu. Film pokušava objasniti relativnost jednostavnim, vizuelnim terminima kako bi zadržao publiku na brodu, tako da ne morate biti fizičar da biste razumeli šta se događa. Nolan je rekao da je oduvek bio filmski stvaralac koji više voli da veruje svojoj publici da drži korak, umesto da preterano objašnjava stvari. Isto tako, ovde on veruje svojoj publici da dovoljno izvuče iz mnogih rasprava o teorijskoj fizici u filmu da će moći da prati šta se dešava čak i ako ne razumeju koncepte u potpunosti. Fizičar Kalifornijskog tehnološkog instituta Kip Thorne, poznat po svom radu na prohodnim crvotočinama, bio je savetnik za scenario braće Nolan (Christopherov brat Jonathan bio je koscenarista) i za film je dobio zaslugu izvršnog producenta. Kao takav, Interstellar je pohvaljen za neviđenu tačnost svojih prikaza crnih rupa i crvotočina. Ali čak i za nas koji nismo nimalo mudriji u takvim stvarima, vizuelni prikazi ovih pojava i dalje su vrlo upečatljivi. Impresivne vizuelne efekte dopunjuje upotreba zapanjujućeg snimanja lokacije za one scene koje se odvijaju na stranim planetama. Rezultat je da je Interstellar u velikoj meri film sa velikim ekranom.

Naučna fantastika, posebno kada se udaljite od akcijsko-avanturističkog kraja spektra ka narativima zasnovanim na idejama, često se optužuje da je hladna i bez emocija. Nolan se suočio sa sličnim kritikama sopstvenog filmskog stvaralaštva, da njegovim filmovima, bez obzira na spektakl i veličinu, opseg i razmere, nedostaje kucajuće ljudsko srce. Čini se da u Interstellaru Nolan traži taj balans, prateći teorijsku fiziku koja priču obaveštava istraživanjem ljudskih tema nade i žrtve. Interstellar se postavlja kao vrlo naučni film, u kojem ljudi deluju pragmatično, ali zatim uvode osećanja, ljubav i veze među ljudima kao motivacione snage koje moraju biti uračunate u ovu naučnu jednačinu.

Od početka je jasno da je mnogo vremena i novca potrošeno na produkciju i postprodukciju filma. Jednostavno izgleda predivno sa preciznim nivoom. Zaista, kinematografija, koju je uradio Hoit Van Hoitema, je pohvalna bilo da se radi o jednostavnom zemaljskom okruženju ili u čudnom ne-svetskom okruženju; radeći podudarno u skladu sa Nolanovom velikom vizijom za njegovu ulogu. Dodajući opseg i vizuelni osećaj filma, Nolan poziva slavnog kompozitora Hansa Zimmera da postigne ovaj svemirski opus filma. Zimmer, koji je sarađivao sa Nolanom na nekoliko njegovih filmova, donosi zvezdanu i melodičnu notu koja se savršeno uklapa. Jednostavno ne slušate muziku, već je osećate.

Interstellar je ambiciozan, ali nesavršen. Film je Nolanova ljubavna nota svemirskim putovanjima od njegovog istraživanja do naučnog, ali svemirsko-vremenska teorija koja će sigurno ostaviti nekoliko ljudi da se češu po glavi zbunjeno, iako radnja pokušava da gledaoce što manje povuče u to. Međutim, kada gledaoci probave kvantnu mehaniku svega i krenu se kroz neobjašnjive narativne rupe u priči, Interstellar postaje ugodniji. Pogled na film se od osobe do osobe može razlikovati, i pored nekoliko svojih logičkih grešaka u pripovedanju i u poduhvatu, Interstellar pruža opseg i veličinu spektakularnim vizuelnim prikazima i emocionalnom dramom koji zajedno stvaraju lepo osmišljeno kinematografsko iskustvo.

Anne Hathaway, pruža dobru predstavu, Jessica Chastain glumi stariju verziju Cooperove ćerke Murphi i obavlja uzoran posao u svojoj ulozi performansa nudeći snažne emotivne scene. Ista stvar se može reći i za Mackenzie Foi-a, koji igra mlađeg Murphi-ja. I na kraju, to ne bi bio film o Christopheru Nolanu bez pojave Michael Caine-a, koji glumi oca Anne Hathaway i (po običaju) služi kao sporedni lik, koji u nekoliko scena dalje pokreće naraciju. Interstellar postiže dobru ravnotežu između dosadnog života u svemiru sa oštrim, ali prelepim pejzažima zamišljenih vanzemaljskih svetova. Osim toga, Interstellar ima neke od najzanimljivijih i najatraktivnijih robota u novijoj istoriji filma, i zahteva koncentraciju i pažnju na detalje od početka do kraja; bez toga je možda teško slediti poslednji čin filma.

Christopher Nolan se sigurno proslavio u svetu filmova. Kada kreira film, svi ga primete sa pojačanim osećajem čuđenja i spletki. Nolan je započeo sa dobrim, ali manje poznatim igranim filmovima kao što su Following, Memento, Insomnia i The Prestige. Na kraju je postao u velikoj meri poznat po superherojskoj uspešnici Trilogija mračnog viteza (Batman Begins, The Dark Knight i The Dark Knight Rises) i svojoj dramatičnoj snovnoj drami Inception. Ta četiri filma prikupila su neverovatne brojeve na blagajnama i Nolana postavila do traženog režisera u Holivudu. Sa vremenom od 169 minuta, Interstellar je dug film. Christopher Nolan nije snimio film ispod dva sata dugi niz godina - većina je bila oko 150 minuta - pa dužina ovde ne bi trebalo da iznenađuje. Dužina, naravno, sama po sebi nije problem ako film može da vas održi u tom periodu.

Inspirisan knjigom Stanley Kubrick-a 2001: A Space Odyssey, Interstellar je naučno-fantastični film o timu svemirskih putnika koji putuju kroz crvotočinu u potrazi za novom naseljivom planetom. Smešten u distopijsku budućnost, reditelj Christopher Nolan pokazuje nam svet u kojem su masovne oluje prašine uništile useve Zemlje. Situacija je toliko loša da vlada odlučuje da čovečanstvu treba novi dom među zvezdama. Matthev McConaughei glumi glavnu ulogu u filmu kao hrabri istraživač svemira izabran za spas čovečanstva. Interstellar je verovatno jedan od najsmelijih filmova naučne fantastike ikada snimljenih. Složenost svemira je na ekranu, ali poruka filma govori o čovečanstvu, našoj planeti i posledicama delovanja. Za kraj, Interstellar u svom pripovedanju predstavlja zanimljivu temu. Iako je sudbina čovečanstva u pitanju, film je uokviren dilemom porodice i posla / dužnosti i napornim odnosima ljubavi i besa između roditelja i deteta (Cooper i Murphi u filmu), nešto što je uobičajeno u našem životu sveta.

OCENA: 9,5/10.